tag:blogger.com,1999:blog-82414516960342626872024-03-15T04:25:43.665-07:00Cuerpo y tiempoBlog de José Jiménez -
Filosofía, escritura, artes, mundoJosé Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.comBlogger364125tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-42328815749572018792024-03-15T04:25:00.000-07:002024-03-15T04:25:07.940-07:00Crítica de libro<p> </p><p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -1.0cm; margin-right: -35.8pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none; text-align: center; text-indent: 0cm;"><a name="_MailAutoSig"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 20.0pt; line-height: 150%;">El espejo de la amistad</span></b></a></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Es todo un acontecimiento: la publicación
de la correspondencia entre dos de las figuras intelectuales más relevantes en
la España del siglo XX: Joan Brossa (1919-1998) y Antoni Tàpies (1923-2012).
Datados entre 1950 y 1991, se han reunido 32 documentos: 12 emitidos por Brossa
y 20 por Tàpies. Estamos ante 23 cartas, 6 postales, 1 dedicatoria, 1 nota en
un dietario, y 1 telegrama. También, ante 32 ilustraciones, en blanco y negro y
en color, que reproducen originales de documentos e imágenes visuales de carácter
histórico sobre Brossa y Tàpies. Hay que destacar el profundo trabajo de
edición de todo ello a cargo de </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Manuel
Guerrero Brullet, así como la precisa traducción y el iluminador prólogo de
síntesis de Andrés Sánchez Robayna en la impresión en castellano. </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><br /></span></span></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -0.1pt; text-align: center; text-indent: 1cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgQHFeNXnwn3EC9zfIpcxPjy4v__C6ev9yPEEbmzXpFvWXuCBcHIqke2hka1y1nODt249vDYosZa_1nB3IQbzo09fQNywaqqSvcA-WO-G-NqZtVvYfFf-g9SccX8TEElgRuhWzs8IqnfVmnC8-FOnK-8cUW6W7exlh0191z29ESPB3XUpDHjUrTsG3sOI/s981/9%20Con%20coraz%C3%B3n%20de%20fuego.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="981" data-original-width="650" height="613" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgQHFeNXnwn3EC9zfIpcxPjy4v__C6ev9yPEEbmzXpFvWXuCBcHIqke2hka1y1nODt249vDYosZa_1nB3IQbzo09fQNywaqqSvcA-WO-G-NqZtVvYfFf-g9SccX8TEElgRuhWzs8IqnfVmnC8-FOnK-8cUW6W7exlh0191z29ESPB3XUpDHjUrTsG3sOI/w406-h613/9%20Con%20coraz%C3%B3n%20de%20fuego.jpg" width="406" /></a></div><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Las cartas nos revelan la importancia que
tuvo para ambos la estancia de Tàpies en París. El núcleo más importante de
materiales reunidos: 23, están datados durante esa estancia, desde diciembre de
1950 hasta julio de 1951. El 17 de enero de 1951, Tàpies le indica a Brossa “la
importancia que tiene venir a vivir una temporada en esta ciudad” (pg. 150). Lo
que fluye es la importancia que tanto Brossa como Tàpies dan a los viajes y las
relaciones con otros como formas de conocimiento y experiencia.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Podemos apreciar también la unión de ambos
con el grupo de la revista <i>Dau al Set</i>, cuyo primer número apareció en
septiembre de 1948. Posteriormente, se situaron fuera del grupo, aunque
mantuvieron apariciones en la revista. Y respecto a esta cuestión, otro de los
elementos a tener en cuenta es la publicación en el libro de dos cartas a
Brossa del poeta y diplomático brasileño João Cabral de Melo Neto (1920-1999),
que pondrían de manifiesto el papel que éste jugó en introducir a Brossa y
Tàpies en el pensamiento marxista y comunista, y su influjo en la ruptura de
ambos con <i>Dau al Set</i>. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Con la visión y lectura de todos esos
materiales podemos apreciar de un modo directo el profundo lazo de amistad, que
tuvo su inicio en 1945, y la convergencia de intereses que se mantuvieron firmes,
a lo largo del tiempo, entre Brossa y Tàpies. Se trata de una amistad profunda
y duradera, articulada en todo momento a través de dimensiones afectivas
personales, y a través del diálogo e intercambio de las dimensiones artísticas
de la representación: el lenguaje y las formas visuales. Como trasfondo
advertimos la importancia en ambos del catalanismo, así como las
características especiales, también en la cultura, de las posiciones y
actitudes humanas en Cataluña.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Entre Brossa y Tàpies se trazaban líneas de
correspondencia, verbales y visuales, que transmiten un efecto de espejo: los
dos se sentían reflejados en lo que cada uno de ellos planteaba y elaboraba. En
todo momento se hacen presentes las confluencias de sus planteamientos éticos y
políticos, en defensa de la libertad humana, y las críticas de los
totalitarismos, en especial del franquismo. Ya en una carta del 25 de diciembre
de 1950, Brossa le dice a Tàpies “continúo creyendo que hay que tomar un camino
a mano izquierda” (pg. 143).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Una intensa síntesis de lo que ese espejo
de amistad produce en uno y otro es lo que Tàpies le escribe a Brossa en una
carta del 22 de marzo de 1951: “sabemos salir a cantar la buena nueva, a hacer
«de ingenieros de almas» (porque esta creo que es nuestra misión), y preparar
el nuevo mundo que nos ha de hacer hermanos. «Se acabaron los orgullos.»” (pg.
171). El término «ingenieros de almas» remite a uno de los libros de Cabral de
Melo: <i>O engenheiro</i> (1945).<i> </i>Brossa le había dicho poco antes, a
mediados de febrero del mismo año, que el nuevo sentido que había adquirido le
había hecho tomar “el arte y la poesía como un medio de relación entre los
hombres.” (pg. 161). En definitiva, como horizonte para ambos el arte y la
poesía como vía para propiciar la hermandad, la relación profunda, entre los
seres humanos. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Y en esa síntesis encontramos también los
ecos y reflejos, tanto en Brossa como en Tàpies, entre el arte y la poesía. Si
hay que considerar a Brossa fundamentalmente como poeta, no hay que ignorar la
importancia de su proyección en el espacio del arte, que se fue manifestando en
no pocas exposiciones también en museos. El núcleo más profundo del trabajo
creativo de Brossa es la poesía visual, sus procedimientos de visualización de
las formas de la experiencia en el lenguaje. Y lo que no podemos dejar de
apreciar en Tàpies, en el intenso flujo de sus obras, tanto pictóricas como escultóricas,
es la poesía interior, el trasfondo poético que él nos hace ver en las formas
visuales de representación. <i>El espejo Brossa/Tàpies</i>. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p> </o:p></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; letter-spacing: .15pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Joan Brossa y Antoni Tàpies</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">: <i>Con corazón de fuego</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;"> Correspondencia (1950-1991)</span>. Edición,
introducción y notas de Manuel Guerrero Brullet. Traducción y prólogo de Andrés
Sánchez Robayna; Galaxia Gutenberg, Barcelona, 2024. 295 pgs.</span></span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p><br /></o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">*
Publicado en EL CULTURAL: <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">-
Edición impresa, 8 marzo, pg. 41. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">*
Edición <i style="mso-bidi-font-style: normal;">online</i>,</span> <a href="https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20240314/catalanismo-marxismo-poesia-cruzan-cartas-antoni-tapies-joan-brossa/838916208_0.html">https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20240314/catalanismo-marxismo-poesia-cruzan-cartas-antoni-tapies-joan-brossa/838916208_0.html</a>
<span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p> </o:p></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-51845782807382475472024-03-10T01:44:00.000-08:002024-03-10T01:52:46.252-08:00Conferencia en la Fundación Canal, Madrid<p style="text-align: center;"> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhwJ_VmWXfQmOetSVgAfwl0fvrVdEiLmrUyTarfkn2PwkUOp7mU4cudHGlDiKL-DWRNSJli9xKaS9-YK-qTc64vrZded7-R3soA9NmPBj7gZTPhwbH5kZaZCzmrhFICDAdKW18f5wWUGRjmiyKzMUp-ntRbwGVmtK5zqn4ij1tL94EqFRS_PWEAj4b_2WI" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="734" data-original-width="774" height="462" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhwJ_VmWXfQmOetSVgAfwl0fvrVdEiLmrUyTarfkn2PwkUOp7mU4cudHGlDiKL-DWRNSJli9xKaS9-YK-qTc64vrZded7-R3soA9NmPBj7gZTPhwbH5kZaZCzmrhFICDAdKW18f5wWUGRjmiyKzMUp-ntRbwGVmtK5zqn4ij1tL94EqFRS_PWEAj4b_2WI=w488-h462" width="488" /></a></div><br /><p></p><p style="margin-bottom: 7.5pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm;"><strong><span style="color: #111111; font-family: "Arial",sans-serif;">Jueves 14 de marzo a las
18:30 h.</span></strong><b><span style="color: #111111; font-family: "Arial",sans-serif;"><br />
<strong>Auditorio Fundación Canal.
Mateo Inurria, 2</strong></span></b><span style="color: #111111; font-family: "Verdana",sans-serif;"><o:p></o:p></span></p><p style="text-align: left;">
<span style="color: #111111; font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Aptos; mso-fareast-language: ES; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">Polémico, transgresor y
provocador. Marcel Duchamp, considerado uno de los </span></p><p style="text-align: left;"><span style="color: #111111; font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Aptos; mso-fareast-language: ES; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">artistas más influyentes del
siglo XX, cambió por completo los fundamentos</span></p><p style="text-align: left;"><span style="color: #111111; font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Aptos; mso-fareast-language: ES; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"> del arte contemporáneo. Se
adentró en la creación conceptual y elevó el </span></p><p style="text-align: left;"><span style="color: #111111; font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Aptos; mso-fareast-language: ES; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">objeto cotidiano a categoría de arte.
José Jiménez, filósofo, catedrático de </span></p><p style="text-align: left;"><span style="color: #111111; font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Aptos; mso-fareast-language: ES; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">Estética y gran estudioso del creador
francés, analizará en este encuentro </span></p><p style="text-align: left;"><span style="color: #111111; font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Aptos; mso-fareast-language: ES; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">su obra y sus hallazgos con motivo de la
nueva exposición de la Fundación </span></p><p style="text-align: left;"><span style="color: #111111; font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: Aptos; mso-fareast-language: ES; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">Canal “Surrealismos. La era de la máquina”. </span></p><div align="center">
<div align="center">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable">
<tbody><tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div align="center">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="mso-cellspacing: 0cm; mso-padding-alt: 0cm 0cm 0cm 0cm; mso-yfti-tbllook: 1184; width: 640px;">
<tbody><tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div align="center">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="border-collapse: collapse; mso-padding-alt: 0cm 0cm 0cm 0cm; mso-yfti-tbllook: 1184; width: 100%;">
<tbody><tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 6.75pt 0cm;">
<div align="center">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable">
<tbody><tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm; width: 480.0pt;" valign="top" width="640">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="border-collapse: collapse; mso-padding-alt: 0cm 0cm 0cm 0cm; mso-yfti-tbllook: 1184; width: 100%;">
<tbody><tr>
<td style="padding: 0cm 7.5pt 0cm 7.5pt;">
<div align="center"><br />
</div>
</td>
</tr>
</tbody></table>
</td>
</tr>
</tbody></table>
</div>
</td>
</tr>
</tbody></table>
</div>
</td>
</tr>
</tbody></table>
</div>
</td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div align="center">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="mso-cellspacing: 0cm; mso-padding-alt: 0cm 0cm 0cm 0cm; mso-yfti-tbllook: 1184; width: 640px;">
<tbody><tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div align="center">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="border-collapse: collapse; mso-padding-alt: 0cm 0cm 0cm 0cm; mso-yfti-tbllook: 1184; width: 100%;">
<tbody><tr>
<td style="padding: 15.0pt 0cm 15.0pt 0cm;">
<div align="center">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable"><tbody>
</tbody></table>
</div>
</td>
</tr>
</tbody></table>
</div>
</td>
</tr>
</tbody></table>
</div>
</td>
</tr>
</tbody></table>
</div><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="mso-cellspacing: 0cm; mso-padding-alt: 0cm 0cm 0cm 0cm; mso-yfti-tbllook: 1184;">
<tbody><tr style="mso-yfti-firstrow: yes; mso-yfti-irow: 0;">
<td style="padding: 0cm;">
<div align="center">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="mso-cellspacing: 0cm; mso-padding-alt: 0cm 0cm 0cm 0cm; mso-yfti-tbllook: 1184; width: 640px;">
<tbody><tr style="mso-yfti-firstrow: yes; mso-yfti-irow: 0; mso-yfti-lastrow: yes;">
<td style="padding: 0cm;">
<div align="center">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="border-collapse: collapse; mso-padding-alt: 0cm 0cm 0cm 0cm; mso-yfti-tbllook: 1184; width: 100%;">
<tbody><tr style="mso-yfti-firstrow: yes; mso-yfti-irow: 0; mso-yfti-lastrow: yes;">
<td style="padding: 0cm 0cm 6.75pt;">
<div align="center">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="mso-cellspacing: 0cm; mso-padding-alt: 0cm 0cm 0cm 0cm; mso-yfti-tbllook: 1184;">
<tbody><tr style="mso-yfti-firstrow: yes; mso-yfti-irow: 0; mso-yfti-lastrow: yes;">
<td style="padding: 0cm; width: 480pt;" valign="top" width="640">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="border-collapse: collapse; mso-padding-alt: 0cm 0cm 0cm 0cm; mso-yfti-tbllook: 1184; width: 100%;">
<tbody><tr style="mso-yfti-firstrow: yes; mso-yfti-irow: 0; mso-yfti-lastrow: yes;">
<td style="padding: 0cm 7.5pt;">
<div align="center"><br />
</div>
</td>
</tr>
</tbody></table>
</td>
</tr>
</tbody></table>
</div>
</td>
</tr>
</tbody></table>
</div>
</td>
</tr>
</tbody></table>
</div>
</td>
</tr>
<tr style="mso-yfti-irow: 1; mso-yfti-lastrow: yes;">
<td style="padding: 0cm;">
<div align="center">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="mso-cellspacing: 0cm; mso-padding-alt: 0cm 0cm 0cm 0cm; mso-yfti-tbllook: 1184; width: 640px;">
<tbody><tr style="mso-yfti-firstrow: yes; mso-yfti-irow: 0; mso-yfti-lastrow: yes;">
<td style="padding: 0cm;">
<div align="center">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="border-collapse: collapse; mso-padding-alt: 0cm 0cm 0cm 0cm; mso-yfti-tbllook: 1184; width: 100%;">
<tbody><tr style="mso-yfti-firstrow: yes; mso-yfti-irow: 0; mso-yfti-lastrow: yes;">
<td style="padding: 15pt 0cm;">
<div align="center">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="mso-cellspacing: 0cm; mso-padding-alt: 0cm 0cm 0cm 0cm; mso-yfti-tbllook: 1184;">
<tbody><tr style="mso-yfti-firstrow: yes; mso-yfti-irow: 0; mso-yfti-lastrow: yes;">
<td style="padding: 0cm; width: 480pt;" valign="top" width="640"><br />
</td>
</tr>
</tbody></table>
</div>
</td>
</tr>
</tbody></table>
</div>
</td>
</tr>
</tbody></table>
</div>
</td>
</tr>
</tbody></table>
</div>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-75215841554042979142024-02-26T03:55:00.000-08:002024-02-26T03:55:35.636-08:00Exposición en la Fundación Canal, Madrid<p style="text-align: center;"> <a name="_MailAutoSig" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 150%;">El efecto máquina</span></b></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><a name="_Hlk122869485"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Con esta exposición volvemos a los
orígenes de muchas cuestiones, hoy todavía abiertas. En los comienzos del siglo
XX la expansión de las máquinas, en todos los planos y usos de la vida, se
había generalizado ya exponencialmente. La Primera Guerra Mundial tuvo lugar
entre 1914 y 1918, y en paralelo las máquinas acompañaban a los humanos en
todos los ámbitos.<o:p></o:p></span></a></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: center; text-indent: 28.4pt;"><a name="_Hlk122869485"></a></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCxMOinaUJoqxsge4zofiVimP9xTm-PBLjlWCOS1umGxS8Cso5QG7ChDkD7Zuyly-8oQWizNmAeKcbtLHddc4ugxQO7mr-3cvGQ4rgZgOVgQxPUz_0EMmM0n2lxPZB-9MvSAcdjgM-DQV7t2SrGQC-RwMGqmYsn9CEhwllEM2jkaRPq1H_mnxUugx7cF0/s5052/-%20-%205%20la%20foto%20015.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3729" data-original-width="5052" height="356" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCxMOinaUJoqxsge4zofiVimP9xTm-PBLjlWCOS1umGxS8Cso5QG7ChDkD7Zuyly-8oQWizNmAeKcbtLHddc4ugxQO7mr-3cvGQ4rgZgOVgQxPUz_0EMmM0n2lxPZB-9MvSAcdjgM-DQV7t2SrGQC-RwMGqmYsn9CEhwllEM2jkaRPq1H_mnxUugx7cF0/w482-h356/-%20-%205%20la%20foto%20015.jpg" width="482" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Julian Wasser: <i>Marcel Duchamp jugando al ajedrez con Eva Babiz en su primera </i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>retrospectiva </i><i>en el Pasadena Art Museum </i>(Octubre, 1963). Gelatina de plata. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Copia de época. Colección Galerie Hummel, Viena.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Y esto, claro está,
afectó también de un modo radical al conjunto de las artes, en sus diversos
aspectos y niveles: temáticas, soportes, estructuras de plasmación,
reproducciones, y líneas de transmisión. Una década antes de la puesta en
marcha del Surrealismo, cuyo Primer Manifiesto tuvo lugar en 1924, algunos
artistas relevantes comenzaron a interrogar en profundidad a las máquinas y a
proyectar ese universo en el arte. <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">A ello se presta atención
en esta sugerente muestra, centrada en las obras del fotógrafo </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Alfred
Stieglitz (1864-1946) y de los artistas Francis Picabia (1879-1953), Marcel
Duchamp (1887-1968), y Man Ray (1890-1976). El recorrido se articula en cuatro
secciones temáticas: </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">(1)
El nuevo mundo y la “fotografía pura”, (2) Del desnudo artístico al cuerpo como
máquina, (3) De la abstracción a la máquina, y (4) Eros y máquinas. </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: center; text-indent: 28.4pt;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAsbc2_YyDA0aYadb2tXoj5SG3PxFzdBf3zbk7oGVSCb_q2XgkzW4fCWQnbrBxEllmce0qFqNOWwyTRnGRfk4Vrbj8X1FJIqWpcfTa42ohCjljAddCUl4KZCTVBc6-bc58Ljco1dNEXDd5YGHHlyGYzF66e1J62I3lRgFDe8Jft5RGsay8JOb2sFcCnyI/s10932/-%20-%201%20stieglitz%20002.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-indent: 37.8667px;"><img border="0" data-original-height="10932" data-original-width="8700" height="556" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAsbc2_YyDA0aYadb2tXoj5SG3PxFzdBf3zbk7oGVSCb_q2XgkzW4fCWQnbrBxEllmce0qFqNOWwyTRnGRfk4Vrbj8X1FJIqWpcfTa42ohCjljAddCUl4KZCTVBc6-bc58Ljco1dNEXDd5YGHHlyGYzF66e1J62I3lRgFDe8Jft5RGsay8JOb2sFcCnyI/w443-h556/-%20-%201%20stieglitz%20002.jpg" width="443" /></a></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Alfred Stieglitz:<span> </span><i>El entrepuente</i> (1907). Offset litográfico.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Colección Juan Naranjo Galería de Arte y Documentos, Barcelona.</div>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">El punto de partida se
sitúa en el trabajo fotográfico de Alfred </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Stieglitz,
cuya segunda esposa fue la artista referencial Georgia O’Keeffe (1887-1986). A
partir de 1910, Stieglitz comenzó a desarrollar lo que llamó “fotografía pura”,
utilizando ese soporte expresivo como una forma de arte independiente y
diferente de las prácticas artísticas tradicionales.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">En las fotografías que se
han reunido podemos ver los ambientes urbanos de Nueva York, las calles, los
interiores domésticos, las personas, los rascacielos. En <i>El entrepuente</i>
(1907), distinguimos los dos niveles de un barco en viaje de América a Europa:
arriba con figuras con medios, abajo hombres, mujeres y niños, que serían
identificados como posibles inmigrantes en viaje de retorno. Dos clases, dos
niveles de vida: esta fotografía fascinó a Picasso. Hay también un retrato de
Georgia O’Keeffe y otras dos fotografías de sus manos.</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: center; text-indent: 28.4pt;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJP0OpGTsE-UWSMWAy6AqNs2nESBMaFwfwBbsyeeLMJU4QsCAPnGvBKRWFKTMf0LQY6on4NridqL87CIXzJIPGtAbw4lvc7CeQR_3jJJ2WbVWmZutmgIsydEc0dRYwHtROFtRGx6P-O1hP3ruRr46ogBpJewrhJPKV-tn-Ls_smP_qi18MODc-Ot15yRU/s5050/-%20-%203%20picabia%20005.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="5050" data-original-width="4010" height="551" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJP0OpGTsE-UWSMWAy6AqNs2nESBMaFwfwBbsyeeLMJU4QsCAPnGvBKRWFKTMf0LQY6on4NridqL87CIXzJIPGtAbw4lvc7CeQR_3jJJ2WbVWmZutmgIsydEc0dRYwHtROFtRGx6P-O1hP3ruRr46ogBpJewrhJPKV-tn-Ls_smP_qi18MODc-Ot15yRU/w438-h551/-%20-%203%20picabia%20005.jpg" width="438" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Francis Picabia: <i>Ça m'est égal</i> (<i>Me da igual</i>) (1947). </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Óleo sobre lienzo. Colección particular.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Además de </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Stieglitz,</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"> en
1914 coincidieron en Nueva York </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Picabia, Duchamp y Man
Ray. Su contacto fue un factor determinante en la confluencia de la atención de
los tres hacia las máquinas. En 1915, Picabia contribuye a la creación de la
revista <i>291</i>, como homenaje al fotógrafo y a la galería de arte que éste
había creado en Nueva York. En la revista, Picabia retrató a Stieglitz como una
cámara fotográfica, un procedimiento de representación que utilizó para otros
personajes, y todo ello con la incorporación de actitudes <i>Dadá</i> que
entonces estaban emergiendo.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Tras ello, se traza el
paso de la representación artística del desnudo femenino y las alusiones de
género a un proceso de identificación entre los cuerpos humanos y la máquina.
En este caso se han reunido pinturas, dibujos, grabados, cajas artísticas,
pequeños objetos escultóricos, y fotografías, de Picabia, Man Ray, Duchamp, y
también de Salvador Dalí, de épocas posteriores a la estancia en Nueva York,
así como reproducciones de imágenes en revistas. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: center; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"></span></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrnPV64Bw1lTVaAB4vhd9j_s6U2z7MOOJHHRvN4CH7M74jtd4NcBwdoIMcYCvlcv90zpMaHmb6-D_K_3tJswvhopygoizK2I80SOeIQR1CGALTFfz4xQF0k1AQWd7ABbGm5UVZzIJbelhFUeGGXPUdaUf0n892TJRNlta7FiYeELqN3cMtx2UTI9qn140/s5734/-%20-%204%20man%20ray%20006.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2230" data-original-width="5734" height="189" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrnPV64Bw1lTVaAB4vhd9j_s6U2z7MOOJHHRvN4CH7M74jtd4NcBwdoIMcYCvlcv90zpMaHmb6-D_K_3tJswvhopygoizK2I80SOeIQR1CGALTFfz4xQF0k1AQWd7ABbGm5UVZzIJbelhFUeGGXPUdaUf0n892TJRNlta7FiYeELqN3cMtx2UTI9qn140/w488-h189/-%20-%204%20man%20ray%20006.jpg" width="488" /></a></div><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="text-indent: 0px;">Man Ray: <i>A la hora del observatorio / Los amantes</i> (1934/1967). </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="text-indent: 0px;">Colección Marion Meyer. Association Man Ray, París.</span></div></span></span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Lo que viene a
continuación es la representación directa de las figuras de máquinas con
sentidos e identificaciones con la vida humana. Estábamos, ya entonces,
viviendo en un mundo de máquinas, rodeados de máquinas, con las que compartimos
la visión y la vida, la experiencia… Aquí vemos dibujos, grabados, y objetos de
Picabia, Duchamp y Man Ray.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">La última sección es casi
una pequeña monográfica de Duchamp, en la que se visualiza el papel central que
desempeñó en su obra la identificación que se había establecido, y que hoy con
otras modulaciones, sigue estando vigente, entre el erotismo y la máquina.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: center; text-indent: 28.4pt;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihzNJDXpSaImawtxTQ1W5wCaKZyDQAO3LeWji4PDNj_U3coK70M6glzC458uI87wz7EiDd1ZVhPIIiBC3GfEEl_s5XkxYjBdgqX1F8GCoaO1r0YFYP9gSQlNZgSX6jqrzoFNMsL9M47WJaqS597KURIVEAqaN3-T4ecek-5X0UEYa1hE_OB6od2qcXoEE/s2065/-%20-%202%20duchamp%20010.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1939" data-original-width="2065" height="434" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihzNJDXpSaImawtxTQ1W5wCaKZyDQAO3LeWji4PDNj_U3coK70M6glzC458uI87wz7EiDd1ZVhPIIiBC3GfEEl_s5XkxYjBdgqX1F8GCoaO1r0YFYP9gSQlNZgSX6jqrzoFNMsL9M47WJaqS597KURIVEAqaN3-T4ecek-5X0UEYa1hE_OB6od2qcXoEE/w462-h434/-%20-%202%20duchamp%20010.jpg" width="462" /></a></div>Marcel Duchamp: <i>Rotoreliefs</i> (<i>Relieves de rotor</i>). Concebidos en 1935. Ejemplar <span style="text-indent: 28.4pt;">de 1965, </span><span style="text-indent: 28.4pt;">6 discos impresos en doble cara. Colección Marion Meyer. Association Man Ray, París.</span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Es algo que remite
principalmente a su obra referencial: </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">La Novia desnudada por sus
Solteros, mismamente</span></i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">
[traducción de </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">La
Mariée mise à nu par ses Célibataires, même</span></i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">]. El título original es aquí importante, porque el
adverbio en francés </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">même</span></i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;"> [</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">mismamente</span></i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">]
es una homofonía con </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">m’aime</span></i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;"> [</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">me quiere</span></i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">
o </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">me
ama</span></i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">]. </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Tanto
la imagen de la Novia como las de los solteros son mecanoformes, y con ello
Duchamp fue uno de los primeros artistas en fijar, con una gran intensidad, el
filtro mecánico que las máquinas establecen en las formas contemporáneas de
erotismo.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Obviamente, la
posibilidad de presentar aquí esta obra de Duchamp es algo inviable. Pero se ha
reunido un conjunto de materiales que nos conduce directamente a los sentidos
de </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">La
Novia desnudada por sus Solteros, mismamente</span></i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">,
conocida también como </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">El
gran vidrio</span></i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">, y a
la comprensión de que según Duchamp </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">la vida es eros</span></i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">, algo implícito en el desdoblamiento de su alter
ego femenino: </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Rrose
c’est la vie</span></i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">, una
homofonía en francés con </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Eros
c’est la vie</span></i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">, </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">La vida es eros</span></i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">.</span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;"><br /></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* <i style="mso-bidi-font-style: normal;">SURREALISMOS. La era de la máquina</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">.</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">
Comisaria: Pilar Parcerisas. Fundación Canal, Madrid</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">.
Del 7 de febrero al 21 de abril.</span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; font-size: 13.5pt;">* Publicado en EL CULTURAL:</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 13.5pt;"><o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-right: -.35pt; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; font-size: 13.5pt;">- Edición impresa, 16 – 22 de febrero, pgs. 32-33.</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-size: 13.5pt;"><o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-right: -.35pt; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; font-size: 13.5pt;">- Edición <i>online</i>: </span></span></span><span style="font-family: Georgia, serif;"><span style="font-size: 18px;">https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20240225/radical-efecto-maquina-alfred-stieglitz-picabia-duchamp-man-ray/834916750_0.html</span></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-17776095748603912892024-01-30T05:03:00.000-08:002024-01-30T05:03:52.084-08:00Exposición de Marina Núñez en Madrid...<p style="text-align: center;"> <a name="_MailAutoSig" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 150%;">Marina Núñez: Abre bien tus ojos</span></b></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><a name="_Hlk122869485"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Probablemente estamos ante una de las
exposiciones más sugestivas y profundas de la temporada. Marina Núñez establece
un recorrido de diálogo y superposición con las obras de la colección del Museo
Lázaro Galdiano. Y lo hace abriendo la cuestión de qué vemos cuando recorremos
los espacios de un museo. En este caso, se trata de una colección abierta,
integrada con piezas de épocas y caracteres diversos.<o:p></o:p></span></a></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Ante ello, lo que se plantea es un
concepto, tomado del poeta y pensador francés Paul Valéry, quien en su libro <i>La
idea fija</i> (1931), y en relación con el uso del ornamento, escribió: “Lo que
hay más profundo en el hombre es la piel”. De ahí sale el título de la
exposición. Con un conjunto de obras de Marina Núñez que se confrontan con las
que hay en las salas del Museo, nuestras miradas van viendo la oscilación
dinámica de formas quietas y en movimiento.</span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEQT3FT2pZ8OJorqyye4P9I_K6oTz7VIakmf-HdkGD2s0uIBkRR4rmJS03_LkmzJC9TljqSMHfjgA8pFwzQjfVVy0nRp3fKxcv3h_xI9lRslZIs6TQWofjK7FXbpsLhZYK9hgnW7qbO9uBA9vTPT4cuU8iT9g59Iq1iwG5TYAi5ff809KFJgJ5zikUFEM/s877/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="654" data-original-width="877" height="352" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEQT3FT2pZ8OJorqyye4P9I_K6oTz7VIakmf-HdkGD2s0uIBkRR4rmJS03_LkmzJC9TljqSMHfjgA8pFwzQjfVVy0nRp3fKxcv3h_xI9lRslZIs6TQWofjK7FXbpsLhZYK9hgnW7qbO9uBA9vTPT4cuU8iT9g59Iq1iwG5TYAi5ff809KFJgJ5zikUFEM/w471-h352/1.jpg" width="471" /></a></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="text-align: center;"><span style="font-family: Georgia, serif;"> </span></span><i style="text-align: center;">Ornamento (1)</i><span style="text-align: center;"> (2023). Instalación sobre la marquetería del palacio. </span><span style="text-align: center;">Imagen digital sobre aluminio, 162 x 216 cms.</span><span style="text-align: center;"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Pasamos junto a instalaciones estáticas
depositadas en el suelo con figuras femeninas cubiertas por mantos, cuyo título
es <i>Ornamento</i> (2023), que reclaman nuestra atención para no pisarlas.
