Queridas amigas, queridos amigos: aquí tenéis cordialmente la
invitación a la apertura de la muestra del artista Pablo Reinoso que he
comisariado, y que tendrá lugar el próximo día 13 en el Museo Nacional de Artes
Decorativas. Será para mí muy grato poder contar con vuestra presencia.
Abrazos.
- Publicación original: El aprendiz en el sol. Marcel Duchamp y la experiencia estética de la modernidad.
LaOficina,
Madrid, 2023.
- Traducción
y edición en Italia, con el apoyo y un excelente prefacio de Massimo Cacciari,
a quien quiero expresar mi profundo agradecimiento:
Marcel
Duchamp. L’apprendista
nel sole e l’esperienza estética della modernità.
Morcelliana, Brescia, 2025.
- Y ahora,
traducción y edición en Francia:
Marcel
Duchamp et l’expérience esthétique de la modernité.L’apprenti dans le soleil.
Hdiffusion, Villiers Saint-Josse, 2025.
Robert Rauschenberg: El vuelo de las imágenes
En esta ocasión se han reunido nada menos que 187
piezas, entre obras y soportes documentales. Organizada en seis secciones, y
con un excelente y transparente montaje, podemos llegar a captar y comprender
en profundidad las claves centrales de la trayectoria artística de Rauschenberg.
Ante la pluralidad de medios y soportes expresivos utilizados por él, la clave
de la muestra como se puede apreciar por su título es el papel que juegan las
imágenes como núcleo de la pluralidad que predomina siempre en sus obras.
Los títulos de las secciones en la exposición, que
articulan el recorrido, son: (1) FOTOGRAFIAR, (2) PROCESO DE TRABAJO, (3)
COLABORACIONES CON TRISHA BROWN, (4) ROCI, (5) CONFIAR EN LOS MATERIALES y (6)
CONECTAR CON LO DESCONOCIDO. A través de ellas vamos viendo los diversos
soportes utilizados por Rauschenberg: pintura, fotografía, collages,
serigrafías, e incluso objetos (por ejemplo, una silla) y animales disecados.
El inicio con la fotografía nos lleva a todo un
desencadenante, pues si su horizonte artístico se abrió desde la pintura en el
eco del expresionismo abstracto, ya a comienzos de los años cincuenta empezó a
trabajar en profundidad con los soportes fotográficos. De hecho, Rauschenberg
se consideraba a sí mismo “fotógrafo y artista”. En un texto de 1986 señaló:
“La fotografía tiene la ventaja evidente sobre otras profesiones artísticas de
que, incluso con prejuicios y obsesiones, es indiscutiblemente la verdad.”
Y de eso se trata en sus planteamientos artísticos: de buscar
la verdad, en un mundo en el que la abundancia de imágenes pragmáticas y
mediáticas nos rodea y asedia continuamente, ante lo que es necesario producir
imágenes cuyo objetivo prioritario sea la búsqueda y la representación de la
verdad.
La fotografía es referencial para Rauschenberg, pero en su búsqueda de lo que da el
vuelo de la verdad a las imágenes es también decisiva su apertura a todo tipo
de soportes expresivos. La utilización de la obra gráfica, de los planos (blueprints), el interés
por las acciones: por la danza, por el teatro, y por los viajes… Y es
importante destacar que en la realización de las obras utiliza continuamente la
mezcla de todos esos diversos soportes, atendiendo a las características
concretas del objetivo que se busca representar.
Su interés por los
viajes le llevó en 1982 a la puesta en marcha de un proyecto colectivo, con muy
diversos desplazamientos por todo el planeta, al que le dio el nombre: ROCI.
Aquí el significado, en inglés: Rauschenberg Overseas
Culture Interchange, y en traducción al español: Intercambio Cultural Transoceanico
Rauschenberg. Rauschenberg entiende los viajes y desplazamientos como procesos
de búsqueda de lo diverso, llevado en síntesis de transferencias de lenguajes y
representaciones a las obras. Y de todo ello es también un signo el uso del
anagrama: ROCI.
Así
justificó Rauschenberg su proyecto en 1982. “Es un enérgico ataque artístico
multimedia para demostrar que un contacto artístico de 1 a 1 con las gentes del
mundo generará paz + la comprensión de que la destrucción es el subproducto
defensivo de la ignorancia y de las mentiras, y que en último término la paz
está en manos del único vehículo que queda sin corromper: el arte.”
El
compromiso artístico de Rauschenberg con la búsqueda de la verdad hizo de él lo
que yo considero un artista pionero «multimedia», en el sentido más profundo
del término. En lugar de limitarse a soportes de representación singulares y
diferenciados, su trayectoria supuso una mezcla e intersección de muy diversos
soportes, algo que él mismo cifró en su concepto de transferencia, una
de las claves que permite comprender mejor el alcance que sus obras tuvieron y
siguen teniendo.
Rauschenberg
utilizaba de un modo fundamental la fotografía, para construir collages o
técnicas diversas de superposición, con ello se alcanzaba un nivel de más
abstracción en las imágenes. Las transferencias se convierten en estructuras
abiertas, de mezclas de significados, con resonancias musicales y lingüísticas
en los ámbitos de las imágenes. De este modo, el vuelo de las imágenes alcanza
una mayor intensidad.