Descubrimos las intervenciones de gran formato en los balcones del palacio del
Museo: <i>Botánica</i> (2023), con rostros como si fueran de telas decoradas y
sobre los que se superponen esferas transparentes en las que vemos registros de
flores y plantas.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijx7NEh-PS1NqS-qOFc7yvCVR6CxJrWDxCiZMyHye3UCgByio2LobXoFAyTbYBa-tG3Su7qOvFVMZQ1eO7N1pwxNBgxiuFkTA2VAvD0EYCU3QcqSuhdR4onynu0C3I11ZkdDiwfRrk_5beLyRWdkauzhEFZHLUXjn8ZOsE2oUkAFZbiDMQkrjm1gxKBOo/s1135/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1135" data-original-width="498" height="809" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijx7NEh-PS1NqS-qOFc7yvCVR6CxJrWDxCiZMyHye3UCgByio2LobXoFAyTbYBa-tG3Su7qOvFVMZQ1eO7N1pwxNBgxiuFkTA2VAvD0EYCU3QcqSuhdR4onynu0C3I11ZkdDiwfRrk_5beLyRWdkauzhEFZHLUXjn8ZOsE2oUkAFZbiDMQkrjm1gxKBOo/w354-h809/2.jpg" width="354" /></a></div><i> Botánica (1)</i> (2023). Intervención en uno de los balcones del palacio. Imagen digital sobre aluminio, 300 x 132,5 cms.<span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Vamos encontrando una serie de distintos conjuntos
de piezas en pequeños formatos. Así, un grupo de esculturas de cristal,
transparentes y rectangulares, en cuyo interior un cuerpo parece flotar junto a
lo que pueden ser astros diminutos de forma circular: <i>Historia natural</i>
(2023). También figuras cubiertas unidas a soportes arbóreos, en impresiones
sobre pan de oro: <i>Gótico</i> (2020). Dibujos a lápiz de color blanco con
fondo negro, en impresión sobre madera con perfiles de caras en cuyo trasfondo
brotan tejidos de ramas: <i>Dafne</i> (2023). Y bajorrelieves en latón lacado con
imágenes de manos humanas en diálogo con fragmentos arbóreos y vegetales: <i>Envidia</i>
(2022).<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi02Fr3LBLTxtVkQs5JAX81pFIwgAZ5Ljgt6MZILfS52LS_V4qCG9cGNZbbovPFG7SLWIxDXm7HLsx7jMkMIlBnLvH51zVJkYldIkVaUJB40qGjSxDvz8cb0DDih-RNhPwSFG-31l-nRhUlxq2Lu6Re4yXTXXpzhaHv07W23sgMrZm9BFZXyk3or6JjVxQ/s815/3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="815" data-original-width="802" height="460" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi02Fr3LBLTxtVkQs5JAX81pFIwgAZ5Ljgt6MZILfS52LS_V4qCG9cGNZbbovPFG7SLWIxDXm7HLsx7jMkMIlBnLvH51zVJkYldIkVaUJB40qGjSxDvz8cb0DDih-RNhPwSFG-31l-nRhUlxq2Lu6Re4yXTXXpzhaHv07W23sgMrZm9BFZXyk3or6JjVxQ/w452-h460/3.jpg" width="452" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Dafne (3)</i> (2023). Lápiz e impresión sobre madera, 45 x 45 cms,</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">En una perspectiva formal diferente se
sitúa una amplia y compleja instalación: <i>Herboristas</i> (2023), situada en
la llamada Sala Pórtico, que alberga un conjunto de armaduras históricas. Lo
que en este caso vemos, en las paredes de la sala, es la proyección de cinco
vídeos monocanal acompañada de un registro musical compuesto por Luis de la
Torre. En la proyección, sobre un suelo con imágenes de flores, van y vienen
figuras hechas con encaje cubiertas con <a name="_Hlk156233043">velos del mismo
encaje </a>de color amarillo, intensamente áureo. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"></span></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGVsp7vko3I4hrfhc3mG6I-vkFLE4H3dCAQsb49O_kj4FTBEpiEbgRh3gno3Rs_l1G-XHGNNVY5XeVCGKibVLcWNMdkhYqlxAjoRB-9VsxdBpb17s978ToCwzfxopll3T9pZOaUC12ON8w9XOy_C_IdP6L5S7yWnikfKJfltvViGSiK7QQXbgHUteMrtE/s1048/4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1048" data-original-width="594" height="675" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGVsp7vko3I4hrfhc3mG6I-vkFLE4H3dCAQsb49O_kj4FTBEpiEbgRh3gno3Rs_l1G-XHGNNVY5XeVCGKibVLcWNMdkhYqlxAjoRB-9VsxdBpb17s978ToCwzfxopll3T9pZOaUC12ON8w9XOy_C_IdP6L5S7yWnikfKJfltvViGSiK7QQXbgHUteMrtE/w382-h675/4.jpg" width="382" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Las Herboristas</i> (2023). Intervención en el pórtico del palacio. 5 vídeos monocanal, sonido 4' 15''. Música: Luis de la Torre.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Todas las obras de Marina Núñez se
integran en una plena coherencia, formal y estilística. La llamada de atención
sobre los aspectos externos de las figuras y materiales en todas las piezas es
decisiva, porque en todas ellas la piel y los ornamentos son un registro de
mezclas y ecos plurales, con lo que se llama nuestra atención sobre la
importancia, no siempre tenida en cuenta, de la pluralidad en la base de lo
humano. Lo que así se desvela es la profundidad de la piel como registro de la humanidad, y de su diversidad plural, algo que los planteamientos racistas rechazan invocando un signo de uniformidad situado prioritariamente en una idea de piel uniforme que no tiene consistencia. </span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Como síntesis final, dos
aspectos. En la elaboración de las piezas Marina Núñez emplea de forma
intensamente creativa soportes y técnicas digitales: el arte de ahora mismo en
diálogo con los distintos tiempos de las obras del Museo. Y en sus obras aquí
reunidas las figuras humanas que vemos son femeninas, de mujeres, para mí una
piel que nos dice: la mujer, un signo decisivo para captar la profundidad de la
piel. Abre bien tus ojos.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p> </o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Marina Núñez: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nada es tan profundo como la piel</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">.</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> Comisaria: Isabel Tejeda. Museo Lázaro Galdiano, Madrid</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">.
Del 1 de diciembre de 2023 al 10 de marzo de 2024.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; font-size: 13.5pt; line-height: 150%;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Publicado en EL CULTURAL:</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 13.5pt; line-height: 150%;"><o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-right: -.35pt; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; font-size: 13.5pt;">- Edición impresa, 26 de enero – 1 de febrero, pg. 36.</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-size: 13.5pt;"><o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-right: -.35pt; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; font-size: 13.5pt;">- Edición <i>online</i>: </span></span></span><span style="color: #0000ee;"><u>https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20240129/artista-marina-nunez-interviene-palacete-jose-lazaro-galdiano/826667433_0.html</u></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-57693456806169410892024-01-09T04:02:00.000-08:002024-01-09T04:02:08.126-08:00Recuerdo y homenaje a Eduardo Chillida <p style="text-align: center;"> <b style="text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 150%;">Chillida:
Las formas y el espacio</span></b></p><p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -49.65pt; margin-right: -42.9pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none; text-align: center; text-indent: 0cm;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoWJ7eZCqgyuYrCnC3vLUG1C398pEDe40Q__TYsOWKSLUoBkrhGAFTLSGuVUTVNasePWiAkYILS6k6NeBtBr4GJAMQGhtH5PbZrDdN4X2oukeCwD-Hpw-wawKCkwjzwlZqh11xvv8g13oPAXQwXqLo8JWv_xY_pQqa0ggad1-TpCH7JJRNmXHDvGlZlXA/s1020/Eduardo-Chillida-obras_507259273_692350_1020x574.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="574" data-original-width="1020" height="272" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoWJ7eZCqgyuYrCnC3vLUG1C398pEDe40Q__TYsOWKSLUoBkrhGAFTLSGuVUTVNasePWiAkYILS6k6NeBtBr4GJAMQGhtH5PbZrDdN4X2oukeCwD-Hpw-wawKCkwjzwlZqh11xvv8g13oPAXQwXqLo8JWv_xY_pQqa0ggad1-TpCH7JJRNmXHDvGlZlXA/w483-h272/Eduardo-Chillida-obras_507259273_692350_1020x574.jpg" width="483" /></a></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><br /></b></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.45pt;"><a name="_Hlk155696883"></a><a name="_Hlk155696149"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Mañana,
10 de enero de 2024, se cumple el centenario del nacimiento de Eduardo
Chillida, a quien considero uno de los artistas de mayor relevancia en la
historia. Nunca olvidaré mi contacto personal con él, un encuentro en </span></a><a name="_Hlk155696149" style="text-indent: 47.2667px;"><span style="font-family: Georgia, serif;">el que </span></a><a name="_Hlk155696149" style="text-indent: 35.45pt;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">el diálogo fluía de manera tranquila, y su pensamiento con una profunda intensidad.
Como recuerdo y homenaje a este gran hombre y gran artista, he realizado una
síntesis de mis análisis sobre sus obras en diversos textos, que a continuación presento aquí</span></a><span style="font-family: Georgia, serif; text-indent: 35.45pt;">:</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.45pt;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">El trabajo del escultor rompe
nuestra visión automática de las cosas. Abre un círculo en el que los ojos y
las manos, el cuerpo y la mente, atrapan las formas de un mundo renovado. El
escultor nos muestra la línea delgadísima que separa lo que es de lo que no es.
Eduardo Chillida: "En una línea el mundo se une, con una línea el mundo se
divide." El dibujo, "hermoso y tremendo", da paso a la
materialidad del volumen.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.45pt;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Eduardo Chillida: "Yo no
represento, pregunto." Dar nacimiento a las formas. En el espacio. Sin
caer en el sueño dogmático de la mera imitación. No representar. No repetir. Buscar
con el ojo limpio, abierto al gran espectáculo del mundo: "Se ve bien
teniendo el ojo lleno de lo que se mira." Y así, a través de la mirada
creativa, dar forma, preguntar por la esencia de las cosas. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.45pt;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">El programa de Julio González:
"el dibujo en el espacio" es el punto de partida estético de
Chillida, capaz de dotar a todas sus piezas de una sensación aérea, de
ingravidez. Pero ese programa no hizo sino ampliarse y enriquecerse. En los
años sesenta juega intensamente con el papel de <i>la luz</i> en la escultura. Y, además del hierro, utiliza todo
tipo de soportes: madera, alabastro, hormigón, acero, granito... <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.45pt;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Cualquier material es
susceptible de la metamorfosis creativa de Chillida, quien en 1984 reivindicó
para sí la "visión del rebelde". Un espíritu profundamente
anti-dogmático inspira su relación con la forma. En sus propias palabras:
"Cuando empieza no sé a dónde me dirijo. No veo sino cierta figura de
espacio de la que, poco a poco, se destacan algunas líneas de fuerza." Es
la forma misma la que acaba imponiéndose: "Indefinible al principio, se
impone a medida que se va precisando." <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.45pt;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Octavio Paz señaló que la obra
de Chillida recoge la dimensión sensible y cambiante de las formas que
constituyen el universo: "Sus esculturas no reflejan los cuerpos de la
geometría en un espacio intemporal pero tampoco aluden a una historia o a una
mitología: evocan, más bien, una suerte de física cualitativa que recuerda a la
de los filósofos presocráticos."<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.45pt;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Esa capacidad de <i>individuación de la forma esencial</i>,
por medio de todo tipo de soportes materiales, es el motivo central de la
comunicación de la obra de Chillida con poetas y filósofos: comparte la misma
temática, el problema del <i>origen de
los sentidos</i>. En su caso, claro está, a través de las formas y el
espacio. Pero todo ello, y particularmente el difícil sentido de ingravidez y
equilibrio que su obra transmite, no sería factible sin lo que personalmente
considero el centro de gravedad del trabajo de Chillida: su increíble,
ilimitado, <i>dominio de la escala</i>.
<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.45pt;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">El punto más importante para que las formas
espaciales no queden mudas, salvajes, y hablen en cambio directamente a nuestro
corazón y a nuestra inteligencia. Para que se conviertan realmente en
esculturas.</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: Arial;"> Chillida es uno de los mejores conocedores de esa comunicación íntima
entre lo corporal y la tierra. En esa vía el espacio se proyecta como forma de
estar en el mundo: habitar. Y en el habitar vuelca el hombre su deseo de
permanencia: surge así la forma de la casa. Pero también los elementos que hay
en ella, como la mesa o la columna, réplicas humanas, espaciales, del mundo
natural, de la tierra. La gran pieza escultórica, ya sea en el espacio
ancestral de la tierra vasca, en el crisol dinámico de la ciudad, de las
ciudades del mundo, o peinando los vientos del mar, rechaza el vacío de lo no
humano. Nos muestra la riqueza y plenitud del espacio. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.45pt;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: Arial;">Pero entonces,
demos un paso más: ¿en qué región del universo se sitúa ese receptáculo de las
formas al que llamamos "espacio"? Quien quiera buscarlo en el mundo
físico se topará con el vacío. Porque, desde luego, el espacio descansa en el
número. Y de ahí la variación, el principio rítmico que articula su crecimiento
o escala. El espacio del escultor, el que pone en pie las formas humanas del
habitar, es a la vez número y palabra, cuenta y lenguaje. No hay escultura sin
experiencia del cuerpo: y la raíz de la corporalidad humana, lo que nos hace
distintos de los animales que nos acompañan en la tierra, es el ritmo incesante
y fluyente del lenguaje.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.45pt;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: Arial;">No encontraremos
en Chillida ningún tipo de desbordamiento gestual. Su obra es, siempre, un
canto al equilibrio. Uno de los ejemplos más elevados de <i>la pasión clásica</i> en escultura. La
gravitación de las formas no busca en ningún caso la grandilocuencia, sino la
meditación, el silencio. Pero justo en esa consciencia de los límites, en ese
anhelo de la serenidad que alcanzamos al comprender lo que nos une a las
fuerzas naturales del cosmos, la experiencia del número y la palabra confluyen
con el espacio escultórico para situar nuestro habitar en el reino del
espíritu.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 35.45pt;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: Arial;">De ahí la
convergencia con la música, la poesía y la filosofía. Chillida <i>habla</i>, al
hacer surgir las formas en el espacio, el mismo tipo de "lenguaje"
fundacional que músicos, poetas y filósofos, al dar <i>contraste y equilibrio a las formas del habitar</i>. Un lenguaje
fundacional que actúa generando sus sentidos desde lo que es previo al número,
a la palabra y al espacio. Haciendo brotar <i>desde el silencio</i>, los acordes, las significaciones, las
formas.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin: 0cm -42.9pt 0.0001pt -49.65pt; text-align: center; text-indent: 0cm;">
</p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-pagination: none; text-indent: 35.45pt;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -49.65pt; margin-right: -42.9pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none; text-align: center; text-indent: 0cm;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><br /><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 150%;"><br /></span></b></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-45426143865675802462024-01-05T03:51:00.000-08:002024-01-05T03:51:49.412-08:00Exposición en la Fondation Louis Vuitton, París<p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -49.65pt; margin-right: -42.9pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none; text-align: center; text-indent: 0cm;"><a name="_MailAutoSig"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 150%;">Mark Rothko: Buscar la luz</span></b></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><a name="_Hlk122869485"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Estamos ante un gran acontecimiento: un
itinerario, profundo y preciso, a lo largo de la compleja y sugestiva
trayectoria de una de las figuras más relevantes de la no figuración artística,
Mark Rothko (1903-1970). Nacido en Letonia, que entonces formaba parte del
Imperio Ruso, Marcus Rotkovich emigró con su familia judía cuando tenía diez
años a Estados Unidos, donde alcanzó la nacionalidad en 1938, y dos años
después cambió su nombre a Mark Rothko.<o:p></o:p></span></a></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Distribuidas en 11
secciones con el nombre de galerías, situadas en los diversos niveles y pisos
del edificio, se han reunido unas 115 pinturas, la mayoría de grandes formatos,
desde sus inicios en los años treinta hasta el final de su vida en los años
sesenta. El montaje tiene un enfoque cronológico, que permite apreciar, a
través de las diversas fases y temáticas, la síntesis poética y conceptual que
en todo momento constituyó el núcleo de la búsqueda artística de Rothko.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: center; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi67zr2DpoT1vy8phG6i6bm26macM-kmHUynwWm4vSB61YXTHSXOhvjRB9Wdv9oNl3lfVg5X6eNMcQxjSoVkQV3-JYK10SAi1e3T_zcROWpeWIbVxo8gaqrNp9Ory7CE1O82oHQGUnJg2iCVnXtAJTbn5gI0CbLKwLZagVMMgUypu8w4IrmMaECUooIESU/s5447/1%20Mark_Rothko_Self_Portrait_1936.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="5447" data-original-width="4324" height="468" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi67zr2DpoT1vy8phG6i6bm26macM-kmHUynwWm4vSB61YXTHSXOhvjRB9Wdv9oNl3lfVg5X6eNMcQxjSoVkQV3-JYK10SAi1e3T_zcROWpeWIbVxo8gaqrNp9Ory7CE1O82oHQGUnJg2iCVnXtAJTbn5gI0CbLKwLZagVMMgUypu8w4IrmMaECUooIESU/w371-h468/1%20Mark_Rothko_Self_Portrait_1936.jpg" width="371" /></a></div><p></p><p class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"></p><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10.5pt;"><i>Autorretrato </i>[<i>Self Portrait</i>] (1936). Ól. s. l., </span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14px;">81,9 x 65,4 cms. </span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14px;">Christopher Rothko </span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14px;">Collection. </span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10.5pt;">© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023.</span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Sus inicios, en los años
treinta, nos permiten descubrir en el origen un planteamiento figurativo de
carácter expresionista. Al entrar en la sala, llama inmediatamente la atención
el único autorretrato de Rothko, realizado en 1936. <a name="_Hlk153887858">Lo
mismo ocurre con las escenas del metro con figuras alargadas como las de las columnas
a las que están unidas o sentadas.</a> Y encontramos también dos desnudos
femeninos en interiores, uno de pie y otro sentado, realizados entre 1938 y
1939.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: center; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioyrd1g4Q_qN-zbTQ02_grJtvZk65_9tHB2qDynpIF563iFZu3MHv4FOVCgKCpmuUV4LNKm4dQPfrhoitMW7wUc8cZTUQgKXANMA1Z-X__GHC2PGEDFcjed6QIcyfqORZH5P1kUn3S7QC6xFNZD22eHUyQS01MR1lbR6EhITlCoDc5Msk-lqxOLBTfc14/s3412/2%20Mark_Rothko_Slow_Swirl_at_the_Edge_of_the_Sea_1944.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3012" data-original-width="3412" height="359" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioyrd1g4Q_qN-zbTQ02_grJtvZk65_9tHB2qDynpIF563iFZu3MHv4FOVCgKCpmuUV4LNKm4dQPfrhoitMW7wUc8cZTUQgKXANMA1Z-X__GHC2PGEDFcjed6QIcyfqORZH5P1kUn3S7QC6xFNZD22eHUyQS01MR1lbR6EhITlCoDc5Msk-lqxOLBTfc14/w407-h359/2%20Mark_Rothko_Slow_Swirl_at_the_Edge_of_the_Sea_1944.jpg" width="407" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10.5pt; line-height: 107%;"> <i>Remolino lento al borde del mar </i>[<i>Slow Swirl at the Edge of the Sea</i>] (1944). Ól. s. l., 191,1 x 215,9 cms. Museum of Modern Art, New York.Bequest of Mrs. Mark Rothko through The Mark Rothko Foundation, Inc. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023.</span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Entonces, en los años
finales de la década de los treinta, decide abandonar la representación de la
figura humana para no mutilarla, según el propio Rothko indicaría en uno de sus
escritos. En esa fase se dedica a escribir un texto teórico sobre la pintura,
que tras su muerte sería titulado <i>The Artist’s Reality</i> [<i>La realidad
del artista</i>]. En los comienzos de los cuarenta retorna a la pintura, junto
a sus amigos Adolph Gottlieb y Barnett Newman, con obras en contacto con el
surrealismo, que muestran estructuras biomórficas. <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">A finales de 1946, Rothko
se sitúa plenamente en la no figuración, que será la característica permanente
de su trayectoria hasta el final de sus días. Las etiquetas suelen situar ahí
el comienzo de “la abstracción” en Rothko, con la serie <i>Multiforms</i> [<i>Multiformes</i>]
(1946-1948), pinturas que integran planos rectangulares de color superpuestos
dinámicamente, y que ciertamente marcan lo que será su estilo definitivo.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: center; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh0J9TfxcaLmZtGALDemkSbd-rTduhM_Yt1TbIVWjMIhwCWc9rxtGcEHJ58xVTUax655RSZ2-SHKQ-SDdv4n70PgQeyPPB_HUFSnEEqmWMEaCyIWrO5d74p59uyV6EGcKfxLQUaUm8cX5Kef9B2ZgK6tWJ96ftZtJUXzx1dlO3bNNA7k7anPeGQudSlyU/s5000/3%20Mark_Rothko_Light_Cloud_Dark_Cloud_1957.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="5000" data-original-width="4649" height="416" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjh0J9TfxcaLmZtGALDemkSbd-rTduhM_Yt1TbIVWjMIhwCWc9rxtGcEHJ58xVTUax655RSZ2-SHKQ-SDdv4n70PgQeyPPB_HUFSnEEqmWMEaCyIWrO5d74p59uyV6EGcKfxLQUaUm8cX5Kef9B2ZgK6tWJ96ftZtJUXzx1dlO3bNNA7k7anPeGQudSlyU/w387-h416/3%20Mark_Rothko_Light_Cloud_Dark_Cloud_1957.jpg" width="387" /></a></div><p></p><p class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"></p><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10.5pt;"> <i>Nube ligera, nube oscura </i>[<i>Light Cloud, Dark Cloud</i>] (1957). </span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14px;">Ól. s. l., </span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10.5pt;">169,6 x 158,8 cms. </span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10.5pt;">Modern Art Museum of Fort Worth. </span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10.5pt;">Museum purchase, The Benjamin J. Tillar Memorial Trust. </span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10.5pt;">© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023.</span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">En línea con lo que vengo
señalando, creo muy oportuno señalar lo que recogió Sophie Tracy en su escrito que
forma parte de un homenaje a Rothko publicado en 1976. Cuando ante uno de sus
cuadros ella le preguntó: “¿Es esto el arte abstracto?”, Rothko respondió: “Mi
arte no es abstracto, vive y respira.” Y en otra publicación, de 1973, se
recoge otra indicación de Rothko de gran interés: “Yo me convertí en pintor
porque quería elevar la pintura al mismo nivel de intensidad que la música y la
poesía.”<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Rothko pasó en pintura de
la figuración a la no figuración, pero manteniendo en todo momento la
intensidad en su búsqueda de la representación que está siempre presente en las
grandes obras artísticas en todos los géneros y soportes. En todas ellas hay siempre
abstracción, intensidad conceptual de las formas, y eso es lo que también
encontramos en los inicios figurativos y en las posteriores etapas no
figurativas de la trayectoria de Rothko.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: center; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN3DqWW5_e-4KG7H2m9nCaQokSo7DJJxUmrcF7B5dk80tMmy7gCwXhHxmpfdBoLFkkLP57vNVJFsXKpFwP521t05ZJZWO3B5jwCmdOzUngwFVtVjpRFlGiEaifbqzKpR2ZQXstIkrsPfLcA0uRppHHKHSV3ucuYpj1N06JPt7vtzYGf2ZmcC37zrA8TUc/s3424/4%20Mark_Rothko_Black_On_Maroon_1958.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2429" data-original-width="3424" height="329" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN3DqWW5_e-4KG7H2m9nCaQokSo7DJJxUmrcF7B5dk80tMmy7gCwXhHxmpfdBoLFkkLP57vNVJFsXKpFwP521t05ZJZWO3B5jwCmdOzUngwFVtVjpRFlGiEaifbqzKpR2ZQXstIkrsPfLcA0uRppHHKHSV3ucuYpj1N06JPt7vtzYGf2ZmcC37zrA8TUc/w465-h329/4%20Mark_Rothko_Black_On_Maroon_1958.jpg" width="465" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Negro sobre marrón</i> [<span style="text-indent: 28.4pt;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10.5pt; line-height: 107%;"><i>Black On Maroon</i>] (1958). Ól. s. l., </span></span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10.5pt; text-indent: 28.4pt;">266,7 x 365,7 cms.</span></div><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10.5pt; line-height: 107%;">
Tate, Londres. Presented by the artist through American Foundation of Arts, 1969.<br />
© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023.</span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><br /></span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">A partir de 1956, los
colores en sus cuadros se ensombrecen, y los formatos evolucionan. Encontramos
en ellos estructuras ya no sólo verticales, sino también horizontales. Y en la
serie de los <i>Seagram Murals</i> [<i>Murales Seagram</i>] (1956-1958),
realizada para un restaurante en Nueva York, las formas pictóricas dialogan con
la arquitectura en sus espacios interiores.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">La serie <i>Blackforms</i>
[<i>Formasnegras</i>] (1964-1967) se estructura con mezclas de colores: negro,
marrón, rojo y violeta, y soportes técnicos diversos de los materiales usados
que exigen una intensa concentración visual para poder verlos en plenitud. Y ya
como episodio final, en la serie <i>Black and Gray</i> [<i>Negro y gris</i>] (1969-1970)
advertimos una nueva composición, con dos partes separadas por una línea
continua, un rectángulo negro en la zona superior, y otro gris en la inferior.
Negro era el momento para Rothko, con mal estado de salud y una situación
depresiva, que daría lugar a su suicidio el 25 de febrero de 1970.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: center; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrGSf_6tNotdmHJmTUz-ww8MVIMocxt35Gjv4LweKpnODSC-CGxHpUaOL9WKW4SE2I3TaqYxOJB8kccFb78ky7qn7SVBO5yL0TfceofNV6EA3WD-wJ_uZ-iFrqVrz5AQorxRUwmETID84hnAcfdVArWzuHeXKr8RBANtkt_AEUK_l4jSsZwEp50r5APIY/s12731/5%20Mark_Rothko_No_14_1960.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="12731" data-original-width="11835" height="433" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrGSf_6tNotdmHJmTUz-ww8MVIMocxt35Gjv4LweKpnODSC-CGxHpUaOL9WKW4SE2I3TaqYxOJB8kccFb78ky7qn7SVBO5yL0TfceofNV6EA3WD-wJ_uZ-iFrqVrz5AQorxRUwmETID84hnAcfdVArWzuHeXKr8RBANtkt_AEUK_l4jSsZwEp50r5APIY/w402-h433/5%20Mark_Rothko_No_14_1960.jpg" width="402" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 10.5pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-font-kerning: 0pt; mso-ligatures: none;"><i>No. 14</i> (1960). Ól. s. l., 290,83 cm x 268,29 cms. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 10.5pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-font-kerning: 0pt; mso-ligatures: none;">San Francisco Museum of Modern Art - </span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10.5pt; line-height: 107%; text-indent: 28.4pt;">Helen Crocker Russell Fund purchase. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 10.5pt; text-indent: 28.4pt;">© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023.</span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">En su madurez, el
lenguaje pictórico de Mark Rothko tiene como clave fundamental la comunicación
entre las formas visuales y la interrogación de nuestra interioridad. De ahí la
necesidad de mirar sus pinturas en silencio y concentración, hasta que llegamos
a percibirlas como espejos de lo que está dentro. La expresión directa de los
colores, insertos en planos geométricos dinámicos, en sintonía con las formas
expresivas de la música y la poesía, nos sitúa en la búsqueda de la luz para la
vida. En 1956, Rothko indicó: “No estoy interesado en el color. Es de la luz de
lo que estoy detrás.” Esa es la cuestión central: ¿dónde está la luz…? Ahí nos
lleva Rothko con sus obras.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p> </o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Mark Rothko</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">.</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> Comisariado: Suzanne Pagé y Christopher Rothko.
Fondation Louis Vuitton, París</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Del 18 de octubre de
2023 al 2 de abril de 2024.</span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; font-size: 13.5pt;">* Publicado en EL CULTURAL:</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 13.5pt;"><o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-right: -.35pt; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; font-size: 13.5pt;">- Edición impresa, 29 </span></span></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 18px;">de diciembre de 2023</span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 13.5pt; text-indent: 0cm;">– 4 de enero de 2024 , pgs. 26-27.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-right: -.35pt; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; font-size: 13.5pt;">- Edición <i>online</i>: </span></span></span><span style="color: #0000ee;"><u>https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/arte_internacional/20240105/mark-rothko-principio-fin-exposiciones-imprescindibles-ano/822417997_0.html</u></span></p>
<span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span>
<p class="MsoNormal" style="margin-right: -.35pt; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-25502116815743802892023-12-17T04:19:00.000-08:002023-12-17T04:19:38.933-08:00Exposición el Musée de l'Orangerie, París<p style="text-align: center;"> <a name="_MailAutoSig" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 150%;">Modigliani: La figuración dinámica</span></b></a><b style="text-align: right; text-indent: 14.2pt;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><a name="_Hlk122869485"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Una interesante exposición en París
vuelve a llevar nuestra atención a la figura de uno de los artistas de mayor
relieve en las primeras décadas del siglo XX: Amedeo Modigliani (1884-1920). El
eje temático de la muestra se sitúa en la importante relación que Modigliani mantuvo
con un artista y galerista: Paul Guillaume (1891-1934), que resultó decisiva
para su proyección en el intenso ambiente artístico de París en aquella época.<o:p></o:p></span></a></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Italiano, y de origen
judío, Modigliani se instaló en París muy joven, en enero de 1906. Allí irá
conociendo artistas y poetas relevantes y comenzará a presentar exposiciones a
partir de 1907. En sus inicios fue pintor, pero tras su encuentro con
Constantin Brancusi en 1909 se consagró casi exclusivamente a la escultura
hasta 1913. Sin embargo, a continuación, se produjo una ruptura tan repentina
como total con la misma, y de 1914 a 1920 realizó cientos de cuadros y un
importante número de dibujos, centrados únicamente en la representación de la
figura humana.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: center; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeAkJ8jSGBKW_Do4NnTJk7UAwTbgePoK0x7rhsMtf6KVqmVPEwFAGwEpvVKgwVjJJNskWIawTS17zEcgvm5K-8HFij6N7wFbQyESoII_zql3sy5MhhJUqu1tRzFzCNqCCKPl01JbtHypXqenFJysXpyfsGGL_x6LtSAms_g1JIzIf4MJTf3nui_auFuks/s5902/01.%20Modigliani_Nove%20Pilota_Paul%20Guillaume.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="5902" data-original-width="4228" height="543" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeAkJ8jSGBKW_Do4NnTJk7UAwTbgePoK0x7rhsMtf6KVqmVPEwFAGwEpvVKgwVjJJNskWIawTS17zEcgvm5K-8HFij6N7wFbQyESoII_zql3sy5MhhJUqu1tRzFzCNqCCKPl01JbtHypXqenFJysXpyfsGGL_x6LtSAms_g1JIzIf4MJTf3nui_auFuks/w388-h543/01.%20Modigliani_Nove%20Pilota_Paul%20Guillaume.jpg" width="388" /></a></div><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Paul Guillaume, Novo Pilota</i> (1915 Óleo sobre cartón, 105 x 75 cms.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;">Paris, Musée de l'Orangerie © RMN-Grand Palais (Musée de l'Orangerie) / Hervé Lewandowski.</div></div>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">También en 1914 se
produjo la partida para el frente de guerra de quien había sido su primer
mecenas: Paul Alexandre, y entonces tuvo lugar su encuentro con un joven
marchante de arte: Paul Guillaume, que se convertiría en su representante hacia
el final de 1915.</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> La relación entre ambos fue muy
intensa, compartían un interés profundo por el arte, y también en concreto por
el arte africano (que tenía una importante presencia entonces en París), así
como por la literatura y la poesía. Modigliani realizó toda una serie de
retratos pictóricos de su galerista.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Aunque la amistad de
Modigliani con Guillaume se siguió manteniendo, el poeta y marchante de arte
polaco Léopold Zborowski se convirtió en su representante desde 1916 hasta el
final de su vida, y fue él quien le envió a la Costa Azul por la degradación de
su salud y para distanciarlo de la policía alemana en París, donde fallecería
tempranamente en enero de 1920 a causa de una meningitis tuberculosa.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: center; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghr7HopivE1LXnZFiP6kuSkLEv36381Ro05_I0zpSOb0l8P5T7ofNXCGBYXzNKFdF023nsIbJAcEkyZGFT6kPmNcZEVaF9z5ttBEnuh7jULgVA0n3R6WehOiWwQ3CRhCBsXJR6Y7YOpe4Yd7ysjUgIVH5Hk-wv7hauQMj4KqfZluXlQv8Bkfry1CVBMGU/s5612/12.%20Modigliani_La%20belle%20irlandaise.tif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="5612" data-original-width="4165" height="543" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghr7HopivE1LXnZFiP6kuSkLEv36381Ro05_I0zpSOb0l8P5T7ofNXCGBYXzNKFdF023nsIbJAcEkyZGFT6kPmNcZEVaF9z5ttBEnuh7jULgVA0n3R6WehOiWwQ3CRhCBsXJR6Y7YOpe4Yd7ysjUgIVH5Hk-wv7hauQMj4KqfZluXlQv8Bkfry1CVBMGU/w402-h543/12.%20Modigliani_La%20belle%20irlandaise.tif" width="402" /></a></div><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>La Bella irlandesa</i> (Ca. 1917-1918). Ól. s. lienzo, 65 x 48,3 cms.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;">Cleveland, The Cleveland Museum of Art. Image Courtesy of the Cleveland Museum of Art.</div></div>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">En la exposición se
presentan en total 54 obras: 22 pinturas, 8 fotografías, 8 esculturas, algunos
dibujos, y numerosos documentos de archivos. Está organizada con cuatro
secciones temáticas: 1) La relación entre Modigliani y Guillaume; 2) Máscaras y
cabezas (especialmente africanas); 3) El medio parisino (llamando la atención
sobre las afinidades entre las artes visuales y la literatura); 4) Periodo
meridional (los últimos años, en el Sur de Francia). A ello se une una sala en
la que se proyecta el vídeo de 4’ 30’’ «Modigliani en los interiores de Paul
Guillaume», realizado a partir de fotografías de archivo que recogen las obras
y ambientes del galerista y coleccionista y el papel central que para él tuvo
Modigliani. <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Con
una vida desarraigada, y el sexo y la droga como obsesión, un artista como Modigliani
que parecía “fuera de lugar" en los parámetros vanguardistas de comienzos
de siglo, al margen de todo “movimiento” y de difícil clasificación, conecta de
un modo directo con lo que hoy le pedimos al arte. Con la interrogación, a
través de la representación visual, de la experiencia y los sentidos de la vida
humana. Y en esa perspectiva se sitúa el ensimismamiento de sus figuras, la
pregunta interior acerca de quiénes somos y dónde estamos.<o:p></o:p></span></span></span></p><blockquote style="border: none; margin: 0 0 0 40px; padding: 0px;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: center; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjt3Tp3Hl2i_Bxm7Hwh65BVzFXDqVgpEVPYMYTQabqKSZr0RnYrD6QuiUHYiw0wj4GXx7eDhYlZPxzG_W7HqYbKpUV2qxQX7YrziF5FjDjf91VEWQJFCFmMzb4iqvfDXg1fTLJgCFkjv-3H0FV8BdD48tcDsUQ5IuC4WH_Lkwa3J2Z7JRRbHpszsDQHUZw/s17000/03.%20Modigliani%20-%20le%20jeune%20apprenti%20HD.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="17000" data-original-width="11105" height="604" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjt3Tp3Hl2i_Bxm7Hwh65BVzFXDqVgpEVPYMYTQabqKSZr0RnYrD6QuiUHYiw0wj4GXx7eDhYlZPxzG_W7HqYbKpUV2qxQX7YrziF5FjDjf91VEWQJFCFmMzb4iqvfDXg1fTLJgCFkjv-3H0FV8BdD48tcDsUQ5IuC4WH_Lkwa3J2Z7JRRbHpszsDQHUZw/w395-h604/03.%20Modigliani%20-%20le%20jeune%20apprenti%20HD.jpg" width="395" /></a></div><p></p></blockquote><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: center; text-indent: 28.4pt;"> <i>El Joven Aprendiz</i> (Ca. 1917-1919). Ól. s. lienzo, 100 x 65 cms. París, Musée de l'Orangerie.<span style="text-indent: 28.4pt;">© RMN-Grand Palais (Musée de l'Orangerie) / Hervé Lewandowski.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Gran
maestro del dibujo y del color, el universo pictórico de Modjgliani ofrece, por
lo demás, una síntesis espectacular de elementos de la tradición en una propuesta
plenamente personal. Sus desnudos femeninos dialogan con la <i>Venus del espejo</i>
de Velázquez, con los desnudos de Ingres, con la <i>Olympia</i> de Manet… Pero
en ellos la carnalidad queda contenida por la línea, por el trazo definitorio. <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Si
en su utilización de la línea podemos desentrañar un trasfondo analítico que
nos remite a Cézanne y al Cubismo, esa dimensión incorpora siempre en Modigliani
una tonalidad lírica, que se proyecta en la estilización de las figuras. Y éstas
quedan insertas en un uso de la luz y del color que, si a primera vista, parece
próximo al Fauvismo, está también en diálogo con el colorismo intenso de la
pintura veneciana en el que se formó artísticamente antes de viajar a París.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: center; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNBcl-_w78U6up_uUi4KKzEjTkjAgTcOGPueD5fHwzfYxFaDp9FgMZK69hEsTtvFnlV7Z4oLkINWMEDWkxSAVK130F12q40007lAQl7ImWFXJNh4mnBhWovd-Sp25py2kMnU0-f9cJQek73nIo9jYVJ6A0_0VrJyn49mDbgY6i7xmWm-BhPhRzu13T27I/s5411/21.%20Modigliani_Nu%20couch%E2%94%9C%C2%AE.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3484" data-original-width="5411" height="312" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNBcl-_w78U6up_uUi4KKzEjTkjAgTcOGPueD5fHwzfYxFaDp9FgMZK69hEsTtvFnlV7Z4oLkINWMEDWkxSAVK130F12q40007lAQl7ImWFXJNh4mnBhWovd-Sp25py2kMnU0-f9cJQek73nIo9jYVJ6A0_0VrJyn49mDbgY6i7xmWm-BhPhRzu13T27I/w486-h312/21.%20Modigliani_Nu%20couch%E2%94%9C%C2%AE.jpg" width="486" /></a></div><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"> <i>Desnudo acostado</i> (1917-18). <span style="text-indent: 37.8667px;">Ól. s. lienzo, 66 x 100 cms. Pinacoteca Agnelli, Turín. </span>© Pinacoteca Agnelli, Torino.</div>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">En
su estilización de las figuras y el cromatismo podríamos situar otra interesante
convergencia de Modigliani: en este caso, con el Greco. Aunque si el Greco
estiliza las figuras y la luz para rastrear en ellas el reflejo de lo eterno,
el planteamiento de Modigliani nos habla sobre todo de los límites espaciales y
temporales del ser humano, de la vida como un tránsito, como un estar en
movimiento. <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-left: -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 28.4pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Si
a todo ello agregamos su atención temática casi exclusiva por la figura humana,
estaremos en condiciones de situar el centro de gravedad estético de Modigliani
en una especie de comprensión melancólica de lo incierto del destino. Por ello activa
en todo momento de manera dinámica la figuración, y eso es lo que leemos en sus
obras: las vidas nunca están quietas.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p> </o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Modigliani. Un peintre et son marchand</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;"> [</span><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Modigliani. Un pintor y
su marchante</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">].</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> Comisariado: Simonetta Fraquelli y Cécile
Girardeau. Musée del l’Orangerie, París</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">.
Del 30 de septiembre al 15 enero de 2024.</span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; font-size: 13.5pt;">* Publicado en EL CULTURAL:</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 13.5pt;"><o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-right: -.35pt; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; font-size: 13.5pt;">- Edición impresa, 8 – 14 de diciembre, pgs. 46-47.</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-size: 13.5pt;"><o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-right: -.35pt; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; font-size: 13.5pt;">- Edición <i>online</i>: </span></span></span><a href="https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20231217/historia-amistad-gran-maestro-dibujo-color-amedeo-modigliani-marchante/817418571_0.html"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;">https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20231217/historia-amistad-gran-maestro-dibujo-color-amedeo-modigliani-marchante/817418571_0.html</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span></span></a><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"> </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-size: 13.5pt;"><o:p></o:p></span></span></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-85611226344506976302023-11-14T05:12:00.000-08:002023-11-14T06:37:16.152-08:00Exposición en el Museo del Prado<p> </p><p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm; margin-left: -49.65pt; margin-right: -42.9pt; margin-top: 0cm; margin: 0cm -42.9pt 0cm -49.65pt; mso-pagination: none; text-align: center; text-indent: 0cm;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18pt; line-height: 150%;">Miguel
Ángel Blanco: Ver lo que no vemos<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><a name="_Hlk122869485"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">A veces los caminos y
vías del arte se extienden hacia espacios inesperados, que nos permiten ir más
allá en la comprensión de lo que las obras transmiten. Esta cuestión se abre de
una forma profunda y consistente en la magnífica exposición que se presenta en
el Museo del Prado, comisariada por el artista Miguel Ángel Blanco (1958).<o:p></o:p></span></a></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><a name="_Hlk122869485"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"></span></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQzZd-2zszDl_I6TojiH-VngwpL2_d2oX9w5GjZS3T-7Sy0mSXeOC6kXaoMr-ReH-Mz5yGSi4uktAWK5o0SC36uCTABIoMZRsVExBde9hyGXPwM5ymDPVnpnXl5c7T08ejYWWthKIZ-Amk359hkVZhVtDM3tVUUud0kbD-d-2m0bSgL4ZAZrg-zn58v6s/s3543/2%20Imagen%20de%20salas.jpg" style="font-family: "Times New Roman"; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2362" data-original-width="3543" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQzZd-2zszDl_I6TojiH-VngwpL2_d2oX9w5GjZS3T-7Sy0mSXeOC6kXaoMr-ReH-Mz5yGSi4uktAWK5o0SC36uCTABIoMZRsVExBde9hyGXPwM5ymDPVnpnXl5c7T08ejYWWthKIZ-Amk359hkVZhVtDM3tVUUud0kbD-d-2m0bSgL4ZAZrg-zn58v6s/w481-h319/2%20Imagen%20de%20salas.jpg" width="481" /></a></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;">Imagen de las salas</p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Su
trabajo artístico tuvo sus inicios en 1980, y desde entonces Blanco desplegó un
interés especial por su atención a los árboles y su estela de vida, así como
por la comunicación entre el arte y la naturaleza. Sus obras incluyen restos,
fragmentos y residuos de las especies vegetales recogidos en forma de libros-cajas,
con los que ha ido constituyendo un amplio archivo al que ha llamado <i>Biblioteca
del Bosque</i>.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Todo
ello implica una conexión con lo que ahora se nos plantea en la muestra, pues
según indica Blanco en el catálogo: “existe en el Museo del Prado todo un
bosque de madera sobre las que tantos pintores han trabajado”. Algo que se
concreta en las especies arbóreas, la edad de los árboles talados, las áreas
geográficas de origen, y los procesos a los que los árboles fueron sometidos.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">De
los bosques y la madera de los árboles al arte, <i>Reversos</i> se sitúa en una
atención abierta a elementos y soportes de las obras que habitualmente no
percibimos por las maneras y procedimientos con que estas se presentan a los
públicos. El núcleo del proyecto se sitúa en un análisis minucioso de las
colecciones del Museo del Prado, en el que fue analizando todas las obras, una
por una, en sus dimensiones traseras, no vistas, según transmite el propio
Blanco.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwxByd4UB3ev3C_R7tmIRlgmlF246kvil2mYrLGyKs7BYkUUaRIGHhfeSgf19xG3ynzmdhWnmgRGRTpWXOlZZMaU1m5sN0vOI2EuXk8_AhNkGO2bTbDkGNOzJ_yNfe-oKlObrS8xwAmpA05lo2OGKhJDr8fqz4ovI-SVZiqr3jVrmQ0zWTBrdAPlcGvoM/s4700/3%20Confiscaci%C3%B3n....jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2843" data-original-width="4700" height="294" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwxByd4UB3ev3C_R7tmIRlgmlF246kvil2mYrLGyKs7BYkUUaRIGHhfeSgf19xG3ynzmdhWnmgRGRTpWXOlZZMaU1m5sN0vOI2EuXk8_AhNkGO2bTbDkGNOzJ_yNfe-oKlObrS8xwAmpA05lo2OGKhJDr8fqz4ovI-SVZiqr3jVrmQ0zWTBrdAPlcGvoM/w485-h294/3%20Confiscaci%C3%B3n....jpg" width="485" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Atribuido a François Bunel el Joven: <i>Cosificación de los enseres de la galería de</i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>un marchante</i> (1590). Óleo sobre tabla, 28,1 x 47 cm. Mauritshuits, La Haya.</div></div><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Y
así, en un largo y concentrado proceso de trabajo de casi siete años, fue
desarrollando una propuesta expositiva cuyo punto de partida es una de las
obras referenciales del arte y del Museo del Prado: <i>Las meninas</i> (1656),
de Diego Velázquez. En ella vemos a Velázquez pintando un cuadro de grandes
dimensiones que se representa por la parte trasera. Y se supone que lo que
pintaba es el reflejo de la imagen de los reyes que se ve en el espejo situado
en perspectiva al fondo de la obra. Ahí vemos algo que sin la representación
del espejo no veríamos.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Tomando
como núcleo las colecciones del Prado, a las que se unen piezas de más de
veinte prestadores nacionales e internacionales, se presentan en la muestra 119
obras, aunque el número en bastantes ocasiones es dual cuando hay
representación plástica por delante y por detrás de ellas. Son obras realizadas
con más de 500 años de distancia, desde el siglo XV hasta la época contemporánea.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Lo
que da unidad a todas ellas es la posibilidad de una visión expandida, que se
obtiene al poder ver la parte trasera que habitualmente no se ve, junto a las
referencias y consideraciones sobre las técnicas y materiales utilizados para
la conservación de las obras que también forman parte de ellas.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Resulta
además decisivo el excelente diseño del montaje. Las salas están pintadas de
negro por primera vez en el Museo, lo que permite un grado más intenso de
concentración visual al mirar. Se utilizan vitrinas y espejos que nos permiten
un juego de contrastes decisivo entre dentro y fuera. Y el recorrido incluye
también la presentación de obras en los espacios abiertos.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3phRfJeT4wNuZEMtD2PHOsFsw7x46YZJ0hLw8T-yiB0e5dbwy4_Vi23IcBwIo0T1cZlP1QXz_FQToE5wrFhLJX7CRZ_lZlnAJ7aSjxpOWGjrLyc9FBOGFCsx_-2A8bPIlXOXoNPlMHjSxOp120MqMoeJMFh8zPvCpTRr5BjUfVC0D_AqGGxoCjYTrOSg/s3101/1%20Vik%20Muniz,%20Verso%20(Las%20Meninas).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3101" data-original-width="2917" height="485" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3phRfJeT4wNuZEMtD2PHOsFsw7x46YZJ0hLw8T-yiB0e5dbwy4_Vi23IcBwIo0T1cZlP1QXz_FQToE5wrFhLJX7CRZ_lZlnAJ7aSjxpOWGjrLyc9FBOGFCsx_-2A8bPIlXOXoNPlMHjSxOp120MqMoeJMFh8zPvCpTRr5BjUfVC0D_AqGGxoCjYTrOSg/w456-h485/1%20Vik%20Muniz,%20Verso%20(Las%20Meninas).jpg" width="456" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Vik Muniz: <i>Verso </i>(<i>Las meninas</i>) (2018). Técnica mixta, 367,5 x 324 x 13 cm.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Cortesía del artista y de la Galería Elba Benítez.</div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-align: justify; text-autospace: none;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">El
recorrido se despliega, según indica Miguel Ángel Blanco, sin establecer
jerarquías entre las obras ni ordenación cronológica. En el inicio se sitúa la
obra <i>Verso (Las meninas)</i> (2018), del artista brasileño contemporáneo Vik
Muniz, una fiel reproducción de la parte trasera del cuadro de Velázquez.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGOyYKS-KsyVKBM5G69uQ7yO-Q6HEegdIP_0dZD24ZBVLwyHYW9BnlLePXGHgIBE6LRf_J4SlEI8Sj69CIELxKYfyA_JQSbsqqRapgIsa4F_YMwGSr227ZXVitjCb3NK0wcPnE9huHTPGeE-ytyY9E6DkQb4MneHpx7Yqc00A9ybZ8VcPFrRUJeD0O4-s/s3900/4%20Rembrandt.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3063" data-original-width="3900" height="383" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGOyYKS-KsyVKBM5G69uQ7yO-Q6HEegdIP_0dZD24ZBVLwyHYW9BnlLePXGHgIBE6LRf_J4SlEI8Sj69CIELxKYfyA_JQSbsqqRapgIsa4F_YMwGSr227ZXVitjCb3NK0wcPnE9huHTPGeE-ytyY9E6DkQb4MneHpx7Yqc00A9ybZ8VcPFrRUJeD0O4-s/w489-h383/4%20Rembrandt.jpg" width="489" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Rembrandt: <i>Artista en su estudio</i> (h. 1628). Óleo sobre tabla, 24,8 x 31,7 cm.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Museum of Fine Arts, Boston. Zoe Oliver Sherman Collection.</div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-align: justify; text-autospace: none;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">El
montaje se articula en diez secciones, en cuyos títulos podemos apreciar la
diversidad de conceptos y de procedimientos que, además de la parte trasera de
los cuadros, nos permiten apreciar en los itinerarios del arte aspectos
habitualmente no vistos. Estas son las secciones: (1) El artista tras el
lienzo, (2) Esto no es una trasera, (3) De espaldas frente a la pintura, (4) El
bastidor como cruz, (5) Caras B, (6) El lado oculto, (7) Más información al
reverso, (8) Ornamentos y fantasmas, (9) Pliegues, cortes y recortes, y (10)
Naturaleza de fondo.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvtIvhkXv4ZCe3UrYoRrMPiJxoVlwal0WQ1l78hv7OnmQFUwx-C5AZg98BapMmEalQ3-Au0a-lrRbJR9r8-w04b8toGYNMcCe7Gpvn-VauCmkZhW7KOzyou0PqBNrRxAdvjD0hXbmO2ZlNumzDf54_sR6dukaOR65fiWAYv4mhjliYKsAJUt9f51cubDw/s1024/5%20Un%20fil%C3%B3sofo%20(1635).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="784" height="615" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvtIvhkXv4ZCe3UrYoRrMPiJxoVlwal0WQ1l78hv7OnmQFUwx-C5AZg98BapMmEalQ3-Au0a-lrRbJR9r8-w04b8toGYNMcCe7Gpvn-VauCmkZhW7KOzyou0PqBNrRxAdvjD0hXbmO2ZlNumzDf54_sR6dukaOR65fiWAYv4mhjliYKsAJUt9f51cubDw/w472-h615/5%20Un%20fil%C3%B3sofo%20(1635).jpg" width="472" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Salomon Koninck: <i>Un filósofo</i> (anverso) (1635). Óleo sobre tabla,</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">71 x 54 cm. Museo Nacional del Prado, Madrid.</div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-align: justify; text-autospace: none;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Todo
un recorrido a través de lo no suficientemente conocido, que supone ampliar los
sentidos y el alcance de las obras de arte. Un recorrido que se cierra con tres
libros-cajas de Miguel Ángel Blanco, realizados en diálogo con <i>La
Transfiguración</i> (1520-1528), una pintura sobre tabla realizada como copia
de la última obra de Rafael.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-align: justify; text-autospace: none;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Se
trata de una pieza de grandísimas dimensiones, que tiene el mayor peso entre
las que hay en el Museo, y respecto a la cual Blanco solicitó estar presente
cuando se desmontó para restaurarla en 2020. Fue entonces cuando recogió los
fragmentos de polvo acumulados y realizó unos dibujos en <i>frottage</i> sobre
las tablas, recogidos en los tres libros-cajas de la <i>Biblioteca del Bosque</i>,
a los que puso como “subtítulos”: <i>Amanecer</i>, <i>Crepúsculo</i> y <i>Noche.</i><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-align: justify; text-autospace: none;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">En
definitiva, con todo ello hemos ido al fondo de la experiencia estética, vemos
cosas que habitualmente no vemos. Y así, con su trabajo de comisariado y su
presencia activa en todo el proceso de elaboración y presentación de la
muestra, estamos en sí misma ante una propuesta artística de Miguel Ángel
Blanco de una gran intensidad. No se la pierdan.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"> </span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"> </span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">*
<i>Reversos</i>.</span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> Comisario: Miguel Ángel Blanco. Museo del Prado,
Madrid</span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">.
Del 7 de noviembre al 3 de marzo de 2024.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 13.5pt;">* Publicado en
EL CULTURAL:</span><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 13.5pt;"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-right: -0.35pt; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 13.5pt;">- Edición
impresa, 10 – 16 de noviembre, pgs. 28-29.</span><span style="font-size: 13.5pt;"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin: 0cm -42.9pt 0.0001pt -49.65pt; text-align: center; text-indent: 0cm;">
</p><p class="MsoNormal" style="margin-right: -0.35pt; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 13.5pt;">-
Edición <i>online</i>: </span><a href="https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20231114/reversos-cara-grandes-maestros-pintura-primera-vez-museo-prado/808419153_0.html">https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20231114/reversos-cara-grandes-maestros-pintura-primera-vez-museo-prado/808419153_0.html</a><a href="https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20231114/reversos-cara-grandes-maestros-pintura-primera-vez-museo-prado/808419153_0.html" style="text-align: center; text-indent: 0cm;">ml</a></p><p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm; margin-left: -49.65pt; margin-right: -42.9pt; margin-top: 0cm; margin: 0cm -42.9pt 0cm -49.65pt; mso-pagination: none; text-align: center; text-indent: 0cm;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18pt; line-height: 150%;"></span></b></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-63407762696736421472023-10-15T03:23:00.000-07:002023-10-15T03:23:08.047-07:00<p style="text-align: center;"> <a name="_MailAutoSig" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 150%;">Luis Gordillo: </span></b></a></p><p style="text-align: center;"><a name="_MailAutoSig" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 150%;">Los lenguajes de las formas</span></b></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><a name="_Hlk122869485"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Estamos ante un acontecimiento de gran relieve para el arte de
nuestro tiempo. Se trata de una exposición que sitúa ante nuestra mirada un
gran conjunto de obras de Luis Gordillo, artista ejemplar que a sus 89 años
continúa activo y siempre con la gran intensidad que caracteriza su trabajo. Se
han reunido 88 obras, muchas de ellas de gran formato y concebidas como series
que integran pluralidades de imágenes.<o:p></o:p></span></a></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Concebida como síntesis de la trayectoria
de Gordillo en las últimas dos décadas, las obras que se presentan están
datadas entre 1998 y 2023. Como punto de partida, al entrar en el espacio
expositivo se sitúa una obra de gran formato: <i>Martirologio cromático</i>
(2006), una instalación con lienzo y zona plástica que estuvo presente en la
gran exposición retrospectiva que el Museo Reina Sofía dedicó a su trayectoria
en 2006, desde sus inicios a aquella fecha.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiJ3xOi5c1A2P1XgIlSOYuF_RNbNQlXmykbCU8O8r-L6cqLm_2Po5U4mqMoUXuhiUBoUoboxqwj1fanUuu1OUr4o-jP836SjyWwbG2MOsjJQ1Cr1LMal1U0NTEXaAQTS6EssvCDsc9_K64An9oSebNRdCTAKXomMOMdB4IN9nsXen2AKudpKQTOe8n4WI/s2835/1%20Abstraccion%20objetual%20(2018).%20D%C3%ADptico,%20312%20x%20221%20cm..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2835" data-original-width="2006" height="570" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiJ3xOi5c1A2P1XgIlSOYuF_RNbNQlXmykbCU8O8r-L6cqLm_2Po5U4mqMoUXuhiUBoUoboxqwj1fanUuu1OUr4o-jP836SjyWwbG2MOsjJQ1Cr1LMal1U0NTEXaAQTS6EssvCDsc9_K64An9oSebNRdCTAKXomMOMdB4IN9nsXen2AKudpKQTOe8n4WI/w402-h570/1%20Abstraccion%20objetual%20(2018).%20D%C3%ADptico,%20312%20x%20221%20cm..jpg" width="402" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Abstraccion objetual</i> (2018). Díptico, 312 x 221 cm.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Esa elección es significativa porque en
la práctica artística de Luis Gordillo el cromatismo: los efectos y juegos de
los colores, se han desplegado en todo momento en diálogo con su interioridad. En
ese diálogo se sitúa el concepto que articula la unidad de la muestra: con su
diversidad de formatos expresivos, tamaños, y temáticas, las obras establecen
un diálogo permanente con la interioridad de Gordillo. Lo que se refleja en el
sugestivo título: </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">dime
quién eres Yo</span></i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">, que
nos abre a todo aquello que desde fuera forma parte de nuestro yo más íntimo.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">El
montaje y presentación de las obras, muy bien articulado, alcanza una amplitud
impresionante. Se puede decir que prácticamente todas las paredes, incluso las
de los pasillos interiores, del espacio expositivo están ocupadas por una gran
cantidad de piezas, muchas de ellas de gran formato. <o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCZRYPF_0RAIlA7xeIrpQ6kP0NKxKO7Gw9KdG6jwQJTyY1xWzgSb43F1KFSqd9ciYlhBm5wgn3vmzX0vzxxvlDOnU77jIc1u8cQpGPXcH-K_nELmz56LeEr-tV-OMqI7AxI914tEjv-7Cmx0P8OPABlC75v7HEOm8Z8NYO_TCoAkzCplTaBh52etdT0V4/s431/2%20Nubes%20de%20tierra,%20B%20(2020).%20Pol%C3%ADptico,%20201%20x%20220%20cm..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="431" data-original-width="392" height="440" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCZRYPF_0RAIlA7xeIrpQ6kP0NKxKO7Gw9KdG6jwQJTyY1xWzgSb43F1KFSqd9ciYlhBm5wgn3vmzX0vzxxvlDOnU77jIc1u8cQpGPXcH-K_nELmz56LeEr-tV-OMqI7AxI914tEjv-7Cmx0P8OPABlC75v7HEOm8Z8NYO_TCoAkzCplTaBh52etdT0V4/w400-h440/2%20Nubes%20de%20tierra,%20B%20(2020).%20Pol%C3%ADptico,%20201%20x%20220%20cm..jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Nubes de tierra, B</i> (2020). Políptico, 201 x 220 cm.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">En
ellas vamos viendo una intensa diversidad de motivos de representación,
integrados en juegos de contraste entre la figuración y la no figuración, y en
los que la atención a lo diferente unida a la plasmación de colores con ecos
diversos y profundos nos transmite la sintonía de aquello que no somos, pero
forma parte de nuestro yo.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">Además
de las referencias no figurativas a los fotógrafos estadounidenses Garry
Winogrand y Lee Friedlander, o a Marilyn (sin duda, Monroe), vemos plasmaciones
figurativas de cabezas y rostros entre las que podemos distinguir al propio
Gordillo y también a Donald Trump. Junto a ello, todo tipo de objetos de uso
material y expresivo, y también animalitos de juguete en síntesis con lo
artificial: el oso, el ratón, el robot, las jirafas, los caballos.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">Todas
estas cuestiones tienen que ver con los procedimientos creativos empleados por
Luis Gordillo, determinados por </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">el mestizaje de las imágenes</span></i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">. El núcleo referencial es la pintura, pero ésta se
articula a través del dibujo, las fotografías, y las placas digitales. </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">El
resultado final es algo tan abierto como la vida misma, pero precisamente por
ello ahí se sitúa su significación. Lo que vibra en ellas detrás de cada paso
es el juego agitado del pensamiento que mueve el cuerpo.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhD9CXQCmVRX4svrpKwtJD82G285nbaI6HEi90flymP9zyaEZd1rUKgH91eEk0bdxHU2f8jsQFOZsIiOeqEWRM7FJ_POFi9oMz9GSS-udVIFSB1ic1zXeR91521rannlP3ZtNQBluaUBoVK_F9uIjN0RpOUvkToa2r6_uBY5sYD0jG3gbpxS5Ciir-m8nY/s2778/3%20Zoolog%C3%ADa%20razonada%20(2020).%20Acr%C3%ADlico%20s.%20lienzo,%20256%20x%20198%20cm..tif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2778" data-original-width="2141" height="522" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhD9CXQCmVRX4svrpKwtJD82G285nbaI6HEi90flymP9zyaEZd1rUKgH91eEk0bdxHU2f8jsQFOZsIiOeqEWRM7FJ_POFi9oMz9GSS-udVIFSB1ic1zXeR91521rannlP3ZtNQBluaUBoVK_F9uIjN0RpOUvkToa2r6_uBY5sYD0jG3gbpxS5Ciir-m8nY/w402-h522/3%20Zoolog%C3%ADa%20razonada%20(2020).%20Acr%C3%ADlico%20s.%20lienzo,%20256%20x%20198%20cm..tif" width="402" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Zoología razonada</i> (2020). Acrílico s. lienzo, 256 x 198 cm.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">La mezcla de los procedimientos
representativos en el caso de Gordillo ha tenido en todo momento también un eco
en su escritura, que tiene un carácter a la vez poético e irónico, como queda
patente en los títulos con los que rotula sus obras. Cuando en 2009 publicó <i>Little
Memories</i> [<i>Recuerdos Pequeños</i>] abrió a los lectores el camino a la
comprensión del trasfondo interior de su búsqueda plástica.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">El libro recogía toda una serie de
anotaciones personales, datadas entre 1988 y 1999, que brotaban del impulso
interior de su mirada y su comprensión. En uno de los textos allí recogidos,
probablemente escrito en 1988, podemos leer: “el espectador ve en el cuadro lo
que el pintor sabe, pero el alma del cuadro es lo que el pintor ignora”. Y más
adelante, probablemente ya en 1994, anotó: “un cuadro es un lugar de encuentro
entre múltiples imposibilidades”. <o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0PbPKPtm9VQP91_Ai5h3qiUAeSZO6oD80QxCIetONIFvjpZd14m2k1nCX90vhX4N4uikNkQtFVi2w_-Y9T7IpYYgfLiYQvJqUFBlezOhFodk-yHjuame5fq-37xW64z4Zt_aRvYG3Q7RaUkcAq8KFFWfXqbWRKdYgd3Xh-2uPlsrH28JsDP60hSumyqc/s433/4%20Infinitivo%20de%20oso%20(2021).%20Acr%C3%ADlico%20s.%20lienzo,%20190%20x%20173%20cm..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="433" data-original-width="392" height="447" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0PbPKPtm9VQP91_Ai5h3qiUAeSZO6oD80QxCIetONIFvjpZd14m2k1nCX90vhX4N4uikNkQtFVi2w_-Y9T7IpYYgfLiYQvJqUFBlezOhFodk-yHjuame5fq-37xW64z4Zt_aRvYG3Q7RaUkcAq8KFFWfXqbWRKdYgd3Xh-2uPlsrH28JsDP60hSumyqc/w404-h447/4%20Infinitivo%20de%20oso%20(2021).%20Acr%C3%ADlico%20s.%20lienzo,%20190%20x%20173%20cm..jpg" width="404" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Infinitivo de oso</i> (2021). Acrílico s. lienzo, 190 x 173 cm.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">La expresión artística es una cuestión
abierta, sólo puede brotar en la pluralidad de las formas de representación y
de comunicación. Y en ese sentido es de gran importancia que en el catálogo de
esta exposición también se hayan recogido todo un conjunto de anotaciones del
artista en las que podemos apreciar los ecos continuos entre las obras a las
que va dando forma y su interioridad expresiva.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">A través de las conversaciones abiertas
entre los dibujos, la pintura, las fotografías y las imágenes digitales, Luis
Gordillo construye obras subversivas, que mezclan el cuestionamiento y lo
enigmático de las representaciones, para construir espejos visuales en los que
al vernos reflejados nos llevan a preguntarnos quiénes somos en este mundo de
imágenes fluidas y envolventes en que hoy vivimos. <o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinAtugnLfF6HuPq9UyEWoob-Ra9o6DIWC-Ioc75QkqHgBis3nMb3KR2WiUX6GGIO-4XQChCMDj4tTzt6evGVG0ao2rbI47l_pVWW5EKGEd9cmuEeGPOjjP6RmV3TcFhrz05lTz_I4lETGA7TKGqjV0sVH9Io3D2-_tOgJWPlxjCTCfxPxoz7ncsNhxzo4/s6257/5%20J%20+%20C%20(jirafas%20+%20caballos)%20(2021).%20Acr%C3%ADlico%20s.%20lienzo%20y%20dos%20fotograf%C3%ADas%20enmarcadas,%20220%20x%20233%20cm..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="6257" data-original-width="4169" height="606" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinAtugnLfF6HuPq9UyEWoob-Ra9o6DIWC-Ioc75QkqHgBis3nMb3KR2WiUX6GGIO-4XQChCMDj4tTzt6evGVG0ao2rbI47l_pVWW5EKGEd9cmuEeGPOjjP6RmV3TcFhrz05lTz_I4lETGA7TKGqjV0sVH9Io3D2-_tOgJWPlxjCTCfxPxoz7ncsNhxzo4/w403-h606/5%20J%20+%20C%20(jirafas%20+%20caballos)%20(2021).%20Acr%C3%ADlico%20s.%20lienzo%20y%20dos%20fotograf%C3%ADas%20enmarcadas,%20220%20x%20233%20cm..jpg" width="403" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>J + C (jirafas + caballos)</i> (2021). Acrílico s. lienzo y dos fotografías enmarcadas, 220 x 233 cm.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">El objetivo central que Luis Gordillo nos
transmite con sus obras es ir en todo momento más allá de la mirada superficial
o utilitaria: se trata de ir al fondo de lo que miramos para llegar a ver… Y
así, viendo formas y objetos vamos más allá, llegamos a lo que nuestra
interioridad experimenta como diálogo con las formas. En todo momento el
despliegue intenso de los colores es algo central en ese proceso de la visión.