Esta exposición ejemplar nos permite viajar en profundidad al profundo vuelo creativo de Rauschenberg. Y resulta de gran interés el papel que tiene para él la fotografía en el juego de las transferencias. En el texto de 1986, al que ya antes me referí, señala también: “La fotografía es un medio que depende de la luz intuida, hay brillo en la oscuridad. La revelación de la vida y los acontecimientos eleva la realidad.” De eso se trata: a través del vuelo artístico de las imágenes, Rauschenberg transfiere nuestra mirada para que así alcancemos a ver lo que habitualmente no vemos.
* Robert Rauschenberg: El uso de las imágenes. Comisariado: Manuel Fontán, Inés Vallejo y
Lucía Montes. Fundación
Juan March, Madrid. Del 3 de octubre de 2025 al 18 de enero de 2026.
* Publicado en EL CULTURAL:
- Edición impresa, 10 de octubre de 2025, pgs. 30-31.
- Edición online: https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20251014/robert-rauschenberg-vuelo-imagenes-expresionista-abstracto-anticipo-arte-pop/1003743953329_0.html
La exposición que acaba de presentarse en el Museo Lázaro Galdiano, aunque no nos transmite una visión completa de su trabajo, sí nos permite una atención concentrada en su obra artística. En ella se presentan 84 obras, casi todas de medio o pequeño formato. Se trata sobre todo de fotografías, junto a una serie de dibujos recientemente descubiertos y ahora en su mayoría expuestos al público por primera vez. Hay también un conjunto de diarios y cuadernos con trazos elaborados con lápiz y tinta china, así como una única pintura de pequeño formato. Es toda una ocasión para situar la relevancia de Dora Maar en el arte de nuestro tiempo.
De vuelta a París en 1926, la joven Henriette estudia arte y fotografía, adopta el pseudónimo de Dora Maar, y viaja a Barcelona y Londres. Se convierte en amante de Georges Bataille en 1934. Conectó con los surrealistas en 1935, y firma panfletos con ellos. En 1935, Jean Renoir la contrató como fotógrafa para la película El crimen del señor Lange. En la presentación del filme vio por primera vez y conoció a Picasso, 26 años mayor que ella y ya un artista mundialmente famoso. Ella tenía 29 años y él 55. Más tarde volvieron a encontrarse en el café Les Deux Magots, donde iniciaron una relación amorosa. Ella estaba en la cima de su carrera, mientras que él salía de lo que describió como «la peor época de mi vida».
Aunque había empezado estudiando pintura, no le acababa de gustar plenamente, y así Dora Maar se dedicó al estudio de la fotografía y a su despliegue como trabajo artístico. Es algo que constituye el núcleo central de las piezas reunidas en la exposición, datadas entre 1933 y 1939. Lo que vemos en las mismas son especialmente ambientes urbanos, con vendedores y figuras ambulantes. También imágenes tomadas en sus viajes en torno al mar. Y después de su encuentro con Picasso, imágenes personales del mismo junto a otras que documentan la elaboración del Guernica. Y no sólo Picasso, hay también dos expresivas imágenes de personas muy relevantes en el ámbito de la cultura: un retrato de Frida Kahlo, datado en torno a 1934, y ya mucho más tarde: en 1949, otro de Jean Cocteau.
Para sus fotografías utiliza las técnicas del foto-collage y del desenfoque, lo que le permite mezclar e insertar representaciones de carácter diverso. En mi opinión, es en esta línea donde se sitúa lo más decisivo de su trabajo artístico, pues en las mismas se nos transmite una visión interior y profunda de todo lo que aparece, llevándonos a mirar lo más hondo de lo que constituye el escenario de nuestras experiencias. Considero que una de las piezas más expresivas de todo ello es Sin título (Mano-marisco) (1934), en la que vemos cómo una hermosa mano femenina brota de una concha de marisco, y de ella se presenta en la muestra una copia moderna.
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Dora Maar decidió volver a la pintura a partir de 1935, tras el encuentro con Picasso, quien la animó a continuar con ello, y a lo que dedicó buena parte de los últimos años de su trayectoria. Sus pinturas están también caracterizadas por la mezcla y la superposición de imágenes, en lugar de la figuración tradicional. Predomina en ellas la impronta de la interrogación surrealista. En la muestra vemos una pequeña pintura: Paisaje (sur de Francia) (c. 1957), en la que el cielo se superpone a un paisaje desértico. Y, desde luego, son particularmente atractivos los dibujos, junto a los cuadernos y diarios, que podemos ver también aquí, y que juegan con imágenes no figurativas con una impronta cubista.
* Dora Maar: fotografía y dibujos. Comisaria: María Millán. Museo Lázaro Galdiano, Madrid. Del 6 de junio al 14 de septiembre.
* Publicado en EL CULTURAL:
- Edición impresa, 27 de junio de 2025, pgs. 28-29.
- Edición online:https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20250705/dora-maar-artista-derecho-propio-alla-picasso/1003743812783_0.html