Junto a las líneas y los trazados, los colores nos permiten diferenciar y
distinguir, reconociendo la pluralidad de los lenguajes de las formas.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Esa pluralidad de las formas y vías de
expresión, que tiene su reflejo y continuidad en el trabajo artístico de Luis
Gordillo nos lleva a la cuestión central: la unidad reductiva, la forma de
expresión en un único soporte o línea constitutiva, no puede representar el
carácter intensamente plural de las experiencias, tantas veces contrapuestas,
de la vida en su continua pluralidad de giros e inversiones. Nuestro <i>yo</i>
es <i>plural</i>, lo mismo que las formas en las que se refleja y los lenguajes
en los que fluyen sus ecos.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><span style="mso-spacerun: yes;"><br /></span></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Luis Gordillo: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">dime quién eres Yo</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">.</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> Comisaria: Bea Espejo. Sala Alcalá 31, Madrid</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">.
Del 27 de septiembre al 14 de enero de 2024.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Publicado en EL CULTURAL: <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-right: -.35pt; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">- Edición
impresa, 6 – 12 de octubre, pgs. 30-31.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-right: -.35pt; mso-layout-grid-align: none; text-align: left; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">- Edición <i>online</i>: </span><a href="https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230627/apostoles-greco-retratos-cubistas-picasso-cara-museo-prado/773922743_0.html">https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20231013/luis-gordillo-apabulla-ultima-exposicion-pintor-ignora/799670535_0.html</a>
<span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p></o:p></span></p><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"></span></span></span><p></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-82785055046978702942023-09-17T01:36:00.002-07:002023-10-15T02:50:50.723-07:00<p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm; margin-left: -49.65pt; margin-right: -42.9pt; margin-top: 0cm; margin: 0cm -42.9pt 0cm -49.65pt; mso-pagination: none; text-align: center; text-indent: 0cm;"><a name="_MailAutoSig"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; font-size: 18pt; line-height: 150%;">Antonio Saura: El espejo de la vida</span></b></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Un
importante acontecimiento artístico, con una dimensión doble y que nos lleva a
uno de nuestros artistas contemporáneos de mayor relevancia: Antonio Saura,
tendrá lugar en este mes de septiembre. Muy cerca del pasado 22 de julio, día
en el que se cumplía el 25 aniversario de su fallecimiento, se han programado
dos exposiciones de notable consistencia y alcance. La primera, en Opera
Gallery Madrid, se abrirá el día 14. Y al día siguiente, la segunda, en
Fundación Bancaja Valencia. <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjsMxq2HYtCEipRrve0cSHm_4Bd0fRgO1DlDNdqAcyXIKnrJj-XpXNzYlHyFMvUYpjBj5MOX0_9uda9wEB-71FJBuAiUEHuASliEDuEuGRZfpvIJGe-sMXMva-lmQ9MIgGy1Oh-kv-J18uqS-zF1fWpw-kIap_Rt9YsG0IMqJbVku1RuOkhe6DB61vYPP4" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="5307" data-original-width="4134" height="524" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjsMxq2HYtCEipRrve0cSHm_4Bd0fRgO1DlDNdqAcyXIKnrJj-XpXNzYlHyFMvUYpjBj5MOX0_9uda9wEB-71FJBuAiUEHuASliEDuEuGRZfpvIJGe-sMXMva-lmQ9MIgGy1Oh-kv-J18uqS-zF1fWpw-kIap_Rt9YsG0IMqJbVku1RuOkhe6DB61vYPP4=w408-h524" width="408" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Le Chien de Goya</i> (1997). Ól. s. lienzo, 162 x 130 cm.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">©Succession Antonio Saura
www.antoniosaura.org
A.D.A.G.P. Paris, 2023. </div><br /><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">Opera Gallery, que abrió su espacio en Madrid el
pasado mes de mayo, es un proyecto internacional cuya actividad comenzó en 1994
y que en la actualidad cuenta con 16 galerías de arte en todo el mundo. Al
elegir ahora la figura de Antonio Saura plantean como objetivo el apoyo al arte
español. En la exposición se presentan más de 60 obras datadas desde 1958: más
de 50 sobre papel y unos 10 lienzos. Y la propuesta se completa con 19
carteles, un género al que Saura prestó bastante atención. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">La frase que se emplea en el título de la muestra: </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Pintar
como querer</span></i></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;"> está tomada de un texto sobre Goya con ese título,
de José Bergamín, publicado por en 1937. Y en ello está ya contenida una de las
cuestiones centrales de la trayectoria artística de Saura, que tiene como uno
de sus núcleos un diálogo constante con Goya. Es algo que él mismo hace
explícito en sus textos y también con las series “Retratos imaginarios de Goya”
y “Perros de Goya”, que tuvieron su inicio en 1967 y a las que se presta
atención en la muestra.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgj5gtFagoT4fM0AqozP0UVj1aGdcxjcOsW9CzDx-r7ESi_9KHIdAODGrS98C4dBLho1WzoBwAIu8gA0q9QATWtkpHy3ynYTvH-dnp_Le__DTZHWvAyD7WOKQMgjJpdaSr5kqjSZibXLRVt3Q8e-BmyXIhZwMWgiIB_2HENXD_d1g_RK0h6fXcPJAkevG8" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="3816" data-original-width="3416" height="462" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgj5gtFagoT4fM0AqozP0UVj1aGdcxjcOsW9CzDx-r7ESi_9KHIdAODGrS98C4dBLho1WzoBwAIu8gA0q9QATWtkpHy3ynYTvH-dnp_Le__DTZHWvAyD7WOKQMgjJpdaSr5kqjSZibXLRVt3Q8e-BmyXIhZwMWgiIB_2HENXD_d1g_RK0h6fXcPJAkevG8=w414-h462" width="414" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Dame</i> (1983). Pintura laca (Titanlux) sobre papel
65,3 x 50 cm.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">©Succession Antonio Saura
www.antoniosaura.org
A.D.A.G.P. Paris, 2023.</div><br /><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">Sobre “Perro semihundido” (1819) de Goya,
perteneciente a la serie de las “Pinturas Negras”, Saura indicaba en un texto
su fascinación desde niño por esa imagen, cuya presencia y recuerdo habrían
“dado origen a diversas pinturas en tela realizadas en grandes dimensiones, así
como a múltiples obras en papel en las que he empleado técnicas muy diversas.”
Cuando en 1993 se le hizo un homenaje en Fuendetodos, la ciudad aragonesa sonde
nació Goya, Saura escribió para el libro que se publicó por ese motivo una
dedicatoria al museo de Fuendetodos, “ciudad natal de mi abuelo Goya”. Saura se
consideraba “nieto” de Goya. Como él, nacido en Aragón y con etapas de vida en
Francia. Y, sobre todo, como él, buscando a través del arte las interrogaciones
y las vías de sentido de la vida. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">El diálogo con Goya se mantiene y se abre a otros
artistas y cuestiones en las demás series y ejes temáticos que articulan la
muestra: Auto de fe, Cabezas/Sudarios, Crucifixiones, Damas, Desnudos paisajes
y Multitudes.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">En la otra exposición, en Valencia: en la Fundación
Bancaja, se presenta una gran retrospectiva, con un recorrido de seis décadas
de su trayectoria, con obras realizadas entre los años 40 y los 90 del siglo ya
pasado. Se reúnen cerca de 90 obras, procedentes casi en su totalidad del Museo
Reina Sofía, y con la presentación pública, por primera vez, de </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Las
tres Gracias</span></i></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;"> (1997). Con ellas se establece todo un panorama de
los ejes y temas centrales de Antonio Saura: Damas, Desnudos, Crucifixiones,
Multitudes, Cabezas y Retratos imaginarios.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjv2Y2XlWKfrvIkf4LXSRm0YEs3mTxQhi3TXKmKvv5bggEfZgdwan8JdQ3GJS_yXO66SE_xJtJp_7k6cJvmH3dM0VkYiReCq6hEtk3AG-mIj_p0oEGEC4odqkpMUhHi2KkRIVi2bfmcRXAQsG26OcTbl052B-mAS0vpvQ2aspXuKe1fZwaVACjQzE0C_S0" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="695" data-original-width="1068" height="308" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjv2Y2XlWKfrvIkf4LXSRm0YEs3mTxQhi3TXKmKvv5bggEfZgdwan8JdQ3GJS_yXO66SE_xJtJp_7k6cJvmH3dM0VkYiReCq6hEtk3AG-mIj_p0oEGEC4odqkpMUhHi2KkRIVi2bfmcRXAQsG26OcTbl052B-mAS0vpvQ2aspXuKe1fZwaVACjQzE0C_S0=w473-h308" width="473" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Las tres gracias</i> (1997). Ól. s. lienzo. Tríptico (195 x 97 cm.) 195 x 291 cm.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Colección Fundación Bancaja.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">Es importante señalar la dimensión intensamente </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">plural</span></i></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;"> del
trabajo artístico de Antonio Saura. Ciertamente, su lenguaje básico es la
pintura, que aplica en una gran variedad de soportes. También hay que tener en
cuenta su diseño de escenarios y decorados para obras dramáticas, ballets y
ópera. Y de un ejemplar nivel significativo son sus textos: la escritura de
pensamiento que siempre estuvo en el trasfondo de sus obras.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">Considero que lo más decisivo en este artista
esencial es cómo integra en sus obras la figuración y la no figuración: desde
su diálogo con Goya hasta las pautas de representación en las artes del siglo
XX. En él se puede comprender en profundidad lo inadecuado que es utilizar el
término “abstracción” como fórmula de distinción artística, algo que empezó a
utilizarse a partir de 1910 con la primera acuarela llamada “abstracta” de
Vasili Kandinsky.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhlVZOcjDxchHkvhiQGVVUlulbxkJnheiZe9sQ5OgrpY84V5Y32QTLQFTsxXfc7QY-4kgBTUVM-N0RnSCnDnGt2X0f5U_reKRcSImrHh8D4Pmjl7ow1GeLc8L_Pwdm-bQArBx1u_Z-5QPdt_Nip7KU3WENJrSxx8ea5H9tjKui_BVrjLch6CYDwypCDcZw" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="2229" data-original-width="2088" height="477" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhlVZOcjDxchHkvhiQGVVUlulbxkJnheiZe9sQ5OgrpY84V5Y32QTLQFTsxXfc7QY-4kgBTUVM-N0RnSCnDnGt2X0f5U_reKRcSImrHh8D4Pmjl7ow1GeLc8L_Pwdm-bQArBx1u_Z-5QPdt_Nip7KU3WENJrSxx8ea5H9tjKui_BVrjLch6CYDwypCDcZw=w448-h477" width="448" /></a></span></span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 24px; text-align: center;"><span style="font-family: Georgia, "serif"; line-height: 24px;"><i> La diosa</i> (1954). Ól. s. lienzo, 89 x 83 c</span><span style="font-family: Georgia, "serif";">m. </span><span style="font-family: Georgia, "serif";">Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">En todas las artes, desde sus inicios en la Grecia
Clásica hasta hoy, interviene la abstracción: la proyección de sentidos y
significados a través de las diversas representaciones sensibles. Por eso es
más preciso hablar de </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">figuración</span></i></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">, en
la que siempre hay abstracción, y de </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">no figuración</span></i></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">, en
la que también la hay. Y la obra profunda, plena de intensidad y de juegos
irónicos, de Antonio Saura integra tanto la una como la otra en una línea
intensa de abstracción. Con ello, a través de la pintura, en sus diversas
modulaciones y soportes, nos lleva a la interrogación de la existencia. Antonio
Saura: </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">el espejo de la vida en la
pintura</span></i></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">.</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Antonio Saura. Pintar como querer</i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Comisaria:
</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Helvetica; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Belén Herrera Ottino</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">, Opera Gallery, Madrid</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. </span></span><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Del
14 de septiembre al 16 de octubre.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Antonio
Saura. Esencial</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">. Comisarios: Lola
Durán Úcar, Fernando Castro Flórez. </span>Del 15 de septiembre al <span style="mso-bidi-font-style: italic;">28 de enero de 2024.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><span style="mso-bidi-font-style: italic;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><span style="mso-bidi-font-style: italic;">* Publicado en EL CULTURAL:</span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><span style="mso-bidi-font-style: italic;">- Edición impresa: 8 de septiembre de 2023, pgs. 38-39.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">- Edición <i>online</i>: https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230916/antonio-saura-exposiciones-celebran-nieto-adoptivo-goya/791421010_0.html</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><span style="mso-bidi-font-style: italic;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><span style="mso-bidi-font-style: italic;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><span style="mso-bidi-font-style: italic;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none;"><span style="font-family: "Georgia","serif"; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-68622972023429420472023-08-03T03:43:00.000-07:002023-08-03T03:43:09.427-07:00Entrevista en EL CULTURAL sobre mi libro «El aprendiz en el sol»...<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiluqJiZ5DNgDaEStvhwrCSCiFzjBQKpV_imT9r7mB6NPbWRI9Gk8ERJDfV0KM8cv_v61is8lbcIWkdAjDLUrCzllQNaf3wtPOIrymmBRIozqiiOFmTvEMkPI1BpQIpO_Bg0szv6mHGCW03esAcZD3NrOAWZjxQck5k_e8nJSKY10WiaT-udh1eBS8zr0A" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="556" data-original-width="989" height="265" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiluqJiZ5DNgDaEStvhwrCSCiFzjBQKpV_imT9r7mB6NPbWRI9Gk8ERJDfV0KM8cv_v61is8lbcIWkdAjDLUrCzllQNaf3wtPOIrymmBRIozqiiOFmTvEMkPI1BpQIpO_Bg0szv6mHGCW03esAcZD3NrOAWZjxQck5k_e8nJSKY10WiaT-udh1eBS8zr0A=w473-h265" width="473" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin: 0cm -0.05pt 0cm 0cm; text-indent: 21.3pt;"><span style="color: #191a1e; font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.5pt; line-height: 150%; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-font-kerning: 0pt; mso-ligatures: none;">Se publica en la edición online de
EL CULTURAL: <a href="https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230803/aprendiz-sol-expedicion-medula-marcel-duchamp/783671688_0.html">https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230803/aprendiz-sol-expedicion-medula-marcel-duchamp/783671688_0.html</a>
una entrevista, a cargo de </span><b><span style="color: red; font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.5pt; line-height: 150%; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-font-kerning: 0pt; mso-ligatures: none;">Alfredo
Asensi</span></b><span style="color: #191a1e; font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.5pt; line-height: 150%; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-font-kerning: 0pt; mso-ligatures: none;">, sobre mi
último libro: </span><em><b><span style="border: none windowtext 1.0pt; color: #191a1e; font-family: "Georgia",serif; font-size: 14.5pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-border-alt: none windowtext 0cm; padding: 0cm;">El aprendiz en el sol. Marcel Duchamp y la experiencia estética de
la modernidad</span></b></em><em><b><span style="border: none windowtext 1.0pt; color: #191a1e; font-family: "Georgia",serif; font-size: 14.5pt; font-style: normal; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-border-alt: none windowtext 0cm; padding: 0cm;">.</span></b></em><span style="color: #191a1e; font-family: "Georgia",serif; font-size: 14.5pt; line-height: 150%;"> </span><span style="color: #191a1e; font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.5pt; line-height: 150%; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES; mso-font-kerning: 0pt; mso-ligatures: none;"><o:p></o:p></span></p></div><div style="text-align: center;"><br /></div><br /><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-13158376763150722752023-07-15T04:17:00.000-07:002023-07-15T04:17:07.274-07:00<p style="text-align: center;"> <a name="_MailAutoSig" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 20.0pt; line-height: 150%;">Nada hay en el vacío</span></b></a></p><p style="text-align: center;"><a name="_MailAutoSig" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><b></b></a></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRxqJWC-vf1FchdCEdYRrhbYF7AwoL5nIW8wgK8oJEIdwD2KKKzfNyPTZb3HpE8Yu_spEMLvFtcMMNIpZ6p-rVI0aB-rc9nOzUOqLDct8i89App6M3dwwZfkaE7H8g9R8sqV2ndYOYFlveWwfstptpIxoIMSBox9xgvoOus-1EfgHPOX-e-hmlJ5EdnGY/s566/8%20Slavoj%20%C5%BDi%C5%BEek%20Nada%20hay%20en%20el%20vac%C3%ADo,%20Cubierta.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="566" data-original-width="360" height="492" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRxqJWC-vf1FchdCEdYRrhbYF7AwoL5nIW8wgK8oJEIdwD2KKKzfNyPTZb3HpE8Yu_spEMLvFtcMMNIpZ6p-rVI0aB-rc9nOzUOqLDct8i89App6M3dwwZfkaE7H8g9R8sqV2ndYOYFlveWwfstptpIxoIMSBox9xgvoOus-1EfgHPOX-e-hmlJ5EdnGY/w314-h492/8%20Slavoj%20%C5%BDi%C5%BEek%20Nada%20hay%20en%20el%20vac%C3%ADo,%20Cubierta.jpg" width="314" /></a></b></div><p></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Estamos ante un nuevo libro de </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; letter-spacing: .15pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Slavoj Žižek, pensador esloveno nacido en
1949, que ha desarrollado una importante trayectoria como investigador y
profesor en el mundo anglosajón</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">. Este libro ahora traducido, que apareció
en su versión original en inglés en 2017, traza un extenso recorrido por los
determinantes de la vida en el mundo contemporáneo.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">El recorrido se despliega a través de tres
ejes: la dimensión universal de la filosofía, la dimensión particular de la
diferencia sexual y la dimensión singular de la economía política, en los que
según él mismo indica se encarna “la terna tríada filosófica de lo Universal,
lo Particular y lo Singular” (pg. 15). Junto a una amplia variedad de
referentes de la filosofía clásica se establece también un diálogo con el
psicoanálisis, con Sigmund Freud pero sobre todo con Jacques Lacan, cuyo
pensamiento se sitúa como horizonte central en el libro.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">En relación con esto último, </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; letter-spacing: .15pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Žižek subraya el vínculo de Lacan con la
filosofía, y argumenta que “sólo una filosofía recorrida por el psicoanálisis
puede sobrevivir al reto de la ciencia moderna.” (pg. 20). Esto último no me
parece plenamente aceptable, pues en mi opinión ese diálogo abierto de la
filosofía debería realizarse a través del conjunto de las ciencias humanas y no
sólo del psicoanálisis.</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">¿Dónde nos lleva </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; letter-spacing: .15pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Žižek en su recorrido tridimensional?
Rompiendo y criticando tópicos repetidos, sitúa el Vacío (en mayúsculas) como
el núcleo del que surgen las entidades. En referencia a la religión y a las
pautas de conducta social, lo que denomina “el Gran Otro”: la fuente de donde
fluirían la realidad y los comportamientos estaría plenamente vacía, y lo real
y sus variantes fluirían a través de su negación.</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; letter-spacing: .15pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Con un
planteamiento dialéctico, en el que la huella de Hegel es decisiva, esto
implicaría que lo que vivimos como realidad surge de su propia imposibilidad:
“nuestro universo surge de su propia imposibilidad, es decir, que lo que
sostiene al ser es el obstáculo para ser.” (pg. 79).<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>A todo esto alude el título del libro, <i>Incontinencia
del vacío</i>: lo que él denomina con mayúscula “el Vacío”, con el que se
confrontarían todos los ámbitos de la realidad, es inconsistente. Pero de esa
confrontación dialéctica, con el Vacío, con lo imposible, brotaría lo que
experimentamos en la vida como realidad.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; letter-spacing: .15pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">El resultado al
que Žižek llega sería “la incongruencia y/o inconsistencia de la realidad
positiva existente”, pues la premisa básica del libro “es que el orden del ser
está acechado por su propia imposibilidad y surge a partir de ella.” Y, en
consecuencia, concluye que únicamente “el paso a través de este punto-cero de
la «resignación infinita», de la absoluta desesperanza, puede fundamentar una
ética materialista.” (pg. 388). Es decir, la única vía para cambiar el mundo,
la realidad, sería partir de la inconsistencia de las ideas de lo absoluto o lo
permanente, para plantear a partir de los intersticios abiertos en los ámbitos </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">de
la filosofía, la diferencia sexual y la economía política, una nueva
configuración de lo real.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; letter-spacing: .15pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Žižek va de la
filosofía al psicoanálisis, pero con referencias continuas a la cultura de
masas: el cine, la televisión, los medios de comunicación, <i>lo que está
pasando</i>… El estilo de su escritura conlleva una gran abundancia de
planteamientos entre interrogaciones, que vienen a ser afirmaciones entre cuestionamientos.
Y es importante también que a lo largo de la misma se introducen continuamente
inserciones entre paréntesis, que desdoblan la argumentación.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; letter-spacing: .15pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">El objetivo parece
ser construir <i>un espejo mental</i> de interpretación de lo que hoy vivimos.
En definitiva, lo que encontramos en el libro es sugestivo, y en ocasiones nos
descubre aspectos de interés, pero a la vez es poco preciso y en ciertos
aspectos confuso: se echa en falta una línea de construcción teórica más
definida y mejor articulada.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; letter-spacing: .15pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">La verdad es que Slavoj
Žižek podría ser considerado más que como un pensador, como un <i>actor-pensador</i>
en la escena mediática, algo que ya pudo apreciarse con intensidad en la
película <i>Guía ideológica para pervertidos</i> (2012), en la que interviene
como actor único dando curso a su pensamiento en diálogo con fragmentos de
películas y con situaciones y aspectos de la cotidianeidad.</span></span></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; letter-spacing: .15pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; letter-spacing: .15pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Slavoj Žižek</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">: <i>Incontinencia del vacío</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;"> Enjutas económico-filosóficas</span>. Traducción
de Damià Alou; Anagrama, Barcelona, 2023. 415 pgs.</span></span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">*
Publicado en EL CULTURAL: - Edición impresa, 23 de junio, pg. 25. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">*
Edición <i style="mso-bidi-font-style: normal;">online</i>,</span> <a href="https://www.elespanol.com/el-cultural/letras/20230708/incontinencia-vacio-slavoj-zizek-frente-espejo/776672393_0.html">https://www.elespanol.com/el-cultural/letras/20230708/incontinencia-vacio-slavoj-zizek-frente-espejo/776672393_0.html</a>
<span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p></o:p></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-33389970217263220652023-07-01T10:49:00.000-07:002023-07-01T10:49:23.776-07:00Exposición en el Museo del Prado, Madrid<p style="text-align: center;"> <a name="_MailAutoSig" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 19.0pt; line-height: 150%;">Picasso y El Greco: Reflejos y contrastes</span></b></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">A
veces la concisión es más intensa y directa que las versiones amplias y
extendidas de los argumentos. En este caso, estamos ante una exposición
verdaderamente profunda y reveladora que nos permite apreciar la importancia
del diálogo estético de Picasso con El Greco en el despliegue del cubismo analítico.
<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Hace
ya tiempo que se ha señalado la importancia de El Greco para el desarrollo del
llamado “Periodo azul” de Picasso. Pero lo que se plantea ahora en esta
exposición va más allá, intentando poner de manifiesto la importancia de El
Greco en el desarrollo del cubismo analítico, y situando a Picasso como eje o
inventor de este movimiento. Argumentando a la vez la importancia del pintor
cretense a lo largo de toda la obra creativa del artista malagueño.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLAHHTYwGSiMY_jYkIJi6XJTbG6VYde2ofWQuOaYL_Ob-kLvuvEUOL_20tKcL7xZeY0xhzJ3DbMyELA_rN_leR6TLrf7sEvEO02LNqrCk0erqfHxKwkXHBk_TtAqCKLDxFPk1YPyt_TItK0qHP-2TkZ3TVar_BESYt-byGPPUHyYPur994sQAerWGHU8Q/s5120/1.%20San%20Bartolom%C3%A9,%20Greco.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="5120" data-original-width="4054" height="609" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLAHHTYwGSiMY_jYkIJi6XJTbG6VYde2ofWQuOaYL_Ob-kLvuvEUOL_20tKcL7xZeY0xhzJ3DbMyELA_rN_leR6TLrf7sEvEO02LNqrCk0erqfHxKwkXHBk_TtAqCKLDxFPk1YPyt_TItK0qHP-2TkZ3TVar_BESYt-byGPPUHyYPur994sQAerWGHU8Q/w481-h609/1.%20San%20Bartolom%C3%A9,%20Greco.jpg" width="481" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El Greco: <i>San Bartolomé</i> (1610-14). Ól. s. lienzo, 100,4 x 80,4 cm. Museo del Greco, Toledo.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Se
trata de una nueva pieza en un proceso desarrollado por Francisco Calvo
Serraller y Carmen Giménez, que parece que tuvo su inicio hace unos ocho años.
Hace ahora un año que se presentó en el Kunstmuseum de Basilea con el título
«Picasso El Greco» una muestra, que por el fallecimiento de Francisco Calvo
Serraller fue ya comisariada sólo por Carmen Giménez, en la que se reunieron 80
pinturas en contraste, en las que se podía apreciar el diálogo entre ambos
artistas.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Lo
que podemos ver ahora en el Museo del Prado, concebido como un homenaje a la
memoria de Francisco Calvo Serraller, nos lleva a ese mismo argumento, con una
presentación más sintética. Todo está reunido en un único espacio, en la Sala
9B del Edificio Villanueva del Museo. Al entrar en ella, en la pared de gran
altura que queda a nuestras espaldas se presentan cuatro pinturas de gran
formato de El Greco pertenecientes a la colección del Prado: <i>El Bautismo de
Cristo</i> (1597-1600), <i>La Crucifixión</i> (1597-1600), <i>La Resurrección
de Cristo</i> (1597-1600) y <i>Pentecostés</i> (h. 1600).<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjajjODW8WOITzqeU5PdJaFUfwUIM0aiKQCIgGGgJO10dn2HWMKzVEM7gKkGX7GFYFrsDr34wqi37n8melBlY5bIg7Pbwn9u1T_BuJoaNU5VHX0nVLUTTZm7lrtNA93JFCGL5LH12pT7oPgI4NhtuccUkHmqntkrsP1SSPwFYX_2-p0jRkKQsZn-aqdPEQ/s3543/2.%20Acordeonista,%20Picasso.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3543" data-original-width="2444" height="714" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjajjODW8WOITzqeU5PdJaFUfwUIM0aiKQCIgGGgJO10dn2HWMKzVEM7gKkGX7GFYFrsDr34wqi37n8melBlY5bIg7Pbwn9u1T_BuJoaNU5VHX0nVLUTTZm7lrtNA93JFCGL5LH12pT7oPgI4NhtuccUkHmqntkrsP1SSPwFYX_2-p0jRkKQsZn-aqdPEQ/w493-h714/2.%20Acordeonista,%20Picasso.jpg" width="493" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"> Pablo Picasso: <i>Acordeonista</i> (verano 1911), Ól. s. lienzo, 130 x 89,5 cm. Guggenheim Museum, Nueva York. </div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">A
continuación entramos en un juego de contrastes, la comparación entre obras de
El Greco y de Picasso, todas ellas de medio formato y colocadas juntas, que así
permiten apreciar los ecos y diferencias entre ambos artistas. En la pared que
al entrar queda a la izquierda vemos <i>San Pablo</i> (h. 1585) y <i>El
aficionado</i> (1912). Y en el muro de enfrente: <i>San Simón</i> (1610-14), <i>Tocador
de mandolina</i> (1911), <i>San Bartolomé</i> (1610-14), <i>Acordeonista</i>
(1911), <i>San Juan Evangelista</i> (1610-14), <i>Hombre con clarinete</i>
(1911-12). En el caso de El Greco, retratos de apóstoles, en el de Picasso
pinturas cubistas.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Aparte
de las obras de gran formato de El Greco, cuatro obras de él y otras cuatro de
Picasso, quien parece que apreciaba de un modo especial los retratos del pintor
cretense, y todas ellas procedentes de ubicaciones diversas y reunidas en esta
ocasión en el Prado. Como complemento está también una vitrina con un conjunto
de documentos que acreditan la relación de Picasso con el Museo.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTpZTBuMPeXD5NqZzign2PysJ0g8K8PQf22vQezsSbcraKNNlion5sw3PNJppTVCcND9pboXU_083o9YgROOGaALXOXZEoO2iKurdFpyDt5Sk2KvCyYejicW4rzC7NudpLhBWQC_smsbyVT-sjiN_-MoVj9yFBIUXp_lQYcvZZQRFMdWSXLYLUj4-e1xQ/s4449/3.%20San%20Juan%20evangelista,%20Greco.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4449" data-original-width="3532" height="584" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTpZTBuMPeXD5NqZzign2PysJ0g8K8PQf22vQezsSbcraKNNlion5sw3PNJppTVCcND9pboXU_083o9YgROOGaALXOXZEoO2iKurdFpyDt5Sk2KvCyYejicW4rzC7NudpLhBWQC_smsbyVT-sjiN_-MoVj9yFBIUXp_lQYcvZZQRFMdWSXLYLUj4-e1xQ/w464-h584/3.%20San%20Juan%20evangelista,%20Greco.jpg" width="464" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El Greco: <i>San Juan Evangelista</i> (1610-14). Ól. s. lienzo, 100,5 x 80,4 cm. Museo del Greco, Toledo.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">A
lo largo de su trayectoria Picasso siempre mantuvo un diálogo intenso con los
maestros o referentes del arte del pasado. Con apenas 17 años, estudiando en
Madrid en la Escuela de Bellas Artes, el Museo del Prado se convirtió para él
en un lugar de visita continua, donde dibujaba y copiaba las obras expuestas.
En la vitrina de documentos aparece en «El libro de copistas», 1897, la
inscripción Ruiz Pablo 677. En un dibujo de 1898-1899, Picasso escribió:
“Greco, Velázquez inspirarme”. Y en otro dibujo de 1899 anotó: “Yo El Greco”.
El Greco y Velázquez como referentes centrales de Picasso.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">En
todo caso, el diálogo con las obras y artistas del pasado fue en todo momento mucho
más amplio, variado, y muy intenso, como pudo apreciarse en la exposición “Picasso
y los Maestros”, que se presentó en París entre octubre de 2008 y febrero de
2009. </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">La lista de los 27 maestros, antiguos y
modernos, <span style="mso-bidi-font-style: italic;">convocados en ella a la
reunión</span> con Picasso es sumamente expresiva e impresionante: Lucas
Cranach, Tiziano, El Greco, Dubois, Ribera, Poussin, Velázquez, Zurbarán, Le
Nain, Rembrandt, Mazo, Murillo, Meléndez, Chardin, Goya, Ingres, Delacroix,
Courbet, Puvis de Chavannes, Manet, Degas, Cézanne, Renoir, Rousseau, Gauguin,
Van Gogh y Toulouse-Lautrec. Y Picasso entre todos ellos. </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5nv-BPwYJIA5vQVnwh5Ug_4R8Z8xTaRtHuKJO293IwRynFw37n9P5obnwlx46nJHbgY-43iLRSo-EKSLg19o1eapZcjwBKZ0NZRYWHrQJiJSSbeuuDLYkwuK6vZgK0FevA-fKOD_6jIP2sGX4ie4HX08THjCiyhH7uYpD4165G2JYD9i-G_La0ksZbOw/s7217/4.%20Hombre%20con%20clarinete,%20Picasso.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="7217" data-original-width="4725" height="741" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5nv-BPwYJIA5vQVnwh5Ug_4R8Z8xTaRtHuKJO293IwRynFw37n9P5obnwlx46nJHbgY-43iLRSo-EKSLg19o1eapZcjwBKZ0NZRYWHrQJiJSSbeuuDLYkwuK6vZgK0FevA-fKOD_6jIP2sGX4ie4HX08THjCiyhH7uYpD4165G2JYD9i-G_La0ksZbOw/w486-h741/4.%20Hombre%20con%20clarinete,%20Picasso.jpg" width="486" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"> Pablo Picasso: <i>Hombre con clarinete</i> (1911-12), Ól. s. lienzo, 106 x 69 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">En
todo caso, ciertamente, el diálogo central de Picasso con El Greco y Velázquez,
que tuvo su inicio en 1897, se mantuvo firme hasta el final, como puede apreciarse
en las firmas El Greco, Rembrandt y Velázquez que incluyó al dorso de su cuadro
<i>El mosquetero</i>, pintado en Mougins en 1967.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><a name="_Hlk119065695"><span style="font-family: "Georgia",serif;">La relación con
los referentes artísticos del pasado nos muestra hasta qué punto carece de
fundamento uno de los tópicos más absurdos y repetidos sobre Picasso: su
supuesto carácter intuitivo, impulsivo, primario… Picasso era un intelectual
vitalista, un hombre de una agilidad conceptual vertiginosa, capaz de asimilar
para su propia obra todo lo que le rodeaba. Y de un modo especial, Picasso
poseía un conocimiento exhaustivo de la historia del arte en todas sus facetas
y etapas y, muy en particular, de la historia de la pintura, atesorada en su
mente, en su memoria, y con la que no cesó de dialogar a lo largo de toda su
trayectoria. Picasso era <i style="mso-bidi-font-style: normal;">un ojo
enciclopédico</i>, su mirada fue capaz de proyectarse en el conocimiento
profundo de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">toda la pintura</i>, no a la
manera de un erudito académico, sino para <i style="mso-bidi-font-style: normal;">recrearla
</i>en su propia obra, para <i style="mso-bidi-font-style: normal;">innovar</i>.<o:p></o:p></span></a></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><a name="_Hlk119065695"></a></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJofCPiy4pwWyExxHN4O4q6kEzMRp4NfTqKnhlKpICAXYLHRpJUXa_Jmj_Jv5ZOMtfX9VrmAV9rfhasAqJ1xsQy42GUmcwP1OX1BFKP-Uar7K-r-zA16hLLT5vsrekv8Y2756cuw_nk5-RM82wk6IGML5983oS24dQnyEZHtdf0Anz35DBfQ0P6gji5KY/s8000/5.%20San%20Pablo,%20Greco.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="8000" data-original-width="6096" height="637" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJofCPiy4pwWyExxHN4O4q6kEzMRp4NfTqKnhlKpICAXYLHRpJUXa_Jmj_Jv5ZOMtfX9VrmAV9rfhasAqJ1xsQy42GUmcwP1OX1BFKP-Uar7K-r-zA16hLLT5vsrekv8Y2756cuw_nk5-RM82wk6IGML5983oS24dQnyEZHtdf0Anz35DBfQ0P6gji5KY/w486-h637/5.%20San%20Pablo,%20Greco.jpg" width="486" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">El Greco: <i>San Pablo</i> (h. 1585). Ól. s. lienzo, 118 x 91 cm. Colección particular, Madrid.</div><span style="font-family: "Georgia",serif;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk119065695;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Picasso buscaba en todo momento situarse
en un plano artístico de individualidad diferenciada. En 1964, Picasso afirmó: </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk119065695;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">“Cuando pinto, trato siempre de dar una
imagen que la gente no se espere y que sea lo bastante abrumadora para ser
inaceptable. Eso es lo que me interesa.” Estas palabras, recogidas por
Françoise Gilot una de sus mujeres en su libro de recuerdos: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Vivir con Picasso</i>, sitúan bastante bien
la dinámica interior de su trayectoria artística. <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk119065695;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Picasso
no quería ser asimilado con un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">estilo</i>
o una <i style="mso-bidi-font-style: normal;">escuela</i>, buscaba en todo
momento la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">innovación</i>, lo inesperado.
Son tantos los tópicos que se han ido acumulando sobre su figura, entre la
reverencia beata y la banalidad, que podría decirse que todavía hoy algunos
aspectos o dimensiones de Picasso siguen siendo desconocidos. Son muchas las
dimensiones relevantes de su obra y de su personalidad que quedan por analizar
e interpretar. <o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk119065695;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGF5YYYiusm-Uptl4fxe9W8L5dmgOsBcEr1TsMFHHLs4GHXybC2i3jthUt_Yu-ubkJ_yaqV9Mti_uJ7ujX80uoqz7dQWPrd4XYztYLZ7cpGUAjVXx6w1bVqtEGgIE5xaAGGjYWCa1dX0x4Z92qnNo55CfW71DFBoO8_HbgZg1X5-TYR5hbsLL7EV3MXyg/s7140/6.%20Aficionado,%20Picasso.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="7140" data-original-width="4321" height="797" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGF5YYYiusm-Uptl4fxe9W8L5dmgOsBcEr1TsMFHHLs4GHXybC2i3jthUt_Yu-ubkJ_yaqV9Mti_uJ7ujX80uoqz7dQWPrd4XYztYLZ7cpGUAjVXx6w1bVqtEGgIE5xaAGGjYWCa1dX0x4Z92qnNo55CfW71DFBoO8_HbgZg1X5-TYR5hbsLL7EV3MXyg/w483-h797/6.%20Aficionado,%20Picasso.jpg" width="483" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"> Pablo Picasso: <i>El aficionado</i> (1912), Ól. s. lienzo, 134,8 x 81,5 cm. Kunstmuseum, Basilea.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk119065695;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Esta muestra excelente sobre Picasso, El
Greco y el cubismo analítico nos sitúa en esa dirección. Como señala Carmen
Giménez en el catálogo, la proximidad entre Picasso y El Greco tiene su eje
central, en una cuestión concreta: “Su singularidad y gran variedad estilística
fueron rasgos que ambos artistas compartieron.” Ahí nos lleva esta sugestiva
exposición: al espejo en el contraste de las obras y actitudes de estos dos
artistas intensamente <i>singulares</i>. El gran arte es, sobre todo,
singularidad.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk119065695;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p> </o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* <i>Picasso,
El Greco y el cubismo analítico</i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><i><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">.</span></i></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> Comisaria:
Carmen Giménez, con la colaboración de Ana Mingot. Museo del Prado, Madrid</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. </span></span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Del
13 de junio al 17 de septiembre.</span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Publicado en EL CULTURAL: <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-right: -.35pt; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">- Edición
impresa, 23 – 29 de junio, pgs. 34-35.<o:p></o:p></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-right: -.35pt; mso-layout-grid-align: none; text-align: left; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">- Edición <i>online</i>: </span><a href="https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230627/apostoles-greco-retratos-cubistas-picasso-cara-museo-prado/773922743_0.html">https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230627/apostoles-greco-retratos-cubistas-picasso-cara-museo-prado/773922743_0.html</a>
<span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p></o:p></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-6813979781366491012023-06-25T05:05:00.002-07:002023-06-25T05:05:23.340-07:00Exposición en la Galería Marlborough, Madrid<p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -49.65pt; margin-right: -42.9pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none; text-align: center; text-indent: 0cm;"><a name="_MailAutoSig"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 150%;">El mestizaje de las artes</span></b></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: GaramondPremrPro; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">Estamos ante una exposición de la Galería
Marlborough que propone hacer eco de sus más de tres décadas de presencia en
Madrid. Y lo hace reuniendo a 24 artistas, cinco veteranos de la Galería: Luis
Gordillo, Juan Navarro Baldeweg, Soledad Sevilla, Alfonso Albacete y Francisco
Leiro, en diálogo con veinte artistas (dos de ellos, fundidos en uno: MP &
MP Rosado, gemelos de nacimiento). Todos ellos, españoles -con la única
excepción del artista danés Rasmus Nilausen- y nacidos entre la década de los treinta
y la de los ochenta del siglo XX. En la propuesta se plantea subrayar la
atención de la Galería al arte español.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center; text-indent: 1cm;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIxmcFQ6uK2doEHMhl8RJZVNjwRQPlWLOt9q7YdZttaXeGwxZ7mM44nHDElj5XC17L_EEdZNXRVX_Uq0aDxexiHnrKKWLmoTTUUFeHgsjsFQKh857zHGmaGG1Ixqx8jQSnNggtsCke8hDidK3EASYNdPKuJST0NdpGEhBuIMrson_6RKQ7BCRM8vdc68c/s1777/1%20Oremus.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1777" data-original-width="1133" height="605" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIxmcFQ6uK2doEHMhl8RJZVNjwRQPlWLOt9q7YdZttaXeGwxZ7mM44nHDElj5XC17L_EEdZNXRVX_Uq0aDxexiHnrKKWLmoTTUUFeHgsjsFQKh857zHGmaGG1Ixqx8jQSnNggtsCke8hDidK3EASYNdPKuJST0NdpGEhBuIMrson_6RKQ7BCRM8vdc68c/w386-h605/1%20Oremus.jpg" width="386" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Luis Gordillo: <i>Oremus </i>(2020). Acrílico sobre lienzo, 282 x 180 cm,</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: GaramondPremrPro; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">Y así, además de los ya mencionados, estos son los
otros 17 artistas presentes: </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-bidi;">Elena Alonso, Victoria Civera, Jorge Diezma,
Juan del Junco, Arancha Goyeneche, Juan López, Cristina Lucas, Nacho Martín
Silva, Guillermo Mora, Juan Muñoz, Pere Llobera, Sara Ramo, Rubén Ramos Balsa,
Julia Santa Olalla, Leonor Serrano Rivas, Teresa Solar y Vicky Uslé</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: GaramondPremrPro; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Como podrá apreciarse, así se nos
sitúa ante un panorama de las últimas décadas del arte español de un indudable
interés. </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: GaramondPremrPro; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: GaramondPremrPro; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">El título: «Encuentros atemporales», hace
referencia al concepto utilizado por el comisario, que apunta a temáticas
convergentes, pero no a dimensiones de fechas. No se pretende “historiar”, ni
establecer pautas de valoración de los artistas. Lo que se busca es mostrar los
diálogos, en líneas muy diversas, entre unos y otros artistas en el curso del
tiempo.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center; text-indent: 1cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNu7ZleSRXwI1UEmZV2hwpPlxqHIiNFPHqTWU4snojjLLd2NOsTd1A4DOiIPkXcmm87q-WTute4Ovmnz3pEOlTKneAC4TWLUoeB42iWDgEx_bQ81w_ZaJFWTT7lAeMAGPT-pOD_v-tcQIWJJZSyiw35_1xFyTGTANQT6kTqzJi4t2LMmW-lcGJKk-eaL8/s3490/2%20Juan%20Mun%CC%83oz,%20Mobiliario%20XVIII,%201996,%20grabado%20a%20la%20manera%20negra,%20160x120.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3490" data-original-width="2724" height="489" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNu7ZleSRXwI1UEmZV2hwpPlxqHIiNFPHqTWU4snojjLLd2NOsTd1A4DOiIPkXcmm87q-WTute4Ovmnz3pEOlTKneAC4TWLUoeB42iWDgEx_bQ81w_ZaJFWTT7lAeMAGPT-pOD_v-tcQIWJJZSyiw35_1xFyTGTANQT6kTqzJi4t2LMmW-lcGJKk-eaL8/w382-h489/2%20Juan%20Mun%CC%83oz,%20Mobiliario%20XVIII,%201996,%20grabado%20a%20la%20manera%20negra,%20160x120.jpg" width="382" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Juan Muñoz: <i>Mobiliario XVIII</i> (1996). Grabado a la manera negra, 160 x120 <span style="text-indent: 37.7953px;">cm.</span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: GaramondPremrPro; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">Con ese planteamiento, la elección de las obras
reunidas se ha centrado en la atención de estas a una variedad de temas: la
imagen, la ciencia, la naturaleza, las ciudades, la abstracción, la figura
(humana y otras), así como el contraste entre la pintura y otros géneros
artísticos. Todo ello da lugar a una gran diversidad de técnicas y soportes:
pintura, dibujo, escultura, collages, fotografía, instalaciones, e instrumentos
eléctricos.</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: ArialMT; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"> <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: ArialMT; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">Aparte de la atención concreta que suscita cada una de las obras
reunidas, pienso que en conjunto lo más destacable es que el contraste y
diálogo entre ellas nos permiten apreciar los cambios dinámicos que las artes
han ido experimentando en nuestro tiempo. En el texto del catálogo, Mariano
Navarro indica explícitamente el eje determinante de la exposición: “Sostengo
como un concepto central que el trabajo artístico es el fruto de una</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: GaramondPremrPro; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"> </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: ArialMT; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">prolongada conversación en el tiempo en la
que participan varios interlocutores: el artista, los</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: GaramondPremrPro; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"> </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: ArialMT; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">artistas que le precedieron en el tiempo,
los que le acompañan en el suyo, y, finalmente, el</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: GaramondPremrPro; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"> </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: ArialMT; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">espectador.”<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center; text-indent: 1cm;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMysT1XMZyxIGb73e_HIYEKrq9wkaqoRftZFbDQvgBF7dXGcQiAGYrWRPduJQeLGpmiJjnM_EGX5-lDfmsCAm6Y22Xe4a16tYCqL3mvL-Ou9qDuDWZXhvzGTDdb1-xrFLcIVfzhVr4-Vrzbx-MNRH8IyEKPsP480q0D2W62EbrDK0VT-HHv0qyBNpCcns/s1047/3%20Cristina%20Lucas%20-.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="786" data-original-width="1047" height="334" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMysT1XMZyxIGb73e_HIYEKrq9wkaqoRftZFbDQvgBF7dXGcQiAGYrWRPduJQeLGpmiJjnM_EGX5-lDfmsCAm6Y22Xe4a16tYCqL3mvL-Ou9qDuDWZXhvzGTDdb1-xrFLcIVfzhVr4-Vrzbx-MNRH8IyEKPsP480q0D2W62EbrDK0VT-HHv0qyBNpCcns/w445-h334/3%20Cristina%20Lucas%20-.jpg" width="445" /></a></div>Cristina Lucas: <i>Girando en el austero ballet de las estrellas fondo amarillo Peter Sloterdijk </i>(<span style="text-indent: 1cm;">2023). Pigmentos, rocas y elementos, 180 x 220cm.</span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: ArialMT; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">Lo que en las últimas décadas se ha ido viviendo en el curso de las
artes tiene que ver con un proceso de avance de la </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-weight: bold;">intercomunicación
circular, de apropiación y distinción</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">, respecto a la inmediatez estética, a la
mera utilización práctica o comunicativa de la imagen. Con ello, las artes han
ido trascendiendo los límites semióticos, abriendo su inserción en <span style="mso-bidi-font-weight: bold;">un continuo global de la representación</span>,
de la imagen, del cual en un sentido forman parte, a través de un proceso de
mestizaje, de hibridación. <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Esto
no significa, como a veces superficialmente se afirma, que el dibujo, la
pintura, o la escultura, hayan “desaparecido”, ya que en el terreno de la
representación visual son formas radicales de expresión, similares a lo que es
la poesía en el universo del lenguaje. Por tanto, <span style="mso-bidi-font-weight: bold;">no pueden desaparecer nunca</span>, siempre que hablemos de humanidad,
incluso en su fusión con los diversos soportes técnicos. Lo que sí sucede es
que su contexto, sus criterios de validez, y los espacios que ocupan en el
universo de las artes se ven alterados profunda y radicalmente.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center; text-indent: 1cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgm2pnMp9HrFtSf5VNkTu_bjNJYssgua96V8W1L7zapZ_MPuwCCKw9AGC3jtnq7HNGS1WDlcmZr2RVTS6UhG7jLodCg23SdB0bIhTVsMHuFLqfF9vp9OlRmTkE8U0cW9ijcObkAD38YDGFTZ_iDO9_BtCDLRZ6RbbAlCp3BLnqkkeKWs3qevVHB1kJV9JA/s2007/4%20MP&MP%20Rosado,%20Segundo%20cuerpo,%202023,%20Arcilla%20cocida%20y%20pigmentos,%20165x70x70cm.tif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1873" data-original-width="2007" height="444" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgm2pnMp9HrFtSf5VNkTu_bjNJYssgua96V8W1L7zapZ_MPuwCCKw9AGC3jtnq7HNGS1WDlcmZr2RVTS6UhG7jLodCg23SdB0bIhTVsMHuFLqfF9vp9OlRmTkE8U0cW9ijcObkAD38YDGFTZ_iDO9_BtCDLRZ6RbbAlCp3BLnqkkeKWs3qevVHB1kJV9JA/w475-h444/4%20MP&MP%20Rosado,%20Segundo%20cuerpo,%202023,%20Arcilla%20cocida%20y%20pigmentos,%20165x70x70cm.tif" width="475" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">MP&MP Rosado: <i>Segundo cuerpo</i> (2023). Arcilla cocida y pigmentos, 165 x 70 x 70cm.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">A
la vez que forman parte de ese continuo de la representación, el modo
específico de hacerlo de las distintas artes es el de <i>la <span style="mso-bidi-font-weight: bold;">singularización</span></i>, algo que
apreciamos con intensidad en cada una de las obras de esta exposición. En
nuestro tiempo la obra de arte tiene el sentido principal de una ruptura, de
una diferenciación en la cadena indistinta de signos que constituye el universo
cultural de las sociedades de masas. Frente a la globalización comunicativa, <span style="mso-bidi-font-weight: bold;">el arte aísla, corta, detiene, ralentiza,
acelera, invierte y subvierte.</span> En definitiva: <i><span style="mso-bidi-font-weight: bold;">diferencia la imagen</span></i>.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center; text-indent: 1cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMBzp88vQ_z98yBGYqcKIOc6blsmJNaUrcITfH3GuQ5l1R002endl_qWd13H4uveLCWzXpTSsYKyCF-AJwif9LTwVhje0Hr-XAQWxwj0eqgYG_lpOioM29A54CVtgEgc_ebWCQ743EUn8aoxpzX0XKrof354sWWhF8CRCLrGxIdAE6mUY9UyjMgIdHIL8/s6819/5%20Guillermo%20Mora%20-%20Cortesi%CC%81a%20del%20artista%20y%20de%20Galeri%CC%81a%20Moise%CC%81s%20Pe%CC%81rez%20de%20Albe%CC%81niz.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="6819" data-original-width="4546" height="635" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMBzp88vQ_z98yBGYqcKIOc6blsmJNaUrcITfH3GuQ5l1R002endl_qWd13H4uveLCWzXpTSsYKyCF-AJwif9LTwVhje0Hr-XAQWxwj0eqgYG_lpOioM29A54CVtgEgc_ebWCQ743EUn8aoxpzX0XKrof354sWWhF8CRCLrGxIdAE6mUY9UyjMgIdHIL8/w423-h635/5%20Guillermo%20Mora%20-%20Cortesi%CC%81a%20del%20artista%20y%20de%20Galeri%CC%81a%20Moise%CC%81s%20Pe%CC%81rez%20de%20Albe%CC%81niz.jpg" width="423" /></a></div>Guillermo Mora: <i>Una semana de estudio</i> (2022. Papel, acrílico, grapas y DM, 204 x 147 x 21 cm. <span style="font-family: "Georgia",serif;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: ArialMT; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">Y todo ello es lo que esta sugestiva muestra nos permite apreciar al
poner ante nuestros ojos el diálogo de los artistas entre sí y con los
públicos, en el curso del tiempo: la separación determinista de los géneros y
soportes artísticos ha dejado de tener consistencia desde hace ya décadas. El
arte de nuestro tiempo tiene como impulso central el mestizaje de las formas y
soportes, tanto visuales como verbales y sonoros. Ese es el horizonte actual de
las artes, abierto y pleno de dinamismo.</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: GaramondPremrPro; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p> </o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* <i>Encuentros Atemporales</i>.
Comisario: Mariano Navarro.</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">
Galería Marlborough, Madrid</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Del 1 de junio al 22 de julio.</span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Publicado en EL
CULTURAL: <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-right: -.35pt; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">- Edición impresa, 16
– 22 de junio, pgs. 38-39. <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-right: -.35pt; mso-layout-grid-align: none; text-align: left; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">- Edición <i>online</i>: </span></span></span><span style="font-family: Georgia, serif;">https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230624/veinticuatro-creadores-veinticuatro-disparos-horizonte-mestizo-espanol/770922903_0.html</span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></span></span></p>
<span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-65918677338748636252023-06-04T05:10:00.000-07:002023-06-04T05:10:56.969-07:00Jorge Macchi en Madrid...<p style="text-align: center;"> <a name="_MailAutoSig" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 150%;">Jorge Macchi: La interrogación de la mirada</span></b></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><a name="_Hlk122869485"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Esta sugestiva exposición nos lleva ante las obras de uno de
los artistas actuales argentinos más consistente y de mayor relevancia
internacional: Jorge Macchi (Buenos Aires, 1963), de quien ya se pudo ver una
amplia retrospectiva en el CA2M de Móstoles en 2017. En esta ocasión, en
diálogo con las tres salas de la Galería, se presentan ocho obras, algunas de
ellas instalaciones de gran formato.<o:p></o:p></span></a></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><a name="_Hlk122869485"></a></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUMr-MVEZPjmU5O4K-uuztZltLvz_o8qMrg5ikwtpsh9d3BRCHs9OKVZ1_Pfk0bVwIwyM7K2ih4jWljzbURPD5RW1x-IRjVwN3ZNRsL7W10mr7Yly3QxbK42SQ4msNinOgaEUYUBhyxvaz1QUjA9eqMrrXp8JtY8IV_6_RQ54tMYt01rbdL3Ur5E5K/s2500/2.%20Las%20Islas%20V%C3%ADrgenes%20(2023)..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2246" data-original-width="2500" height="439" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUMr-MVEZPjmU5O4K-uuztZltLvz_o8qMrg5ikwtpsh9d3BRCHs9OKVZ1_Pfk0bVwIwyM7K2ih4jWljzbURPD5RW1x-IRjVwN3ZNRsL7W10mr7Yly3QxbK42SQ4msNinOgaEUYUBhyxvaz1QUjA9eqMrrXp8JtY8IV_6_RQ54tMYt01rbdL3Ur5E5K/w489-h439/2.%20Las%20Islas%20V%C3%ADrgenes%20(2023)..jpg" width="489" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Las islas vírgenes</i> (2023). Litografía, 53 x 59 cm.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">El título de la muestra: «Las Islas
Vírgenes» (2023), es el eco de una litografía en la que vemos un mapa del
archipiélago, en el que las figuras de las islas están sustituidas por las
palabras que designan los lugares. Este procedimiento: la sustitución de las
formas de representación por palabras nos da una de las claves más profundas de
la línea de trabajo de Macchi, para quien la verdadera visión sólo puede surgir
de una interrogación profunda de lo que creemos ver, de la mirada espontánea.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">El juego con las palabras y sus
significados es un elemento central de su trayectoria. Como también las
preguntas acerca de cómo percibimos el tiempo y sus criterios de medida. Esta
cuestión aparece aquí en la instalación «3AM» (2023), con la esfera de un reloj
grande inserta en las paredes con lo que sólo podemos tener una visión
fragmentada del tiempo en cada una de las tres salas. Algo que alude a la
diversidad de la medida del tiempo según los lugares geográficos en los que
estamos, y también a la mirada partida por la falta de concentración en la vida
cotidiana.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Verdaderamente impresionante es la
instalación «Diccionario de palabras muertas» (2023), elaborada con las
reproducciones de los rótulos de entrada de un diccionario, de la A a la Z, que
se asemejan a los nichos habituales en los santuarios y que se desplazan de
arriba a abajo en una pared. Con esa ubicación, no podemos acceder a las palabras,
aunque eso sí permanecerían en nuestro recuerdo como los nichos que rememoran a
los fallecidos.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAT_8Ufc-638sEEI0yG8GHc8xyfrarh6Cut_z7MSFbbNoODvliLT8JtfKsJDF8898Cs_D8-bycbKZv-9dy1V069k1ef7Qpp34idJ9SkpIBQ5BQBdSh0KBk5dxiV_6E1JMCA0BEDkOEaWrpa32WbpMYTaWxYS59ExVCInaAZ8IP_r7eFjIJtJTdqBV7/s6000/3.%20El%20se%C3%B1or%20de%20las%20moscas%20(2022)..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="6000" data-original-width="4000" height="674" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAT_8Ufc-638sEEI0yG8GHc8xyfrarh6Cut_z7MSFbbNoODvliLT8JtfKsJDF8898Cs_D8-bycbKZv-9dy1V069k1ef7Qpp34idJ9SkpIBQ5BQBdSh0KBk5dxiV_6E1JMCA0BEDkOEaWrpa32WbpMYTaWxYS59ExVCInaAZ8IP_r7eFjIJtJTdqBV7/w449-h674/3.%20El%20se%C3%B1or%20de%20las%20moscas%20(2022)..jpg" width="449" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>El señor de las moscas</i> (2022). Alpaca, soldadura de plata y malla de mosquitero, 20 x 26 x 21 cm.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">El juego y contraste de las dimensiones,
entre lo grande y lo pequeño, también se sitúa ante nuestros ojos, en este caso
con «El señor de las moscas» (2022), una estructura de pequeño formato inserta
en la parte superior de la pared que reproduce en una escala 1:10 el tipo de
vallas utilizadas en los controles policiales. El título, que reproduce el de
la novela de Wiiliam Golding publicada en 1954 y que se llevó después al cine
en 1990, juega en este caso con la confrontación de las vallas para detener a
los humanos y los filtros que se usan para impedir la penetración de los
insectos, pues en la pieza la valla está hecha con una malla de mosquitero. <o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUJRBlBhGeHnrWoKZhFzokv4NLDsAK0J6G2rQd7Qb3t1sYAiS3quEPROeMcvdUrsvRPQ06kBnzandM0w5Qv7H2SLhq3hYjSIjGvls1psqJwrf_ye0ufO8wqZR9pXLKozoWya_faMo0vhILqxSiAP7kKuFpCbwUGv0lb6QMpBAf9JjYiKg-1GD-M_uz/s1853/4.%20Scarface%20(2022)..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1853" data-original-width="1477" height="545" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUJRBlBhGeHnrWoKZhFzokv4NLDsAK0J6G2rQd7Qb3t1sYAiS3quEPROeMcvdUrsvRPQ06kBnzandM0w5Qv7H2SLhq3hYjSIjGvls1psqJwrf_ye0ufO8wqZR9pXLKozoWya_faMo0vhILqxSiAP7kKuFpCbwUGv0lb6QMpBAf9JjYiKg-1GD-M_uz/w435-h545/4.%20Scarface%20(2022)..jpg" width="435" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Scarface</i> (2022). Impresión, 32 x 25 cm.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Otra gran instalación, con el título
«Scarface» [«Cara cortada»] (2022), nos muestra doce retratos en color de
rostros alineados en la pared. Los retratos son recortes de reproducciones
gráficas de imágenes en medios de comunicación, y con el título “cara cortada”
se alude al carácter fragmentario y distorsionado de lo que vamos viendo con rapidez
y falta de atención.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Hay también otra instalación: «Debajo de
la alfombra» (2023), un cuadrado de gran formato cubierto con alfombras pero
que se presenta invertido apoyado sobre una columna, lo que nos permite ver el
suelo que habitualmente cubren las alfombras. Y una intervención con letras,
con los nombres de los océanos: Pacífico/Atlántico, en el ángulo de unión de
dos paredes de la sala, alude con su nombre: «El último continente» (2023),
según palabras del propio Macchi, a “</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">un continente que permanece invisible y que
está más allá de un pliegue del espacio, más allá del continente que es el
espacio de la galería.”</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"> <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"></span></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSNkGURa3P4oCywNOo2h5ORP2T1fKT7oXsrnak4qTkjs6dQdxlLwzAqQwFZX31pJrGVRLhiaW31F7hHgKd-p0Xy0_4tanyXyrxPm_R4D2RTZM2Nr1HtZaqlE6rvaDD-PiiOI5MJ3jgsVwza95D6Hx5fyoRk3UTzTErnN53U4eISEyBdMkpHLaPkirO/s6000/1.%20La%20primera%20obra%20que%20vemos%20'Las%20m%C3%A1scaras%20de%20la%20tragedia'%20(2022),%20antes%20de%20entrar%20en%20la%20sala..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="6000" data-original-width="4000" height="694" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSNkGURa3P4oCywNOo2h5ORP2T1fKT7oXsrnak4qTkjs6dQdxlLwzAqQwFZX31pJrGVRLhiaW31F7hHgKd-p0Xy0_4tanyXyrxPm_R4D2RTZM2Nr1HtZaqlE6rvaDD-PiiOI5MJ3jgsVwza95D6Hx5fyoRk3UTzTErnN53U4eISEyBdMkpHLaPkirO/w461-h694/1.%20La%20primera%20obra%20que%20vemos%20'Las%20m%C3%A1scaras%20de%20la%20tragedia'%20(2022),%20antes%20de%20entrar%20en%20la%20sala..jpg" width="461" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Lo que vemos antes de entrar en las salas...</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqrEZ22f0LrWzQKQToRBPPULjrXwOku32fucGZpOQCDOwcdhKdD-avNzSm_L1SkkyJELBPJsrU4hugqyul2S3DlAeZKjgOOswyf8GGNraPWxm1mdZl72ih55egEmQDYCPk5uaXeHtNc65mUkkZaPve95ysN_DoQpuxDzClxWr3F1RkdBQxrekEQN9M/s6000/5.%20Las%20m%C3%A1scaras%20de%20la%20tragedia%20(2022)..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4000" data-original-width="6000" height="308" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqrEZ22f0LrWzQKQToRBPPULjrXwOku32fucGZpOQCDOwcdhKdD-avNzSm_L1SkkyJELBPJsrU4hugqyul2S3DlAeZKjgOOswyf8GGNraPWxm1mdZl72ih55egEmQDYCPk5uaXeHtNc65mUkkZaPve95ysN_DoQpuxDzClxWr3F1RkdBQxrekEQN9M/w463-h308/5.%20Las%20m%C3%A1scaras%20de%20la%20tragedia%20(2022)..jpg" width="463" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Las máscaras de la tragedia</i> (2022). Cerámica esmaltada, 24 x 31 x 8 cm. c/u.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Después del recorrido, al salir volvemos
a encontrar la pieza situada en la entrada: «Las máscaras de la tragedia»
(2022). Se trata de dos piezas de cerámica esmaltada que son imágenes de los
enchufes habituales, pero que al agrandar su formato y buscar en ellos una
representación esquemática de los rostros humanos nos hablan como si fueran
espejos de tristeza y de cuestionamiento. Ahí nos lleva Jorge Macchi: al juego
con la visualización de las formas y su inserción en los espacios, a la
interrogación profunda acerca de lo que miramos.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p> </o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Jorge Macchi: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Las Islas Vírgenes</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">.</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> Galería Elvira González, Madrid</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">.
Del 11 de mayo al 15 de julio.</span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><br /></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Publicado en EL
CULTURAL: <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-right: -.35pt; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">- Edición impresa, 19
– 25 de mayo, pgs. 36-37. <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-right: -.35pt; mso-layout-grid-align: none; text-align: left; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">- Edición <i>online</i>: https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230528/sugestion-despiste-juegos-visuales-artista-jorge-macchi/765673427_0.html</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p></o:p></span></span></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-83952988158317088792023-05-30T05:03:00.002-07:002023-05-30T05:03:32.386-07:00vuelve Jean-Michel Basquiat...<p style="text-align: center;"> <a name="_Hlk129601701" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 150%;">Basquiat y Warhol en París</span></b></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"> Dos
grandes e intensas exposiciones en París centran la atención pública en la
figura de Jean-Michel Basquiat. En un caso, en la Fondation Louis Vuitton,
estamos ante una síntesis muy bien concebida y planteada de la relación de
Basquiat con Andy Warhol, que los llevaría a trabajar juntos entre 1984 y 1985.
En el otro, en el centro institucional y sala de conciertos Philharmonie de
París, se traza un estimulante recorrido por el papel central que tuvo la
música en su trayectoria.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsll2t4jY73ZpIjRXNC4n4xgmowhBm460MrsA1K2xcV_7Js1AjcYUxTRyuYsh-q3RzR3JUo0wPGQS4mpaRAWlSJbjA38nXRh-ij8EhLNmx-OtTIOY85HjM0EvEbY_pXevAzGxae4G9kd3U_Sqx8k0dzHxVDpECaSfhPmtGEpkTcYcIXF9_2mi8PGnf/s2500/6.99,%201985.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1842" data-original-width="2500" height="359" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsll2t4jY73ZpIjRXNC4n4xgmowhBm460MrsA1K2xcV_7Js1AjcYUxTRyuYsh-q3RzR3JUo0wPGQS4mpaRAWlSJbjA38nXRh-ij8EhLNmx-OtTIOY85HjM0EvEbY_pXevAzGxae4G9kd3U_Sqx8k0dzHxVDpECaSfhPmtGEpkTcYcIXF9_2mi8PGnf/w487-h359/6.99,%201985.jpg" width="487" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Jean Michel Basquiat, Andy Warhol: <i>6.99</i> (1985). Acrílico y cera sobre tela, 297 x 410 cm.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"> Al
comparar a Basquiat con Warhol, un dato inicial llama la atención: Warhol era
mayor que él, pero las fechas de sus fallecimientos resultaron bastante
próximas: Andy Warhol (1928-1987), Jean-Michel Basquiat (1960-1988). <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Instalado
en Nueva York desde 1949, Warhol comenzó desarrollando un valioso e intenso
trabajo en el ámbito del diseño. A partir de 1960, ya como pintor, acabaría
convirtiéndose en una de las figuras centrales del Arte Pop, con un amplio
reconocimiento internacional. Nacido en Nueva York, de madre puertorriqueña y padre
haitiano, Basquiat trabaja desde 1977 en la escritura gráfica y los grafitis
urbanos, y en 1979 comenzó con la pintura.<span style="mso-spacerun: yes;">
</span><o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3TfgbGDPU8KWY2R8w9P_0oGD9z0VHaxlyPHU0qwt4CKwwU3ci8TTqdrcI-k3XthO27qWH_soctQifd6hBjoLQBUdMkMIV1RRpq-Pyx56yAHsowqzz6oDXriGzJEzyONiOAPTqywbVrsbTj35I99bSa9ZnUV6MyLTw1XCvIRlTVyP-meZklN_51x3d/s2500/Aram%20and%20Hammer%20II,%201984-1985.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1508" data-original-width="2500" height="294" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3TfgbGDPU8KWY2R8w9P_0oGD9z0VHaxlyPHU0qwt4CKwwU3ci8TTqdrcI-k3XthO27qWH_soctQifd6hBjoLQBUdMkMIV1RRpq-Pyx56yAHsowqzz6oDXriGzJEzyONiOAPTqywbVrsbTj35I99bSa9ZnUV6MyLTw1XCvIRlTVyP-meZklN_51x3d/w489-h294/Aram%20and%20Hammer%20II,%201984-1985.jpg" width="489" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: "Times New Roman";">Jean Michel Basquiat, Andy Warhol: </span><i style="font-family: "Times New Roman";">Arm & Hammer II</i><span style="font-family: "Times New Roman";"> (1984-1985). Acrílico, tinta serigráfica, y cera sobre tela, 167 x 285 cm.</span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Parece
que Basquiat tuvo en todo momento un gran aprecio por el trabajo artístico de
Warhol. En 1979, al verle en un restaurante del Soho, habla con él y le vende
dos tarjetas postales con collages hechos en colaboración con una amiga. En
1980, en una visita a su Factory (el espacio de trabajo de Warhol), vuelve a
encontrarle y le vende entonces un suéter concebido por él. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Su
relación formal tuvo su inicio el 4 de octubre de 1982, cuando los reunió en la
Factory el galerista de ambos Bruno Bischofberger. Basquiat tenía entonces 22
años, pero su figura había alcanzado ya un eco incluso internacional. Muy
excitado, Basquiat se marcha con rapidez. Pero lo hace para realizar una
pintura, con título en español: <i>Dos cabezas</i>, que le hará llegar a Warhol
dos horas después, quien al recibirla dijo: “Estoy celoso. Es más rápido que
yo.”<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Es
como si el encuentro profundo entre Basquiat y Warhol estuviera escrito. Otro
paso más: en el otoño de 1983, Bischofberger propone un proyecto de
colaboración entre Warhol, Basquiat y el artista italiano Francesco Clemente,
que se había instalado en Nueva York en 1980. Produjeron quince obras que se
presentaron en una muestra en Zúrich en 1984.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhM33cKiJYTMDJaqx4Y0KYSRpJFqTv1hMavBdYmgRc8d_SAe8ekV6ZFnfK6NkmHYGRhVp9R7uEroXumO11pXuJHEqJLLBs3TGSMpbqsoSl1femxYK8dvZaFi5NQf0Xh--B05LBwOnpzKzcwD7wnIAHUuyt2P0y8Fro6T84X5kAtlgwBSnQ7gbn2kAkb/s2500/Collaboration%20No.%2019,%201984-1985.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1332" data-original-width="2500" height="257" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhM33cKiJYTMDJaqx4Y0KYSRpJFqTv1hMavBdYmgRc8d_SAe8ekV6ZFnfK6NkmHYGRhVp9R7uEroXumO11pXuJHEqJLLBs3TGSMpbqsoSl1femxYK8dvZaFi5NQf0Xh--B05LBwOnpzKzcwD7wnIAHUuyt2P0y8Fro6T84X5kAtlgwBSnQ7gbn2kAkb/w485-h257/Collaboration%20No.%2019,%201984-1985.jpg" width="485" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Jean Michel Basquiat, Andy Warhol: <i>Collaboration No. 19</i> (1984-1985). Cera, collage, tinta serigráfica, y pintura sintética sobre tela, 297 x 410 cm.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Fue
entonces cuando, primero a partir de pequeños formatos y luego con obras de
gran tamaño, Warhol y Basquiat comenzaron a trabajar en unidad, produciendo
entre 1984 y 1985 en torno a 160 obras, literalmente “a cuatro manos”. De
ellas, se han reunido unas 100 en la exposición conjunta en París, articulada
en diez secciones, que también incluye un grupo de retratos cruzados, piezas
individuales, instalaciones, e incluso obras de otros artistas activos en aquellos
años en la escena artística neoyorquina. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">El
14 de septiembre de 1985 se presentó en la galería Tony Shafrazi de Nueva York
una exposición de 16 obras: “Warhol / Basquiat: Pinturas”, que produjo poco
aprecio positivo y críticas casi todas negativas. En una nota de prensa se
indicó entonces que Basquiat era “la mascota” de Warhol. Parece que con todo
ello Basquiat se sintió incómodo y a pesar de que su aprecio por Warhol siguió
firme, acabaron dejando el trabajo conjunto.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWqDDIfgQKxkhEi3k-S4rYynLyixJZJadeDJ9u0eGBFBzy51h-JLyfjHXkjRVCavahWIxPlGq-UpJgkrGACdCiBE69ELcFt_nk8EL_iK2XVwEfNuHAh4Ar_1YcRGGtKY_h9vMveabHCeBrhbiT3Li-DrWc1CB2aTPDmusuJSMx1rAK5sJt5CDBjASE/s2500/OP%20OP,%201984-1985.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1733" data-original-width="2500" height="341" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWqDDIfgQKxkhEi3k-S4rYynLyixJZJadeDJ9u0eGBFBzy51h-JLyfjHXkjRVCavahWIxPlGq-UpJgkrGACdCiBE69ELcFt_nk8EL_iK2XVwEfNuHAh4Ar_1YcRGGtKY_h9vMveabHCeBrhbiT3Li-DrWc1CB2aTPDmusuJSMx1rAK5sJt5CDBjASE/w491-h341/OP%20OP,%201984-1985.jpg" width="491" /></a></div> Jean Michel Basquiat, Andy Warhol: <i>OP OP</i> (1984-1985). Acrílico y cera sobre tela, 287 x 417 cm.<span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Ese
final se abre ahora con una perspectiva distinta: el gran significado y alcance
de las obras de este «artista a cuatro manos», que previamente no existía. «</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">Basquiat
x Warhol</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">»:
obras con temáticas muy abiertas, con imágenes que van desde marcas
comerciales, alimentos, retratos mutuos, frigoríficos, coches, árboles… en
síntesis con inscripciones, con palabras que articulan y subvierten los
significados. Lo que está ante nuestros ojos es una inserción profunda en las
características de la sociedad de masas. Y de ahí la cuestión: tenemos que
poder abrir la vida, abrir la vía de los sentidos y de la experiencia más allá
de las imágenes y palabras masivas, ordenancistas y redundantes. En definitiva,
el arte, las artes, abren la vida.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguGG3srgzcNCIS7zvogRIuScB9dxfPmwBu1W5w2Nh4JChnzdFnqP7kPldrRmGosLgBQFmRKB1J6Y91JjNAtM_wVwqgMPZc8P4d1y37F5euEi5UMxQ30CO_TksLow2U1CRO3QKgDkK7yxP3lHlPH4hLnEU2i5vBTqjNdvEMfbbsV208fPJ_fMTzgux4/s400/Self%20Portrait%20(1986)%20Jean-Michel%20Basquiat.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="278" data-original-width="400" height="336" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguGG3srgzcNCIS7zvogRIuScB9dxfPmwBu1W5w2Nh4JChnzdFnqP7kPldrRmGosLgBQFmRKB1J6Y91JjNAtM_wVwqgMPZc8P4d1y37F5euEi5UMxQ30CO_TksLow2U1CRO3QKgDkK7yxP3lHlPH4hLnEU2i5vBTqjNdvEMfbbsV208fPJ_fMTzgux4/w485-h336/Self%20Portrait%20(1986)%20Jean-Michel%20Basquiat.jpg" width="485" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Jean-Michel Basquiat: <i>Self-Portrait</i> (1986). Pintura, 180 x 260,5 cm. Colección MACBA, Barcelona.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">En
paralelo a este viaje profundo, la exposición en la </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Philharmonie
nos lleva directamente al papel central de la música en toda la trayectoria de
Basquiat, quien parece que poseía una colección de más de 3.000 discos de todo
tipo de géneros. Durante el recorrido nos acompaña permanentemente una banda sonora
específica. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Como trasfondo de la trayectoria de Basquiat, que
comenzó a trabajar como músico antes que como pintor, vamos viendo la
emergencia de nuevas formas urbanas de música como la No Wave y el Hip Hop. Lo más
relevante: el jazz es para él la referencia musical central, destacando en todo
momento la importancia, no siempre tenida en cuenta, de los músicos negros.
Podemos así apreciar la síntesis musical que modula las obras artísticas de
Basquiat, desde la vida en las calles: imágenes + palabras + ritmos y sonidos…
Jean-Michel Basquiat, artista referencial en el mundo de hoy.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p> </o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><a name="_Hlk129601726"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Basquiat
x Warhol,</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;"> </span><i style="mso-bidi-font-style: normal;">À Quatre Mains</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;"> [</span><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Basquiat x Warhol,</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;"> </span><i style="mso-bidi-font-style: normal;">A
Cuatro Manos</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">]</span></span></a></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk129601726;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Comisariado general: </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk129601726;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Helvetica; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Suzanne Pagé</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk129601726;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Fondation Louis Vuitton, París</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk129601726;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">.
</span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk129601726;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Hasta
el 28 de agosto.</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Basquiat
Soundtracks</i></span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. [<i>Bandas sonoras de
Basquiat</i>]. Comisariado: </span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Helvetica; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Dieter
Buchhart, Mary-Dailey Desmarais y Vincent Bessières</span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Philharmonie de París</span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">.
Hasta el 30 de julio.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -7.1pt; margin-right: -29.75pt; margin-top: 0cm; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 150%;">* Publicado en
EL CULTURAL: <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -7.1pt; margin-right: -29.75pt; margin-top: 0cm; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 150%;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin: 0cm -29.75pt 0.0001pt -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 150%;">- Edición
impresa, 12 – 18 de mayo, pgs. 38-39.
<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">
</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin: 0cm -29.75pt 0.0001pt -7.1pt; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 150%;">-Edición <i>online</i>: </span>https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230521/ basquiat-warhol-pop-cuadrado/763673717_0.html<span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -1.0cm; margin-right: -29.75pt; margin-top: 0cm; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 7.05pt;"><br /></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-34997017370361681332023-04-23T02:55:00.000-07:002023-04-23T02:55:14.839-07:00PICASSO: PUERTA ABIERTA<p> </p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><a name="_MailAutoSig"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 20.0pt; mso-no-proof: yes;"><v:shapetype coordsize="21600,21600" filled="f" id="_x0000_t75" o:preferrelative="t" o:spt="75" path="m@4@5l@4@11@9@11@9@5xe" stroked="f">
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</o:lock></v:path></v:stroke></v:shapetype><v:shape id="Imagen_x0020_1" o:spid="_x0000_i1025" style="height: 140.25pt; mso-wrap-style: square; visibility: visible; width: 266.25pt;" type="#_x0000_t75">
<v:imagedata o:title="" src="file:///C:/Users/Jose/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image001.emz">
</v:imagedata></v:shape></span></b></a><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 20.0pt;"><o:p></o:p></span></b></span></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 20.0pt;"></span></b></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhdi3vnHNFUb3eqWbyKaJEGTRF-7arKRJQErcNJ5qpczHaP9e0e3ljiS0o0xtAAaW8wSNX7QAAb7M8V-6cTmqUo8I5DcCLBEtCeQnzlsch2PD_Jsi1LGoM6Yua757hw2YhTWDciPzvOUtpPLfNsKXDXS6kS5fm4xEZQlALgfXvkQ9201FHYIylQ4PNR" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="187" data-original-width="355" height="169" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhdi3vnHNFUb3eqWbyKaJEGTRF-7arKRJQErcNJ5qpczHaP9e0e3ljiS0o0xtAAaW8wSNX7QAAb7M8V-6cTmqUo8I5DcCLBEtCeQnzlsch2PD_Jsi1LGoM6Yua757hw2YhTWDciPzvOUtpPLfNsKXDXS6kS5fm4xEZQlALgfXvkQ9201FHYIylQ4PNR" width="320" /></a></b></div><p></p><p align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 20.0pt;">Picasso, artista plural</span></b></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">En
general, siempre me ha resultado insatisfactorio calificar a un artista con un
adjetivo pretendidamente definitorio de su estilo o línea de trabajo: hablando
de Picasso, esa pretensión nos lleva a una especie de reducción al absurdo.
Picasso... ¿<i>rosa</i>, <i>azul</i>, <i>cubista</i>...? ¿Y después...? Picasso
atraviesa, en su frente más avanzado, como un pintor, <i>todas</i> las líneas
de avance e investigación del siglo veinte. E imprime su sello personal también
en el trabajo escultórico. O en el diálogo con los objetos, con la fotografía,
con el cine: con las nuevas formas contemporáneas de expresión. En suma, con la
amplia pluralidad de registros del arte de nuestro tiempo.</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">En los
años anteriores a la Primera Guerra Mundial, Picasso había sido capaz de llevar
hasta su último término la ruptura de la representación <i>ilusionista</i>,
basada en la convención de la perspectiva geométrica, que había servido como
criterio de unidad de las artes plásticas en Europa desde el Renacimiento, con
esa gran obra maestra y decisiva que conocemos como <i>Las señoritas de Aviñón</i>
(1907). Que es no sólo el punto de arranque del Cubismo, sino de <i>la
pluralidad de la representación</i> que a partir de ese momento adquiere carta
de validez en el arte. Aquí está la clave, la síntesis: Picasso<i> plural</i>,
Picasso<i> artista total</i>. Más allá del rótulo limitador de los movimientos
artísticos concretos: viviendo, a través de su arte, <i>en todos</i> los
movimientos artísticos, pero sin ser reducible a ninguno. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">En
1963, el propio Picasso afirmaría: “Yo me muevo incesantemente. Me ves aquí y
pese a todo ya estoy cambiando. Ya estoy en cualquier otro sitio. Jamás me
quedo quieto”. Ese <i>movimiento incesante</i> constituye una de las claves
centrales de toda la trayectoria artística picassiana. Hacia junio de 1914,
realiza más de cien dibujos de una sensibilidad casi <i>surrealista</i>, diez
años antes de que el Surrealismo hiciera su aparición. Poco a poco desborda el
geometrismo cubista, le va dando más importancia a la figuración y, a partir de
su contacto en 1916 con los Ballets Rusos, de Sergei Diaghilev, el contraste
moderno con la Antigüedad Clásica se convierte en su centro de atención hasta
mitad de los años veinte. Se produce, después, su aproximación al Surrealismo,
decisiva por otra parte en sus textos literarios. En la segunda mitad de los
veinte, las preocupaciones constructivas y la relación con Julio González le
llevarán a dar cauce expresivo a la escultura en hierro. En los años treinta se
consolida el <i>subjetivismo expresivo</i>, en diálogo con la ilustración de
temas y motivos de la mitología clásica. Y, de un modo inmediato, también la
confrontación, desde la pintura, con los lenguajes de los medios modernos de
representación y comunicación de masas: la fotografía y el cine, culminada en
esa otra gran obra maestra y decisiva, el <i>Guernica</i> (1937).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">¿Y
después...? La libertad expresiva plena, sin quedarse nunca quieto: la obsesión
del desdoblamiento, el amante-artista de un lado, la amada-objeto del deseo y
de la representación de otro, las variaciones sin fin en torno al motivo del <i>pintor
y la modelo</i>. El juego de espejos con la tradición pictórica, de Velázquez o
Ingres a Manet, entre tantos otros. El recubrimiento, la máscara y el disfraz de
sí mismo, de un artista que, por su fuerza de representación, se equipara en su
capacidad de cambiar de forma, en sus metamorfosis, a los dioses de la
Antigüedad Clásica. La repetición infinita de la imagen de la mujer desnuda, en
todas sus variantes y registros, en la visión ensimismada del viejo mirón. Y,
ya en último término, la muerte <i>desnuda</i>, la muerte <i>cara a cara</i>,
la muerte <i>anticipada</i>, en los dos impresionantes autorretratos de 1972 en
los que el rostro de Picasso se sintetiza en los ojos desmesuradamente abiertos
e inscritos en el cráneo desencarnado.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 14.2pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Este
es, en definitiva, el «mapa» de un artista cuya <i>unidad</i> estilística está
precisamente <i>en el cambio</i>. Porque nadie como él comprendió que el
auténtico valor del arte surge del vaciamiento del artista en la obra. Por eso
pudo decir: “Cada pintura es un frasco con mi sangre. Eso es lo que hay en
ellas”. Por eso su obra sigue viva, abierta, germinativa, irreductible al
tópico, a las fórmulas gastadas.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-indent: 14.2pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Publicado en «</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">PICASSO
PUERTA ABIERTA», <span style="color: black;">EL CULTURAL: <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">- Edición impresa, 31 de marzo – 6 de abril, pg. 25.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">- Edición <i>online</i>: https://www.elespanol.com/el-cultural/opinion/puerta-abierta/20230404/picasso-artista-plural/751804817_13.html<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-indent: 14.2pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><i><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></i></span></p>
<p class="TXT" style="line-height: 150%; text-indent: 14.2pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p> </o:p></span></span></p>
<p class="TXT" style="line-height: 150%; text-indent: 14.2pt;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p> </o:p></span></span></p>
<span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span>
<p align="left" class="MsoNormal" style="line-height: 107%; margin-bottom: 8.0pt; text-align: left; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p> </o:p></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-41781419114474864052023-04-14T10:35:00.002-07:002023-04-14T10:35:31.599-07:00Exposición en el Círculo de Bellas Artes, Madrid<p style="text-align: center;"> <a name="_MailAutoSig" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18pt; line-height: 150%;">Identidades africanas</span></b></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Esta
muestra nos lleva a un viaje insólito, de gran interés: un viaje en el tiempo y
recorriendo diversos espacios humanos. Se centra en las representaciones de la
cabeza en el África Central y Occidental, con cerca de 300 piezas, datadas
desde el siglo VI a. C. hasta finales del siglo XIX y comienzos del XX. Como
complemento, se presentan en diversas vitrinas una importante serie de
documentos y libros que nos ayudan a fijar los contextos de lo que vemos. El
título: </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Metamorfosis del ser</span></i></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;"> es
una excelente síntesis de lo que podemos ver, las diferencias, modificaciones y
cambios en las representaciones</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">
de la humanidad en contextos culturales muy distantes y diferentes del nuestro.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivPGDwcT7mTa8lzRxzetVR6jUuLe_BXer2-eOzVbtSkiDnFkLQwUgl5pQcuNwr19nC9qs0Ewjw_hBWHLFYlKL7oNqWIypXmhsU0HrOM-F9Ti3dhAJSTI6QuaG_ajpWQDQWsIb9C3gGVu8aQvyvsIt27uklchhAHtTx-CJSlYsKxlj6c0xweZxxEQWz/s1080/01%20Torso%20de%20hombre%20con%20los%20brazos%20cruzados.%20Cultura%20nok,%20Nigeria,%20ss.%20V%20a.C-V%20d.C.%20Terracota,%2047,5%20x%2023%20x%2034%20cms..jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="721" height="539" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivPGDwcT7mTa8lzRxzetVR6jUuLe_BXer2-eOzVbtSkiDnFkLQwUgl5pQcuNwr19nC9qs0Ewjw_hBWHLFYlKL7oNqWIypXmhsU0HrOM-F9Ti3dhAJSTI6QuaG_ajpWQDQWsIb9C3gGVu8aQvyvsIt27uklchhAHtTx-CJSlYsKxlj6c0xweZxxEQWz/w360-h539/01%20Torso%20de%20hombre%20con%20los%20brazos%20cruzados.%20Cultura%20nok,%20Nigeria,%20ss.%20V%20a.C-V%20d.C.%20Terracota,%2047,5%20x%2023%20x%2034%20cms..jpg" width="360" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Torso de hombre con los brazos cruzados</i>. Cultura Nok,</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i> </i>Nigeria, ss. V a. C.-V d. C. Terracota, 47,5 x 23 x 34 cms.. </div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Comparten
el comisariado un reconocido antropólogo e historiador del arte belga: </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Helvetica; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">François
Neyt, y el crítico y teórico del arte español Sergio Rubira. Es esta una
cuestión de gran importancia, porque así desde la antropología y la historia se
han podido situar con rigor las funciones y significados de las piezas
seleccionadas, y desde una visión artística actual la presentación se ha articulado
de forma excelente.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Sintetizando
una perspectiva geográfica e histórica, la exposición está organizada en tres
secciones: 1) Nigeria y Camerún, 2) África Occidental, y 3) África Central, con
la amplia diversidad de grupos étnicos que se sitúan en esos ámbitos
geográficos. </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin;">El núcleo de la misma
es la representación de diversas identidades a través de representaciones
sensibles, con figuraciones de cuerpos y máscaras, y dando un especial relieve
a la cabeza. </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">En
su mayor parte, lo que vemos son piezas escultóricas de formato medio o pequeño
elaboradas con una gran diversidad de soportes materiales: terracota, bronce,
madera, piedra y fibras vegetales. <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTnyStJVLta1FQJQthsioerWJzHl2vX-2ln2xu6O8hwZYDDuv5SR2tDfTPQdPpM2G58LwaCaNGahPwcH0Hn1EN-17C7SzdSvncqPXYPYthT7IYIIXvF3Nkt7gf_LXpi-6a1WxuHmrbIQBC6oPhlh93ulskqZa9XrNAww-1r1iP6aOwKO5GR7PStY1K/s1080/02%20Cabeza.%20Cultura%20If%C3%A9,%20Nigeria,%20ss.%20XII-XVI%20d.C.%20Terracota,%2016%20x%2010%20x%2011%20cms..jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="690" height="571" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTnyStJVLta1FQJQthsioerWJzHl2vX-2ln2xu6O8hwZYDDuv5SR2tDfTPQdPpM2G58LwaCaNGahPwcH0Hn1EN-17C7SzdSvncqPXYPYthT7IYIIXvF3Nkt7gf_LXpi-6a1WxuHmrbIQBC6oPhlh93ulskqZa9XrNAww-1r1iP6aOwKO5GR7PStY1K/w364-h571/02%20Cabeza.%20Cultura%20If%C3%A9,%20Nigeria,%20ss.%20XII-XVI%20d.C.%20Terracota,%2016%20x%2010%20x%2011%20cms..jpeg" width="364" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Cabeza</i>. Cultura Ifé, Nigeria, ss. XII-XVI d.C. Terracota, 16 x 10 x 11 cms.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Lo
que fijan esas representaciones son pautas de identidad, diferenciando lo
masculino y lo femenino, así como toda una diversidad de creencias cuyo
significado, inscrito en las piezas, se planteaba y compartía en rituales y actividades
cotidianas. La utilización de máscaras era muy importante, más numerosas las
utilizadas por hombres, pero también por las mujeres, sobre todo en rituales de
iniciación. También podemos ver en algunas piezas cómo se asociaba lo femenino
con la maternidad, y en un caso concreto: el de las “muñecas de fertilidad”, las
llevaban las hembras desde pequeñas hasta que eran madres.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Están
también presentes algunos rasgos de animales, igualmente usados para fijar
identidades y funciones en grupos humanos: los cuernos del antílope, la cabeza
del ave con plumas, o la cabeza de toro. Llaman la atención, por su carácter de
síntesis los pequeños altares, las miniaturas con su carácter transportable, y
una pequeña selección de peines y peinetas que documentan una tradición social
y estética.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-eayr6aWmfBALkDvklxtLmCyQfB73QGTWvClq2zdfSI6MYnZu63Qr3B8bfCOdZQQzNxJuRic-toYZ4jnCnRDkLvsGjlAFQeDs6kVhFDEiA5mHjU7GtEEUW6kqonxFnhlng41709trPRb_1C_dd1mEKoRymoLRNNIj7CXjdb72XSqIZvdYloIYRgB8/s1080/03%20Maternidad%20Djenn%C3%A9%20(Pareja%20abrazada%20en%20posici%C3%B3n%20sentada).%20Cultura%20Djenn%C3%A9,%20Mal%C3%AD,%20ss.%20XII-XVI.%20Terracota,%2022%20x%2022%20x%2011,5%20cms..jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="721" height="558" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-eayr6aWmfBALkDvklxtLmCyQfB73QGTWvClq2zdfSI6MYnZu63Qr3B8bfCOdZQQzNxJuRic-toYZ4jnCnRDkLvsGjlAFQeDs6kVhFDEiA5mHjU7GtEEUW6kqonxFnhlng41709trPRb_1C_dd1mEKoRymoLRNNIj7CXjdb72XSqIZvdYloIYRgB8/w374-h558/03%20Maternidad%20Djenn%C3%A9%20(Pareja%20abrazada%20en%20posici%C3%B3n%20sentada).%20Cultura%20Djenn%C3%A9,%20Mal%C3%AD,%20ss.%20XII-XVI.%20Terracota,%2022%20x%2022%20x%2011,5%20cms..jpeg" width="374" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Maternidad Djenné</i> (Pareja abrazada en posición sentada). Cultura Djenné, </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Malí, ss. XII-XVI. Terracota, 22 x 22 x 11,5 cms.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Y
bien: todo esto que vemos, ¿dónde y cómo se sitúa…? Desde luego, las piezas
reunidas tienen una gran relevancia e intensidad expresiva. Pero ¿se las puede
situar en el arte, hablando de “arte africano”, como es bastante corriente
decir…? En mi opinión, no. Las piezas reunidas en la exposición, con su
carácter y significado específicos, nos llevan a diferentes contextos de
culturas y tradiciones africanas en las que no tenía presencia lo que hoy
llamamos arte.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">El
primer paso que conviene fijar para entrar en profundidad en lo que se sitúa
ante nuestras miradas es que no estamos en lo que a veces se califica sin más
como “arte africano”. Lo que hoy llamamos arte, enlazando el ámbito plural de
las diversas disciplinas artísticas, surgió como un descubrimiento cultural en
la Grecia antigua, cuyo inicio se puede situar en torno a los siglos V-IV a. C.,
cuando se estableció un nexo profundo entre las palabras, los sonidos y las plasmaciones
visuales, expresado con la fórmula «téchne mimetiké» que significaba
literalmente la capacidad o el saber de la representación sensible.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2IAMtQi0Z51ylUJG21um0f7xvhUN1yyzTXH24MiLZWSlu3mkCmV-L7OME754bA03FBDBtJtlFDZELD9f4q1buK2C_1ufJUlisHJhdgBcPbYoPfq-6L0HWYJCV_RVx2zaujsJgu8AuGVU4JTfzyLgvI-im0-p2_virx6Ar1Y0rfOlIBu3_mO405Ro9/s1080/04%20Maternidad.%20Cultura%20Kongo%20Bakongo,%20R.D.%20Congo,%20entre%20mediados%20del%20s.%20XVI%20y%20finales%20del%20s.%20XIX.%20Piedra,%2048%20x%2019%20x%2012%20cms..jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="721" height="565" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2IAMtQi0Z51ylUJG21um0f7xvhUN1yyzTXH24MiLZWSlu3mkCmV-L7OME754bA03FBDBtJtlFDZELD9f4q1buK2C_1ufJUlisHJhdgBcPbYoPfq-6L0HWYJCV_RVx2zaujsJgu8AuGVU4JTfzyLgvI-im0-p2_virx6Ar1Y0rfOlIBu3_mO405Ro9/w378-h565/04%20Maternidad.%20Cultura%20Kongo%20Bakongo,%20R.D.%20Congo,%20entre%20mediados%20del%20s.%20XVI%20y%20finales%20del%20s.%20XIX.%20Piedra,%2048%20x%2019%20x%2012%20cms..jpeg" width="378" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i> Maternidad</i>. Cultura Kongo Bakongo, R.D. Congo, entre mediados del s. XVI y finales del s. XIX. Piedra, 48 x 19 x 12 cms.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Las
traducciones posteriores de mímesis como imitación, a partir del término en
latín, fueron muy reductivas. Porque aquello a lo que nos conduce el concepto
de representación sensible es a un plano distinto del simplemente pragmático o
del teórico que fue también abriendo su camino en ese contexto cultural como
filosofía-ciencia. Lo decisivo es que la representación sensible se consideró
una vía para adquirir conocimiento y placer a través de la elaboración y
trasmisión de las formas en sus distintos planos sensibles y conceptuales. Eso
abrió las vías a lo que hoy seguimos llamando arte, con toda su intensidad y
variedad…<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Obviamente,
aunque las piezas reunidas en esta muestra no sean en su origen y concepción
propiamente obras de arte lo que sí podemos es acercarnos a ellas con nuestra
visión artística, configurada en el curso del tiempo y en contextos culturales
tan distintos a aquellos donde estas piezas fueron producidas. Y la verdad es
que con esa mirada de atención y diálogo lo que brota es el aliento de belleza,
algo determinante en un plano humano más amplio que el del arte, y que en estas
representaciones de <i>identidades africanas</i> tiene un excelente nivel. <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiv2O9KEsU0F6kc1MwgfaA1MRqFiMsj_z8XyZm2QlhTVEvCbPOdSNGk-usG7OrFqmDp_c04HExWFF00M8ceyg4LJkfX0HWOol48rA245i1Cqb9JR6eowg5uroefF2wdPGmKrrFICjoUxqg4Rmu7szm55qU7d94vAl3BzyyRQJkSliQtooBMFa4vQUGs/s1633/05%20Mu%C3%B1ecas%20de%20la%20fertilidad%20Akua%20Ba.%20Cultura%20Ashanti,%20Ghana,%20de%20finales%20del%20s.%20XX%20a%20principios%20del%20XX.%20Madera,%20medidas%20varias..JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1633" height="259" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiv2O9KEsU0F6kc1MwgfaA1MRqFiMsj_z8XyZm2QlhTVEvCbPOdSNGk-usG7OrFqmDp_c04HExWFF00M8ceyg4LJkfX0HWOol48rA245i1Cqb9JR6eowg5uroefF2wdPGmKrrFICjoUxqg4Rmu7szm55qU7d94vAl3BzyyRQJkSliQtooBMFa4vQUGs/w392-h259/05%20Mu%C3%B1ecas%20de%20la%20fertilidad%20Akua%20Ba.%20Cultura%20Ashanti,%20Ghana,%20de%20finales%20del%20s.%20XX%20a%20principios%20del%20XX.%20Madera,%20medidas%20varias..JPG" width="392" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i> Muñecas de la fertilidad Akua Ba</i>. Cultura Ashanti, Ghana, de finales del s. XIX a principios del XX. Madera, medidas varias.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Con
todo ello, con la profunda intensidad de estas variaciones africanas en torno a
las metamorfosis del ser, <a name="_Hlk132389742">lo que se plantea es la necesidad
de la valoración y el cuidado de todas las plasmaciones de la gran diversidad
de tradiciones de representación sensible que es una de las raíces centrales de
la extraordinaria riqueza múltiple del patrimonio cultural de la humanidad.</a>
Excelente exposición, no se la pierdan.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p> </o:p></span></span></p>
<span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Metamorfosis
del ser</i></span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Colección
Sánchez-Ubiría Comisarios: </span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Helvetica; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">François
Neyt y Sergio Rubira</span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">, Círculo de
Bellas Artes, Madrid</span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Del 9 de marzo al 14 de mayo.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">
</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Publicado en EL CULTURAL: -
Edición impresa, 24 – 30 de marzo, pgs. 38-39. Edición <i>online</i>: https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230401/mascaras-viaje-insolito-identidades-africanas/750674942_0.html</span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p></o:p></span></p><br /><p></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-51443013691438481192023-03-12T04:42:00.002-07:002023-03-12T04:44:08.455-07:00Exposición en la Galería Marlborough, Madrid.<p style="text-align: center;"> <a name="_MailAutoSig" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18pt; line-height: 150%;">Luis Gordillo: Los mestizajes de la imagen</span></b></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><a name="_Hlk122869485"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">La nueva exposición de Luis Gordillo es una llamada de
atención, con una intensidad impresionante, sobre la calidad de su trabajo
artístico. A sus 88 años, él dice que quizás sea ésta su última muestra en la
Galería Marlborough, donde expone cada cuatro años. Puede que sea difícil
volver a reunir piezas del tamaño y complejidad de las que vemos ahora, pero su
fuerza y potencia creativas siguen plenamente abiertas…<o:p></o:p></span></a></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Todos los espacios de la galería están
ocupados, eso sí: con un despliegue ordenado y guardando buenas distancias para
permitir la visión sin interferencias de las piezas reunidas. Estamos ante 23
obras, todas ellas con títulos muy sugestivos, de vuelo poético-conceptual: cuadros
de gran formato (entre ellos un díptico, un tríptico, y un políptico), dibujos
de formato medio, y algo muy especial: un panel enorme, de metro y medio por
cinco metros.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-sJur9Fib8xjkqo2Vu2Ji1EB5QqVkzvA-2OhMATUQzBqDQ24clEXAIQqgOgR7-7lMZEwgD2H5xNWcQ_psjuiXfXKk7m0ZXEjWbuPDJerijbw95hTNLOrCsMTkK4fY1NppJM7mHVWq_eaiOIkmt9cit0tnkar_qC7DQdCMWRxIxXyX1wAEBoxZx_pA/s3307/-%20Autobiograf%C3%ADa%20gordillensis%20(2020).%20Mural.%20T%C3%A9cnica%20mixta%20sobre%20panel%20DM,%20150x500%20cm..jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1026" data-original-width="3307" height="153" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-sJur9Fib8xjkqo2Vu2Ji1EB5QqVkzvA-2OhMATUQzBqDQ24clEXAIQqgOgR7-7lMZEwgD2H5xNWcQ_psjuiXfXKk7m0ZXEjWbuPDJerijbw95hTNLOrCsMTkK4fY1NppJM7mHVWq_eaiOIkmt9cit0tnkar_qC7DQdCMWRxIxXyX1wAEBoxZx_pA/w497-h153/-%20Autobiograf%C3%ADa%20gordillensis%20(2020).%20Mural.%20T%C3%A9cnica%20mixta%20sobre%20panel%20DM,%20150x500%20cm..jpg" width="497" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Autobiografía gordillensis</i> (2020). Mural. Técnica mixta sobre panel DM, </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">150 x500 cm.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">El título de esta obra: «Autobiografía
gordillensis» (2020), nos lleva, con un juego lingüístico de expresión en la
deriva al latín del término «gordillensis», a una impresionante síntesis de la
genealogía del trabajo artístico de Gordillo. Sobre el panel se han fijado una
larga serie de imágenes, que van desde formas pictóricas en mezclas abiertas, a
juguetes, reproducciones de pintores clásicos (entre ellos Velázquez, Goya o Rembrandt),
y a diversas fotografías del propio Gordillo intervenidas siempre con una veta
de humor irónico.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Y aquí es oportuno resaltar un aspecto
recurrente no sólo en esta obra sino también en muchas otras presentes en la
muestra: continuamente vemos insertas en las piezas imágenes del rostro de Luis
Gordillo, siempre en actitudes dinámicas, lo que nos lleva a advertir que
propiamente estamos ante una reconstrucción autobiográfica del entramado que
une en profundidad su trabajo artístico con el discurrir de su vida, sus
pasiones y anhelos.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Es ésta una cuestión a la que Gordillo se
ha referido explícitamente al manifestar que lo que él llama sus “dúplex”, sus
desdoblamientos de obras en dos partes tanto en un sentido vertical como
horizontal, son expresiones de su yo desdoblado.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipO8jnhKcEbVN2IvKYw6Um_nwJvoAzAGD_AIl9hhD1Go5tEVFGWcfwLD64fuIK0HeZHpHRFSVYiuxaDcMxiW3hZvNWHlxslhz01lN_S7cBAEV4a8s3SQj3bfCpIssrPNCGzB0mSm5chhHjyokF4LJop0FBdCoimFwHgy1oMDQnTjei3BSbMMfINi0v/s7140/-%20Dime%20quien%20eres%20YO%20(2020-22).%20Acri%CC%81lico%20sobre%20lienzo.%20Di%CC%81ptico,%20185%20x%20280%20cm..jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4640" data-original-width="7140" height="323" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipO8jnhKcEbVN2IvKYw6Um_nwJvoAzAGD_AIl9hhD1Go5tEVFGWcfwLD64fuIK0HeZHpHRFSVYiuxaDcMxiW3hZvNWHlxslhz01lN_S7cBAEV4a8s3SQj3bfCpIssrPNCGzB0mSm5chhHjyokF4LJop0FBdCoimFwHgy1oMDQnTjei3BSbMMfINi0v/w497-h323/-%20Dime%20quien%20eres%20YO%20(2020-22).%20Acri%CC%81lico%20sobre%20lienzo.%20Di%CC%81ptico,%20185%20x%20280%20cm..jpg" width="497" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Dime quien eres YO</i> (2020-22). Acrílico sobre lienzo. Díptico, 185 x 280 cm.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Ese itinerario confluyente de arte y vida
ha ido haciendo que el trabajo creativo de Gordillo no esté en ningún caso
situado en la quietud o la repetición: los registros de sus obras nos llevan
siempre al descubrimiento, a la innovación. Desde luego en la raíz de todo está
la pintura, pero concebida en la situación presente tan determinada por
técnicas envolventes de representación visual, como un diálogo con las mismas
para así transgredir el uso meramente pragmático-material de las imágenes
mediáticas.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">De los dibujos y la expresión pictórica,
Gordillo ha ido dialogando con las fotografías y las imágenes digitales. Y de
esas conversaciones abiertas han ido surgiendo las obras subversivas, que
mezclan el cuestionamiento y lo enigmático de las representaciones para
construir espejos visuales en los que al vernos reflejados nos llevan a
preguntarnos quiénes somos en este mundo de imágenes fluidas y envolvente en
que hoy vivimos. Cuestiones todas estas que marcan intensamente el alto nivel
artístico de las piezas reunidas en esta gran muestra. <o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTCTNf2UhPGVoSTQm_STVCNTwl7U5y2DYnKyxZAft3mk_J20kQjWRV0cMFFq9ZxWBe3BF8vtDHt9bgl7G_q2pqSp6FNmKE_xM8EImUBXvzZzNxsGlvko5zBenJm7GRdMnN7ZVfZufPzebdRmfG2ZG6WnM7-2WNRODdQ0kD_VnkNxRnDk_-SBXH6NvI/s6751/-%203%20Zentrum%201%20(2022).%20Acri%CC%81lico%20sobre%20lienzo%20con%20collages%20de%20fotografi%CC%81as,%20193,5x153,5%20cm..jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="6751" data-original-width="5440" height="540" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTCTNf2UhPGVoSTQm_STVCNTwl7U5y2DYnKyxZAft3mk_J20kQjWRV0cMFFq9ZxWBe3BF8vtDHt9bgl7G_q2pqSp6FNmKE_xM8EImUBXvzZzNxsGlvko5zBenJm7GRdMnN7ZVfZufPzebdRmfG2ZG6WnM7-2WNRODdQ0kD_VnkNxRnDk_-SBXH6NvI/w436-h540/-%203%20Zentrum%201%20(2022).%20Acri%CC%81lico%20sobre%20lienzo%20con%20collages%20de%20fotografi%CC%81as,%20193,5x153,5%20cm..jpg" width="436" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Zentrum 1</i> (2022). Acrílico sobre lienzo con collages de fotografías, 193,5 x153,5 cm.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Gordillo señala explícitamente su
utilización controlada de los soportes digitales, en los que distingue sus
aspectos positivos y sus riesgos. El buen arte no se puede identificar con la
inmediatez de usos y prácticas tan habituales en este mundo-imagen de hoy. Sus
obras están caracterizadas por el cuidado intenso en su preparación, el tiempo
de estudio, y su desarrollo. El resultado final es algo tan abierto como la vida
misma, pero precisamente por ello ahí se sitúa su significación.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Impresiona la precisión y profundidad con
las que Luis Gordillo habla sobre su trabajo. Todas esas fases abiertas, en
continuidad, que lo caracterizan, lo alejan plenamente de la idea de la
improvisación. De ahí su profundo trasfondo poético-conceptual que podemos
advertir en sus obras. Lo que vibra en ellas detrás de cada paso es el juego
agitado del pensamiento que mueve el cuerpo.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzvrHRqa34vZZAuKNtCTSLSNi2S1oKmcKS-0k-mF8YqjtCqE0IlBma10LQMqeIOlOI_iyMhoSvCpqVUU3RzGSUnXrVK8cpDGEx8JAqIJbuB6NSDjFrJjPAurON-8hUNmgdW8yVS3EWqx2Fhe1NWz_nHpVrIPSYPZN9MYSpKtkyNFGv7SaRkeG4bu0k/s6857/-%204%20Representacio%CC%81n%20alterada%20(2022).%20Acri%CC%81lico%20sobre%20lienzo,%20216%20x%20166%20cm..jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="6857" data-original-width="5478" height="572" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzvrHRqa34vZZAuKNtCTSLSNi2S1oKmcKS-0k-mF8YqjtCqE0IlBma10LQMqeIOlOI_iyMhoSvCpqVUU3RzGSUnXrVK8cpDGEx8JAqIJbuB6NSDjFrJjPAurON-8hUNmgdW8yVS3EWqx2Fhe1NWz_nHpVrIPSYPZN9MYSpKtkyNFGv7SaRkeG4bu0k/w458-h572/-%204%20Representacio%CC%81n%20alterada%20(2022).%20Acri%CC%81lico%20sobre%20lienzo,%20216%20x%20166%20cm..jpg" width="458" /></a></div><div style="text-align: center;"><i style="font-style: italic;">Representación alterada</i> (2022). Acrílico sobre lienzo, 216 x 166 cm.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">En definitiva, las obras de Luis Gordillo
dialogan en profundidad con nuestras miradas hasta despertar en ellas la visión
de las cuestiones abiertas que representan. Las piezas deslumbrantes reunidas
en esta exposición van, en una mezcla continua, del formalismo figurativo al
informalismo expresivo: en todos los casos interrogaciones poético-visuales que
abren nuestra mirada.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Y aquí, en los mestizajes «gordillenses»
de la imagen, estamos ante un horizonte intensamente significativo. En mi
opinión, una de las más importantes vías de enriquecimiento de las culturas humanas
es precisamente la mezcla, el mestizaje: el reconocimiento de la importancia de
lo diverso en las experiencias de nuestras vidas. Los mestizajes «gordillenses»
de la imagen son mezclas de diversos tipos y configuraciones de imagen, siempre
desde la pregunta y el control sobre aquello que es profundo y relevante, nunca
desde la mera inmediatez. De las mezclas a lo profundo de la imagen, a lo que
permanece más allá de lo inmediato. <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p> </o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span class="A6"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 11pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* PODÉIS
VER UNA SÍNTESIS DE MIS ESCRITOS ANTERIORES SOBRE LUIS GORDILLO EN MI LIBRO <i>Crítica
en acto</i>. Textos e intervenciones sobre arte y artistas españoles
contemporáneos; Galaxia Gutenberg, Barcelona, 2014, pgs. 100-131.</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: #211d1e; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Trueno; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p> </o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Luis Gordillo: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">¡espEren!: peRmanezcan Atentos!</i></span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> Galería Marlborough, Madrid</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">.
Del 9 de febrero al 8 de abril.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Publicado en EL
CULTURAL: - Edición impresa, 3 – 9 de marzo, pgs. 36-37. Edición <i>online</i>: https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230312/esperen-permanezcan-atentos-luis-gordillo-deslumbrantes-pinturas/745175787_0.html</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p></o:p></span></span></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-65842713249316654302023-03-01T04:15:00.001-08:002023-03-01T04:15:13.108-08:00Exposición en la Sala Alcalá,31. Madrid.<p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -49.65pt; margin-right: -42.9pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none; text-align: center; text-indent: 0cm;"><a name="_MailAutoSig"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 150%;">Juan Muñoz: Ver en profundidad</span></b></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Estamos
ante un retorno artístico de intensa significación. Manuel Segade nos trae de
nuevo la obra de Juan Muñoz (1953-2001) cuando hubiera cumplido 70 años de edad
y a los 22 años de su prematuro fallecimiento, con tan sólo 48 años. El primer
paso es la presentación en esta muestra de un conjunto de 21 piezas excelentes,
instalaciones escultóricas de formatos y extensiones diversas, en un montaje
que dialoga en profundidad con las características arquitectónicas del edificio
que las acoge. <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMMZeggXE7LyAD8l_1CBFXKzyNF3jnWdMPfZroTJmXfPLPaXIQiZpX12FOS1UNDFShlAJRxXMk_RXhXQO4S8t6K3BoDRReQGEfHQ9oX5LB-RCJTmQIDPBopeiIkrutdp1qV03AjyDKoZK9QloRZ6nlCtAySnDtSROlh41iv07IfniR_d-OvWUJvIzp/s2244/-%201%20Dos%20centinelas%20sobre%20suelo%20%C3%B3ptico%20(1990).%20Instalaci%C3%B3n.%20Hierro%20y%20madera%20de%20dimensiones%20variables.%20Colecci%C3%B3n%20Meana%20Larrucea.%202'..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1748" data-original-width="2244" height="380" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMMZeggXE7LyAD8l_1CBFXKzyNF3jnWdMPfZroTJmXfPLPaXIQiZpX12FOS1UNDFShlAJRxXMk_RXhXQO4S8t6K3BoDRReQGEfHQ9oX5LB-RCJTmQIDPBopeiIkrutdp1qV03AjyDKoZK9QloRZ6nlCtAySnDtSROlh41iv07IfniR_d-OvWUJvIzp/w490-h380/-%201%20Dos%20centinelas%20sobre%20suelo%20%C3%B3ptico%20(1990).%20Instalaci%C3%B3n.%20Hierro%20y%20madera%20de%20dimensiones%20variables.%20Colecci%C3%B3n%20Meana%20Larrucea.%202'..jpg" width="490" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Dos centinelas sobre suelo óptico</i> (1990). Instalación. Hierro y madera de </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">dimensiones variables. Colección Meana Larrucea.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">El
</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-theme-font: major-fareast;">título de la muestra: <i>Todo lo que veo me
sobrevivirá</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">,</span> es una cita de
la poeta rusa Anna Ajmátova que Juan Muñoz recogió en una de las últimas notas
de sus cuadernos de preparación para la que fue su última exposición, que tuvo
lugar en la Tate Modern de Londres en el año 2001. Obviamente, el título se
utiliza aquí como una hermosa alusión poética a la pervivencia de las obras,
más allá de la caducidad de la vida de los artistas.</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">La
datación de las piezas se sitúa básicamente en la pasada década de los noventa,
aunque también hay una datada en 1989 y otra en 2001. Con ello estamos ante las
fases finales de la trayectoria creativa de Juan Muñoz, en la que llegó a
alcanzar un intenso reconocimiento internacional. El paso siguiente de este
retorno será otra exposición, en el CA2M de Móstoles, que se abrirá en junio
coincidiendo con la fecha de nacimiento del artista, en la que podremos ver el
recorrido de sus obras desde los inicios hasta la década de los ochenta.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmYCnAl02lnO1eyY4G8mg3iMvvfY8HpvIu3KDNzlaSCtqCrHXij8ByMvkluAcZrDetCatjBJ2Xxd6BrQ69-6HwRd7wz8V9DAYInzkXnxprJChCFpwyeeATj_Rbx7NHz55UoFQvDiCHU6TXCZCUc7N99IPrs2FfxzzLGJG7-hfuvJHmVN0dtSgHzQtf/s7134/-%202%20Plaza%20(1996).%2027%20figuras%20de%20resina%20y%20pigmento.%20Kunstsammlung%20Nordrhein-Westfalen,%20D%C3%BCsseldorf.%202'..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3164" data-original-width="7134" height="218" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmYCnAl02lnO1eyY4G8mg3iMvvfY8HpvIu3KDNzlaSCtqCrHXij8ByMvkluAcZrDetCatjBJ2Xxd6BrQ69-6HwRd7wz8V9DAYInzkXnxprJChCFpwyeeATj_Rbx7NHz55UoFQvDiCHU6TXCZCUc7N99IPrs2FfxzzLGJG7-hfuvJHmVN0dtSgHzQtf/w493-h218/-%202%20Plaza%20(1996).%2027%20figuras%20de%20resina%20y%20pigmento.%20Kunstsammlung%20Nordrhein-Westfalen,%20D%C3%BCsseldorf.%202'..jpg" width="493" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Plaza</i> (1996). 27 figuras de resina y pigmento. Kunstsammlung </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Este
juego con los cursos del tiempo: recobrar la obra de Juan Muñoz, el gran
artista que se marchó tan pronto, en dos fases que van en sentido inverso al de
su desarrollo temporal: desde lo último hasta sus primeras fases, es un signo
intensamente alusivo acerca de lo vivas y radiantes que siguen estando sus
obras. Todas ellas, claramente determinadas por la interacción que despiertan
al mirarlas, un aspecto subrayado expresivamente por Muñoz con la utilización
de espejos que reflejan a la vez sus esculturas y los que las miran, que quedan
así introducidos en la instalación interactiva que las constituye.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Aquí,
en la sala de Alcalá 31, nos llevan explícitamente a esta cuestión las piezas
«Sara with Blue Dress [Sara con vestido azul]» (1996) y «Allo Specchio [En el
espejo]» (1997). Y esto es lo que dejó escrito Juan Muñoz sobre lo que podemos
ver en ellas y sobre cómo lo vemos: </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span class="A6"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 11.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">“Mis personajes se
comportan a veces como un espejo que no puede reflejar. Están ahí para contarte
algo acerca de tu mirada, pero no pueden, porque no te dejan verte a ti mismo”.
Ahí estamos: mirar, querer verlo todo, y ese flujo te lleva a ser mirado,
visto, en el reflejo de lo diverso.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span class="A6"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDbj0Bd5WYBlAeedops1-7_unv4gZYpUJSrfAbasT_IjM-UIgKQwxT7GER1xwqcEAGbhNxtkLPANiInHZVQ8X4zXfyyBKCPXXl69EzcDPbMZIPIVgqkUtmC_6CUxBcpe6zPGmFk43MIpoMYDgACjNPe5nUJDLaTdy7LsfpL8ZGX8WETl6PjpgGO7f_/s642/-%203%20Allo%20Specchio%20%5BEn%20el%20espejo%5D.%20Espejo,%20aceite%20y%20resina%20de%20poli%C3%A9ster%20pigmentado,%20143%20x%2048%20x%2027%20cms.%20Alkar%20Contemporary%20Collection%20(ACC),%20Bilbao%20(1997)..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="411" data-original-width="642" height="312" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDbj0Bd5WYBlAeedops1-7_unv4gZYpUJSrfAbasT_IjM-UIgKQwxT7GER1xwqcEAGbhNxtkLPANiInHZVQ8X4zXfyyBKCPXXl69EzcDPbMZIPIVgqkUtmC_6CUxBcpe6zPGmFk43MIpoMYDgACjNPe5nUJDLaTdy7LsfpL8ZGX8WETl6PjpgGO7f_/w489-h312/-%203%20Allo%20Specchio%20%5BEn%20el%20espejo%5D.%20Espejo,%20aceite%20y%20resina%20de%20poli%C3%A9ster%20pigmentado,%20143%20x%2048%20x%2027%20cms.%20Alkar%20Contemporary%20Collection%20(ACC),%20Bilbao%20(1997)..jpg" width="489" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Allo Specchio</i> [<i>En el espejo</i>]. Espejo, aceite y resina de poliéster pigmentado, </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">143 x 48 x 27 cms. Alkar Contemporary Collection (ACC), Bilbao (1997).</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span class="A6"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 11.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Es una cuestión que se prolonga en la instalación </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">«Dos centinelas sobre suelo óptico»
(1990), situada en la entrada de la exposición, figuras de sombra con armas,
que nos remiten al control de nuestras miradas. Y también en </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span class="A6"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 11.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">las
piezas de balcones: </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">«Balcony
[Balcón]» (1991) y «Nîmes Balcony [Balcón de Nimes]» (1994), en ambos casos
balcones sin nada ni nadie en ellos, vacíos. Esto es lo que comentaba Juan
Muñoz sobre el vacío: “</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span class="A6"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 11.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">“El vacío no se muestra. Se muestra el deseo
de que éste se llene. [...] Yo no veo ahora los balcones vacíos; hablan de
cualquier cosa, menos de sí mismos. Son imágenes que ya están allí, que ya han
sido utilizadas.” Nuestra mirada elimina el vacío…<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span class="A6"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 11.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Ir y venir en la mirada, en la visión, ahí se sitúa el núcleo
referencial de las obras de Juan Muñoz: nada está cerrado en la inmediatez de
las obras, todo queda abierto al flujo interactivo que provocan al acercar a
ellas nuestras miradas. Además de ocasionar “el relleno” del vacío, los
personajes escultóricamente representados nos acercan la semejanza en la
distancia. En la segunda mitad de los años noventa esto se fue concretando en
las figuras caricaturescas de enanos, muñecos de ventrílocuo y de “chinos”,
como el propio Juan Muñoz en ese caso las identificaba.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span class="A6"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgce3C4uGyJQ9qPKoqnTH3-BOYbf4Wq5DIP0SPYWVkjTBUVgePVWk57gyFjdSnlj4HbCkPDKizNWNJy4-Epl6pj4456Qp3yt4HLVLv5RpUp_R0vOVhY9KD8bHAsIWMhEuvQtwX_yOZ0eXgHNZ_xBaCQ5L4fo1wUIP2vsHAp7jBEwMzVDiAbZKh1lttj/s3120/-%204%20Blotter%20Figure%20%5BFigura%20de%20papel%20absorbente%5D%20(1999).%20Figura%20157.5%20x%2083,8%20x%2045,7%20cms.%20Galer%C3%ADa%20Elvira%20Gonz%C3%A1lez.%202'..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3120" data-original-width="2080" height="504" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgce3C4uGyJQ9qPKoqnTH3-BOYbf4Wq5DIP0SPYWVkjTBUVgePVWk57gyFjdSnlj4HbCkPDKizNWNJy4-Epl6pj4456Qp3yt4HLVLv5RpUp_R0vOVhY9KD8bHAsIWMhEuvQtwX_yOZ0eXgHNZ_xBaCQ5L4fo1wUIP2vsHAp7jBEwMzVDiAbZKh1lttj/w335-h504/-%204%20Blotter%20Figure%20%5BFigura%20de%20papel%20absorbente%5D%20(1999).%20Figura%20157.5%20x%2083,8%20x%2045,7%20cms.%20Galer%C3%ADa%20Elvira%20Gonz%C3%A1lez.%202'..jpg" width="335" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Blotter Figure</i> [<i>Figura de papel absorbente</i>] (1999). </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Figura, 157.5 x 83,8 x 45,7 cms. Galería Elvira González.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span class="A6"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 11.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">En relación con esto último se sitúa la recuperación de la enérgica
instalación escultórica </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">«Plaza»
(1996), que puede verse de nuevo por primera vez desde su presentación en el
Palacio de Velázquez del Retiro, en el marco de la exposición que el Museo
Reina Sofía dedicó entonces a Juan Muñoz. Es un conjunto amplio de 27 figuras
de tonalidad gris, de </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span class="A6"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 11.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">“chinos” que ríen. No se puede entrar dentro
del círculo abierto que forman, y así la temática del espejo, de la identidad y
la diferencia, se abre según te aproximas, vas rodeándolas desde fuera, y
acabas percibiendo los otros de tu yo. <o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span class="A6"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 11.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">La figura colgada desde su boca en el techo de la sala: </span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">«Con la corda alla boca [Con la cuerda en
la boca]» (1997) y las dos figuras de papel absorbente con persiana de 1999 nos
hablan de la paradoja de la representación: no alcanzamos a comprender la
motivación de lo que vemos. Estamos ya en la fase final del recorrido creativo
de Juan Muñoz. <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidQgUGB2QYE3lPoW4VMDjHynB02ToPUR4ZITAvq-Pcvzgo8KgyR7sY2jg8RGUL6mfr4-LR962OOMP6GSy0tJeEpScz0miPLud4BT8mm8WmyJvp9NyZb-Jsj1ywkifM3w7ndv_yI3sEUpWnDRw4VZ014U9UgECsMLldoEnSVJhX9xxNxI7dgYa3Jp4k/s591/-%205%20Two%20Seated%20on%20the%20Wall%20%5BDos%20sentados%20en%20el%20muro%5D%20(2001).%20Resina%20de%20poli%C3%A9ster%20y%20hierro,%20130%20x%20145%20x%2060%20cms.%20Colecci%C3%B3n%20particular..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="463" data-original-width="591" height="379" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidQgUGB2QYE3lPoW4VMDjHynB02ToPUR4ZITAvq-Pcvzgo8KgyR7sY2jg8RGUL6mfr4-LR962OOMP6GSy0tJeEpScz0miPLud4BT8mm8WmyJvp9NyZb-Jsj1ywkifM3w7ndv_yI3sEUpWnDRw4VZ014U9UgECsMLldoEnSVJhX9xxNxI7dgYa3Jp4k/w482-h379/-%205%20Two%20Seated%20on%20the%20Wall%20%5BDos%20sentados%20en%20el%20muro%5D%20(2001).%20Resina%20de%20poli%C3%A9ster%20y%20hierro,%20130%20x%20145%20x%2060%20cms.%20Colecci%C3%B3n%20particular..jpg" width="482" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Two Seated on the Wall</i> [<i>Dos sentados en el muro</i>] (2001). </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Resina de poliéster y hierro, 130 x 145 x 60 cms. Colección particular.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Pero
como cierre es plenamente significativo el retorno a la risa de las figuras
colgadas de la pared en sillas en la pieza datada en el año de su
fallecimiento, en 2001: «Two Seated on the Wall [Dos sentados en el muro]». ¿Se
ríen ante su posible caída…? La respuesta queda abierta, como la vida misma,
ante nuestro deseo de mirar y llegar a ver a dónde vamos. Juan Muñoz: mirando
desde fuera, llegar a ver en profundidad. </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span class="A6"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 11.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span class="A6"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 11.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span class="A6"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 11.0pt; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* PODÉIS VER UNA SÍNTESIS DE MIS ESCRITOS
ANTERIORES SOBRE JUAN MUÑOZ EN MI LIBRO <i>Crítica en acto</i>. Textos e
intervenciones sobre arte y artistas españoles contemporáneos; Galaxia
Gutenberg, Barcelona, 2014, pgs. 236-260.</span></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="color: #211d1e; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Trueno; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p> </o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Juan
Muñoz: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Todo lo que veo me sobrevivirá</i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Comisario:
</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Helvetica; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Manuel
Segade</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">, Sala Alcalá 31, Madrid</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. </span></span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Del
14 de febrero al 11 de junio.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: left; text-indent: 0cm;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Publicado en EL CULTURAL: -
Edición impresa, 24 de febrero – 2 de marzo, pgs. 38-39. Edición <i>online</i>: https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230228/ultimos-anos-escultor-juan-munoz-regreso-reconocido/743425741_0.html<o:p></o:p></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-4502237332853940442023-02-15T10:34:00.000-08:002023-02-15T10:34:00.522-08:00Exposición en el Museo Thyssen, Madrid<p style="text-align: center;"> <a name="_Hlk124876934" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 150%;">Lucian Freud: El pulso de los cuerpos</span></b></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 26.95pt;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><a name="_Hlk122869485"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-language: ES-TRAD;">Tras una primera presentación en Londres en la National Gallery, y en
colaboración con esa institución, llega ahora al Museo Thyssen, en una versión
diferente, una notable exposición de Lucian Freud (1922-2011). Se presentan
aquí 55 obras, con las que se recorre toda la trayectoria de uno de los
pintores contemporáneos más relevantes.<o:p></o:p></span></a></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 26.95pt;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-language: ES-TRAD;">Hay un punto de unión de Lucian Freud con e</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">l
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, ya que éste es el único museo español que
alberga en su colección obras de Freud: un total de cinco pinturas, todas ellas
incluidas en la muestra. Entre las cuales hay dos retratos del Barón
Thyssen-Bornemisza; uno realizado en 1981-1982 y otro en 1985, que fue uno de
los primeros coleccionistas privados en interesarse por su obra y mantuvo una
especial relación con el pintor. Parece que las largas sesiones a las que Freud
sometía a sus modelos propiciaron la amistad entre ambos, que se mantuvo a lo
largo del tiempo.</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-language: ES-TRAD;"> <span lang="ES-TRAD"><o:p></o:p></span></span></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center; text-indent: 26.95pt;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjYleeAfjjzqAXyCOxxXvfnbTYw4WKrJMY91-p1dtRPhUCuIQSsmlddrVIMrepMeH0wmo3uv27s5RXKnn8BHWqmMKf2ObcFD23ewwxLAG2-G8ER4NJLcz10wQph87RCpH8kBnhHULJLRI5vugrKZdbKMfHfGvJY7AYoeCtQDkXgX_38uYD6BdLvyi2/s1120/-%201%20El%20cuarto%20del%20pintor,%201944.%20%C3%93leo%20sobre%20lienzo.%2062,2%20x%2076,2%20cm.%20Colecci%C3%B3n%20privada..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="940" data-original-width="1120" height="409" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjYleeAfjjzqAXyCOxxXvfnbTYw4WKrJMY91-p1dtRPhUCuIQSsmlddrVIMrepMeH0wmo3uv27s5RXKnn8BHWqmMKf2ObcFD23ewwxLAG2-G8ER4NJLcz10wQph87RCpH8kBnhHULJLRI5vugrKZdbKMfHfGvJY7AYoeCtQDkXgX_38uYD6BdLvyi2/w487-h409/-%201%20El%20cuarto%20del%20pintor,%201944.%20%C3%93leo%20sobre%20lienzo.%2062,2%20x%2076,2%20cm.%20Colecci%C3%B3n%20privada..jpg" width="487" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>El cuarto del pintor</i> (1944). Óleo s. lienzo, 62,2 x 76,2 cm. Colección privada.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 26.95pt;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">La
exposición se organiza en una perspectiva cronológica a lo largo de seis
secciones temáticas que repasan la evolución del pintor desde los años 1940
hasta principios del siglo XXI. Éstas son las secciones: (1) <i>Llegar a ser
Freud</i>, (2) <i>Primeros retratos</i>, (3) <i>Intimidad</i>, (4) <i>Poder</i>,
(5) <i>El estudio</i> y (6) <i>La carne</i>.<o:p></o:p></span></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 26.95pt;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">El
itinerario arranca con los inicios de la obra pictórica de Freud, con obras de
1940 a 1950. Continúa con toda una serie de retratos datados entre 1960 y 1980,
en los que el pintor pretende reflejar no lo externo sino la intimidad de los
retratados. Sigue con su atención a los reflejos del poder y la muerte entre
1970 y 1990. Después se sitúa, entre 1980 y 2000, en el papel central que dio a
su taller de trabajo, su estudio, concebido como un ámbito de dramatización de
los personajes y situaciones representados, donde podemos ver varios retratos
de desnudos monumentales. Todo culmina, llegando hasta sus últimos años de
existencia, con su interés por lo que implica la carne, algo central en toda su
trayectoria.<o:p></o:p></span></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center; text-indent: 26.95pt;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhW-zKCFLXauFDgsDNSE8JM4n-rRyEPPOdx0J2kxLfUHnkQMATLK8WndgfPJhc1s7aiNHddSRJSOyNJIoB_MzsOrkzgLfnzrxu3mDEvPFFqJc8RkQ7i092YJZo_KnHCpLMtt13J_vAsrVb8C6vqKuraR9VWJiB7KQqbpOBP7nCSRQxaEPRcWbr3sIAK/s1578/-%202%20Muchacha%20con%20rosas,%201947-1948.%20%C3%93leo%20sobre%20lienzo.%20106%20x%2075,6%20cm.%20Cortes%C3%ADa%20de%20The%20British%20Council%20Collection..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1578" data-original-width="1120" height="687" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhW-zKCFLXauFDgsDNSE8JM4n-rRyEPPOdx0J2kxLfUHnkQMATLK8WndgfPJhc1s7aiNHddSRJSOyNJIoB_MzsOrkzgLfnzrxu3mDEvPFFqJc8RkQ7i092YJZo_KnHCpLMtt13J_vAsrVb8C6vqKuraR9VWJiB7KQqbpOBP7nCSRQxaEPRcWbr3sIAK/w488-h687/-%202%20Muchacha%20con%20rosas,%201947-1948.%20%C3%93leo%20sobre%20lienzo.%20106%20x%2075,6%20cm.%20Cortes%C3%ADa%20de%20The%20British%20Council%20Collection..jpg" width="488" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i style="text-indent: 35.9333px;">Muchacha con rosas</i><span style="text-indent: 35.9333px;"> (1947-1948). Óleo s. lienzo, 106 x 75,6 cm. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="text-indent: 35.9333px;">The British Council Collection.</span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 26.95pt;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">En
1982, Lucian Freud indicaba: “Quiero que la pintura actúe como si fuera carne”,
un lema en consonancia con la carnalidad matérica de sus rostros y cuerpos y
con su habilidad para pintar la textura de las carnaciones. Y sobre ello
insistía, fijando nítidamente su identificación de la pintura y la carne, con
lo que manifestó en </span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-language: ES-TRAD;">su última exposición en
vida, en París, en el Centro Pompidou, en 2010: “Quiero que la pintura sea
carne (…) para mí, el cuadro es la persona.”<o:p></o:p></span></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 26.95pt;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-language: ES-TRAD;">Nieto de Sigmund Freud y nacido en Berlín en 1922, Lucian Freud y su
familia, siendo judíos, se establecieron en Londres en 1933, poco después de la
llegada de los nazis al poder en Alemania. Su abuelo, el iniciador del
psicoanálisis, se trasladó con ellos en 1938, ya en la fase terminal de su vida
pues allí fallecería el 23 de septiembre de 1939. Es éste un dato relevante,
porque de “Freud” a “Freud”: del abuelo al nieto, no cabe duda de que hay una
filiación también en el pensamiento y en la sensibilidad, que tiene su núcleo
en la interrogación acerca de <i>quiénes</i> y <i>cómo</i> somos los seres
humanos. <o:p></o:p></span></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 26.95pt;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-language: ES-TRAD;">En ambos casos, la preocupación central, a través del psicoanálisis o de
la pintura, se sitúa en la interioridad: el interior es la clave. En lo que se
refiere a Lucian: ver y representar la profundidad de los cuerpos, el contraste
entre el interior y lo exterior, algo para lo que la pintura tiene una intensa
competencia. La carne trémula, temblorosa, de los cuerpos, en ningún momento
oculta, embellecida, o alisada…<o:p></o:p></span></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center; text-indent: 26.95pt;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq4Nd8E3ECkKTYzbr4BB28HR_sLW7qKIG7PyOExtOBh02e4pTPLC08NOZLJm6fmO1fWw-pyKKQUJW1Lwwmw6btpLjfe6j2lge2odhrf8u3bf38QKquyMPoWZFf8nrqX-6D679mKx_MeV-STC7rghOdXgSt7NtLSVp4_PP9GoFYPmVBsROFzyc4KzN5/s1120/-%204%20Doble%20retrato,%201985-1986.%20%C3%93leo%20sobre%20lienzo.%2078,8%20x%2088,9%20cm.%20Colecci%C3%B3n%20privada..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1039" data-original-width="1120" height="460" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq4Nd8E3ECkKTYzbr4BB28HR_sLW7qKIG7PyOExtOBh02e4pTPLC08NOZLJm6fmO1fWw-pyKKQUJW1Lwwmw6btpLjfe6j2lge2odhrf8u3bf38QKquyMPoWZFf8nrqX-6D679mKx_MeV-STC7rghOdXgSt7NtLSVp4_PP9GoFYPmVBsROFzyc4KzN5/w495-h460/-%204%20Doble%20retrato,%201985-1986.%20%C3%93leo%20sobre%20lienzo.%2078,8%20x%2088,9%20cm.%20Colecci%C3%B3n%20privada..jpg" width="495" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i style="text-indent: 35.9333px;">Doble retrato</i><span style="text-indent: 35.9333px;"> (1985-1986). Óleo s. lienzo, 78,8 x 88,9 cm. Colección privada.</span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 26.95pt;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-language: ES-TRAD;">Intenso viajero, por distintos espacios y lugares en todo el mundo, y
también en un plano mental, Lucian comenzó a dedicarse muy pronto: en los años
cuarenta, a la pintura, que se convertirá en el eje de su vida, su manera de
estar propiamente en el mundo. Su obra fue desplegándose junto a la de quien
fue su gran amigo: Francis Bacon, a quien conoció en 1945 y con quien mantuvo
en todo momento una intensa comunicación personal y con su línea de trabajo. <o:p></o:p></span></span></span></span></p>
<p class="Default" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-language: ES-TRAD;">En <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Algunos
pensamientos sobre la pintura</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">,</span>
un breve texto escrito para una conferencia en la televisión en 1952 y
publicado después en 1954, Lucian Freud señalaba que el objeto de sus pinturas
“es poner a prueba y excitar los sentidos dando una intensificación de la
realidad”. Viendo sus obras, podría hablarse, en efecto, de un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">realismo exacerbado</i>, de una
intensificación en el proceso de representación, que más que producir una
ilusión de realidad pone ante nuestros ojos una construcción mental, o un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">fantasma</i>, en el sentido etimológico de esa
palabra en su origen griego: <i style="mso-bidi-font-style: normal;">aparición</i>.<o:p></o:p></span></span></span></span></p>
<p class="Default" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-weight: bold; mso-fareast-language: ES-TRAD;">Sus viajes, por dentro y por fuera, fueron decisivos
en su avance en la pintura. Visitó </span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">asiduamente
los grandes museos y pinacotecas, estableciendo así un diálogo con los clásicos
del pasado. Aunque con un planteamiento plenamente personal, en su obra se
pueden apreciar toda una serie de alusiones a los grandes maestros, a quienes
estudió con intensidad. <o:p></o:p></span></span></span></span></p><p class="Default" style="line-height: 150%; text-align: center; text-indent: 1cm;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9JwXl4aT3WLV2tWZ4cw9ZFQ8YOtqK_YFCyylAMy-58Fh41QOjeN_LCvPYqwMVDj4lgmURaQ7VsYzlY_fqBg2qo6nMiHiEeEBFcR2mHhkf9YsZU7JC-j-pRrhuyP9vyqzSWQTXKk1WOsnB33-tjGlY6BrHFHKcCF5cPT9ObPoBMZWmvt88V7K5rt67/s1123/-%205%20Leigh%20con%20falda%20de%20tafet%C3%A1n,%201993.%20%C3%93leo%20sobre%20lienzo.%2081,3%20x%2082,5%20cm.%20Colecci%C3%B3n%20privada..jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1123" data-original-width="1120" height="490" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9JwXl4aT3WLV2tWZ4cw9ZFQ8YOtqK_YFCyylAMy-58Fh41QOjeN_LCvPYqwMVDj4lgmURaQ7VsYzlY_fqBg2qo6nMiHiEeEBFcR2mHhkf9YsZU7JC-j-pRrhuyP9vyqzSWQTXKk1WOsnB33-tjGlY6BrHFHKcCF5cPT9ObPoBMZWmvt88V7K5rt67/w489-h490/-%205%20Leigh%20con%20falda%20de%20tafet%C3%A1n,%201993.%20%C3%93leo%20sobre%20lienzo.%2081,3%20x%2082,5%20cm.%20Colecci%C3%B3n%20privada..jpeg" width="489" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i style="text-indent: 35.9333px;">Leigh con falda de tafetán</i><span style="text-indent: 35.9333px;"> (1993). Óleo s. lienzo, 81,3 x 82,5 cm. Colección privada.</span></div><p></p>
<p class="Default" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Lucian
Freud fue desplegando en sus obras una concepción dinámica de la pintura. Le
importaba hacer ver la cercanía entre los seres humanos y los animales, con los
cuales sentía una gran afinidad, en principio sobre todo con los caballos y las
aves de presa, después también con los perros que aparecen junto a los humanos
en sus pinturas. Los animales eran para él como un reflejo de los seres
humanos. <o:p></o:p></span></span></span></span></p>
<p class="Default" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Ese
dinamismo se plantea así mismo en sus pinturas de estos, tanto en los retratos como
en los desnudos. En los retratos buscaba siempre la modulación de los
movimientos y la gesticulación, para aludir así y dejar ver en ellos la
interioridad de los cuerpos. Buscaba la singularidad real, y por ello no
trabajaba con modelos sino con personas a las que situaba en posiciones de
actuación, como actores.<o:p></o:p></span></span></span></span></p>
<p class="Default" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">En
un texto escrito en 2008 para la revista <i>Wonderland</i>, ya muy cerca del
final de su vida, en el que traza una densa mirada acerca de sí mismo y del
papel central de la pintura en su vida, Lucian Freud escribió: “</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">No utilizo modelos profesionales porque se les ha
mirado tanto que les ha crecido otra piel. Cuando se quitan la ropa, no
están desnudos; su piel se ha convertido en otra forma de vestir. Y
quiero algo que generalmente no se muestra, algo privado y de un tipo más innato. Estoy
realmente interesado en ellos como animales. Parte de que te guste
trabajar con ellos desnudos es por esa razón... Una de las cosas más
emocionantes es ver a través de la piel, la sangre, las venas y las marcas.”<o:p></o:p></span></span></span></span></p><p class="Default" style="line-height: 150%; text-align: center; text-indent: 1cm;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"></span></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8Z-_FOvuYk34SQkR0BIFQwZVCKvefPFfOrIFT-ZZhuTaxEN5iuBH_T7oOOtmOfk0yJkPkzR7agiyRkv7Q0nEN06tm_8RWaaVmSIcWa-0b0xQ0JIXpjFtxxQ7shYWW4Hr-31XbSXJFep9vir5H-4aF-SexaA2JYLOd_x53Ia-_CuRKN9AYIBoVpz_N/s1286/-%206%20Retrato%20del%20lebrel,%202011.%20%C3%93leo%20sobre%20lienzo.%20158%20x%20138%20cm.%20Colecci%C3%B3n%20privada..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1286" data-original-width="1120" height="566" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8Z-_FOvuYk34SQkR0BIFQwZVCKvefPFfOrIFT-ZZhuTaxEN5iuBH_T7oOOtmOfk0yJkPkzR7agiyRkv7Q0nEN06tm_8RWaaVmSIcWa-0b0xQ0JIXpjFtxxQ7shYWW4Hr-31XbSXJFep9vir5H-4aF-SexaA2JYLOd_x53Ia-_CuRKN9AYIBoVpz_N/w494-h566/-%206%20Retrato%20del%20lebrel,%202011.%20%C3%93leo%20sobre%20lienzo.%20158%20x%20138%20cm.%20Colecci%C3%B3n%20privada..jpg" width="494" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i style="text-indent: 35.9333px;">Retrato del lebrel</i><span style="text-indent: 35.9333px;"> (2011). Óleo s. lienzo, 158 x 138 cm. Colección privada.</span></div><p></p>
<p class="Default" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Sus
desnudos marcan una línea bastante diferencial, en ellos no introduce ningún
tipo de embellecimiento y los órganos sexuales aparecen representados
explícitamente. También hace ver en la desnudez las granulaciones, las arrugas,
o las deformaciones de las pieles en los cuerpos. Y todos esos rasgos están
igualmente presentes en sus autorretratos, tanto en los que aparece desnudo
como vestido. En un sentido profundo, Lucian Freud concebía que la pintura es
la piel de los cuerpos pintados.<o:p></o:p></span></span></span></span></p>
<p class="Default" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Su
vida personal fue muy turbulenta y agitada: llegó a tener catorce hijos en
relaciones con seis mujeres diferentes. Y esa turbulencia está también presente
en su pintura, en las carnes trémulas de todos sus cuerpos. Como también
señaló, en el texto de 2008 al que antes me referí, Lucian Freud consideraba
que su trabajo era <i>puramente autobiográfico</i>, una representación
dispersa, variada, de sí mismo: “</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Los pintores que usan la vida misma eventualmente
revelarán cada faceta de sus vidas. Mi trabajo es puramente
autobiográfico. Se trata de mí y de mi entorno.” En ese contexto se sitúa
también su identificación de <i>la pintura</i> con <i>la persona</i>: “En lo
que a mí respecta, la pintura es la persona. Quiero que funcione para mí
tal como lo hace la carne.”<o:p></o:p></span></span></span></span></p>
<p class="Default" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Ahí está, en definitiva, la clave última de lo que nos
transmite este pintor verdaderamente especial, distinto, situado plenamente al
margen de las distintas corrientes pictóricas. Su pintura buscaba representar
al ser humano de nuestro tiempo, poniendo de manifiesto su carnalidad, su
dimensión corporal interna y externa. De eso se trata, de hacernos ver el pulso
de los cuerpos. <span style="background: yellow; mso-highlight: yellow;"><o:p></o:p></span></span></span></span></span></p>
<p class="Default" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p> </o:p></span></span></span></span></p>
<span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"></span>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* <i style="mso-bidi-font-style: normal;">LUCIAN FREUD. Nuevas perspectivas</i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Comisaria:
</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Helvetica; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Paloma
Alarcó</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Museo Thyssen, Madrid</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. </span></span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Del
14 de febrero al 18 de junio.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><a name="_Hlk127380201"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Publicado en
EL CULTURAL: - Edición impresa, 10 – 16 de febrero, pgs. 30-33. -Edición <i>online</i>: https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230213/lucian-freud-pulso-cuerpos-museo-thyssen/739676045_0.html<o:p></o:p></span></a></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-55297231532025341162023-01-30T09:49:00.001-08:002023-01-30T09:49:38.623-08:00Exposición en la Residencia de Estudiantes, Madrid<p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -49.65pt; margin-right: -42.9pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none; text-align: center; text-indent: 0cm;"><a name="_Hlk124876934"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 150%;">Bores: El aroma de la vida</span></b></span></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><a name="_Hlk122869485"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Una
nueva celebración de un aniversario nos trae la presencia de otro artista, en
este caso: Francisco Bores. Con motivo del 50 aniversario de su fallecimiento,
que tuvo lugar el 10 de mayo de 1972, la Residencia de Estudiantes presenta
desde finales del pasado mes de diciembre una sugestiva muestra que como su
título indica recorre toda su trayectoria. <o:p></o:p></span></a></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><a name="_Hlk122869485"></a></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheerFpn2n7UtiihvwQVX0OHDhausp4ROd4DHoF1R3-wrtGqOB6_VK5CEii_0ghsC46CT8a0lZPOjq273nOvQbcr4o1RnqRBvNwuL7BPzBl3QpoEmGxfRbXB8D7dtOSsGC1DK9GUTxHD8twnnmLCeCoNTHQftyhxzVj6t9QR7GrhO6Ep5KFWWsInxBo/s1830/-%201%20000_066.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1830" data-original-width="1634" height="473" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheerFpn2n7UtiihvwQVX0OHDhausp4ROd4DHoF1R3-wrtGqOB6_VK5CEii_0ghsC46CT8a0lZPOjq273nOvQbcr4o1RnqRBvNwuL7BPzBl3QpoEmGxfRbXB8D7dtOSsGC1DK9GUTxHD8twnnmLCeCoNTHQftyhxzVj6t9QR7GrhO6Ep5KFWWsInxBo/w423-h473/-%201%20000_066.jpg" width="423" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Autorretrato</i> (1924). Ól. s. lienzo, 51 x 46 cm. Colección particular.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Nacido
en Madrid en 1898, a partir de 1916 Bores comenzó a estudiar pintura, fue
realizando copias de los clásicos en el Museo del Prado, e </span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">inició </span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">así</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;"> en ese ambiente su trayectoria como pintor e
ilustrador</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">.
En 1922 participa en la Exposición Nacional de Bellas Artes. Al año siguiente
se relaciona con el movimiento ultraísta, fue participando en tertulias, y
frecuentando los círculos literarios y la Residencia de Estudiantes.<o:p></o:p></span></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Que
la exposición tenga lugar en ese espacio hoy mítico, en el que se reunieron los
escritores y artistas más relevantes en la España de la segunda década del
siglo XX, central para lo que se llamó “la Generación del 27”, es un viaje en el
tiempo que nos permite recobrar y conocer la figura de Francisco Bores </span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">con
los mejores ecos y resonancias</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">. <o:p></o:p></span></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">La exposición se
articula en dos grandes secciones: «Madrid (1898-1925)» y «París (1925-1972)».
Se han reunido más de un centenar de obras de Bores: óleos, dibujos y grabados,
a las que acompañan cinco piezas de otros artistas que coincidieron con él en
ese ambiente vanguardista en Madrid.</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> <span lang="ES-TRAD">Y también un conjunto de documentos, revistas y materiales
impresos, y fotografías.</span></span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p></o:p></span></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-ansi-language: ES-TRAD; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"></span></span></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizwiW2KUAGj9JKPYIbIU6K5VJGV335RhnulYQ8vmITyR8KGv-xVzaC4H0h0EyITLiDnFREbh5MXKleJWrFat87sccMwpCbJpQ9WrMcYhqF-XpR_gSe3CH5b9iOWmwA1M6VFETbZSNJmxr-js1n_g_DbclITdEJ2oCujizoRlPESo58qBoGhdf_ukLK/s1153/-%202%20000_065.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1153" data-original-width="1024" height="499" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizwiW2KUAGj9JKPYIbIU6K5VJGV335RhnulYQ8vmITyR8KGv-xVzaC4H0h0EyITLiDnFREbh5MXKleJWrFat87sccMwpCbJpQ9WrMcYhqF-XpR_gSe3CH5b9iOWmwA1M6VFETbZSNJmxr-js1n_g_DbclITdEJ2oCujizoRlPESo58qBoGhdf_ukLK/w443-h499/-%202%20000_065.jpg" width="443" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>El maniquí rosa</i> (1925). Ól. s. lienzo, 89 x 79 cm. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">En el Madrid de los años
veinte, Bores estableció lazos de contacto y en ciertos casos de amistad, con
algunas de las figuras intelectuales y artísticas más relevantes, entre otros
con Ramón Gómez de la Serna, Federico García Lorca, Salvador Dalí, Luis Buñuel,
Gerardo Diego, Emilio Prados, José Moreno Villa, Adolfo Salazar, Guillermo de
Torre, José Bergamín… algunos de los cuales aparecen en retratos en la
exposición realizados por Bores. <o:p></o:p></span></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">Sin embargo, parece que
desencantado por el escaso eco que los nuevos planteamientos artísticos iban
teniendo en España y según sus propias palabras porque sentía “en aquel momento
una acuciante necesidad de renovación”, se estableció en París en 1925, donde
conoció a Picasso y a Juan Gris, y fue integrándose en la plural e intensa
floración de las vanguardias artísticas, aunque manteniendo siempre su
independencia y autonomía. Allí residiría hasta el final de su vida.<o:p></o:p></span></span></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-SFyFSl86EELEE7cDz5SOZQUsjuXS51Df6_0K47Xf2G-IKZ7lGF_g648UPtV84qDfTtZZwbfbgT8LYqsYkEagEfQpN2udy2SIxSATZS8RlFrgbHw3jfXIFjAl1GMc9d4X9Q0uVFAI2QItyfFHa80iBEw2ecNBtXZu0lMI6cMXqYQEGCFtwWTs0NxG/s1818/-%203%20000_106.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1818" data-original-width="1451" height="569" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-SFyFSl86EELEE7cDz5SOZQUsjuXS51Df6_0K47Xf2G-IKZ7lGF_g648UPtV84qDfTtZZwbfbgT8LYqsYkEagEfQpN2udy2SIxSATZS8RlFrgbHw3jfXIFjAl1GMc9d4X9Q0uVFAI2QItyfFHa80iBEw2ecNBtXZu0lMI6cMXqYQEGCFtwWTs0NxG/w453-h569/-%203%20000_106.jpg" width="453" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Muchacha bebiendo una limonada</i> (1934). Ól. s. lienzo, 73 x 60 cm. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Colección particular.</div>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">Tanto en España como en
Francia además de en la pintura Bores centró su atención en la ilustración
visual, y ahí destacan sus diseños de cubiertas en los primeros años de la </span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Revista de Occidente</span></i></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">, así como diseños e ilustraciones para libros, en
todos los casos con una gran fuerza expresiva, como podemos ver en el recorrido
de la muestra.<o:p></o:p></span></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">En Francia también fue
ampliando en el curso de los años sus relaciones con importantes figuras
intelectuales y con artistas. Su llegada a París coincide, como indica en unos
escritos de 1957 el propio Bores, con el que se suele considerar “el último año
del Cubismo” pero él señala que no tuvo “ninguna relación con los últimos
cubistas”, y que en cambio los pintores con los que “sentía afinidad eran los
que estaban más cerca del Surrealismo”.<o:p></o:p></span></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwUxUkyBtQLrMkWcCSVmnmjh3LP4ZpwQvzUVhFofPVVfUIw8vJycx2bJGiTb16rLxy7jkhP9yWlh8YLWAl6SuxY0zXgqEKd5FevMWTwD6vfiZD7_67Y8Wernwf_-Gr6fyb14n8ZJBcUFfeirLZVm8OfY3hxhwOQtO6rp1VjySIFuNF26TFhXVzYH-U/s2163/-%204%20000_113.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2163" data-original-width="1467" height="678" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwUxUkyBtQLrMkWcCSVmnmjh3LP4ZpwQvzUVhFofPVVfUIw8vJycx2bJGiTb16rLxy7jkhP9yWlh8YLWAl6SuxY0zXgqEKd5FevMWTwD6vfiZD7_67Y8Wernwf_-Gr6fyb14n8ZJBcUFfeirLZVm8OfY3hxhwOQtO6rp1VjySIFuNF26TFhXVzYH-U/w459-h678/-%204%20000_113.jpg" width="459" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Interior</i> (1954). Ól. s. lienzo, 130 x 89 cm. Colección particular.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="mso-bookmark: _Hlk122869485;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">A partir de ahí se fue
consolidando su trayectoria pictórica, con juegos de líneas y dibujos, en los
que podemos percibir ecos cubistas abiertos, así como también la voluntad de
plasmar la vida en profundidad en sintonía con el horizonte surrealista. Todo
ello se plasma en sus temáticas: retratos, bodegones, desnudos y escenas
activas, en las que el dinamismo y la fuerza expresiva se superpone a una
figuración no mimética. Ahí se sitúa Bores: pintar desde dentro, en
profundidad, el aroma de la vida.</span></span></span></span><span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p></o:p></span></span></span></p>
<span style="mso-bookmark: _Hlk124876934;"></span>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* <i style="mso-bidi-font-style: normal;">BORES. Madrid-París (1898-1972)</i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Comisaria:
</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Helvetica; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Genoveva
Tusell</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Residencia de Estudiantes, Madrid</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. </span></span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Del
26 de diciembre de 2022 al 16 de abril de 2023.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Publicado en EL CULTURAL: -
Edición impresa, 27 de enero – 2 de febrero, pg. 37. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">-Edición <i>online</i>: https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230130/francisco-bores-paris-busca-vanguardia/736426387_0.html<o:p></o:p></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-17386910959503606262023-01-21T10:20:00.003-08:002023-01-21T10:21:23.189-08:00Sorolla antes de Sorolla<p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm; margin-left: -49.65pt; margin-right: -42.9pt; margin-top: 0cm; margin: 0cm -42.9pt 0cm -49.65pt; mso-pagination: none; text-align: center; text-indent: 0cm;"><a name="_MailAutoSig"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18pt; line-height: 150%;">Los inicios de Sorolla</span></b></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><a name="_Hlk123470641"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">El valor de los artistas se fija en la memoria colectiva a
través del curso del tiempo, y para ello tienen una gran importancia las
actividades diversas que transmiten el recuerdo y la valoración de artistas que
ya no siguen vivos pero cuyas obras sí lo están. En este recién iniciado 2023,
tras la rememoración ya en proceso de Pablo Picasso en coincidencia con el
cincuenta aniversario de su fallecimiento, se abre también la atención hacia la
obra de otro de nuestros grandes artistas: Joaquín Sorolla (1863-1923), que
tendrá lugar a lo largo de 2023 y 2024, en este caso por el centenario de su
muerte.<o:p></o:p></span></a></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><a name="_Hlk123470641"></a></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkdt5uddwwqyJGEgS9iaSBPjz9anIDaZ6Jq1Wbf3tsXPAyjZdCwjRIM9ln_l4Xa5rC1hBzqhRMGvprt-ktBDeLTGJnUJLHW4JfuqXa-Oz9U5arqEtU2xouIhgLglMGDouZv9ywwPnSjiUKEuXFDBNzD1AO4Cev87QzHrf6fTI27jw0cgE1dGkV5PqO/s7016/-%20Caballero%20con%20banda,%201882.%20Museo%20Sorolla,%20inv.%201475%20copia.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="7016" data-original-width="5132" height="522" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkdt5uddwwqyJGEgS9iaSBPjz9anIDaZ6Jq1Wbf3tsXPAyjZdCwjRIM9ln_l4Xa5rC1hBzqhRMGvprt-ktBDeLTGJnUJLHW4JfuqXa-Oz9U5arqEtU2xouIhgLglMGDouZv9ywwPnSjiUKEuXFDBNzD1AO4Cev87QzHrf6fTI27jw0cgE1dGkV5PqO/w382-h522/-%20Caballero%20con%20banda,%201882.%20Museo%20Sorolla,%20inv.%201475%20copia.jpg" width="382" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Caballero con banda</i> (1882). Ól. s. lienzo, 78,2 x 57,5 cm. Museo Sorollla, Madrid.</div><p></p>
<span style="mso-bookmark: _Hlk123470641;"></span>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Sorolla. Orígenes</span></i></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;">, </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">según se indica explícitamente, intenta
desvelar un «Sorolla antes de Sorolla», presentando un conjunto de obras en su
mayor parte desconocidas públicamente. La muestra está articulada en cuatro
secciones: «Entre Valencia y Madrid», «La Exposición Regional de 1883», «Los
grandes premios», y «El arte de retratar». En ella se han reunido 93 obras: 67
pinturas, 26 fotografías documentales, 6 dibujos y otras piezas también
documentales. El propósito y objetivo está plenamente definido: se trata de
recorrer los inicios que llevaron a Sorolla a configurar y desarrollar sus
planteamientos artísticos.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Lo
que vamos viendo nos sitúa en el ámbito de lo difícil que resulta avanzar hasta
consolidar la vida plenamente en el trabajo artístico. En el caso de Sorolla,
siempre en el horizonte de la pintura, los inicios pueden situarse en
1878-1879, con su formación en las Escuelas de Artesanos, donde estudió dibujo,
y en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, a la vez que junto a las
clases trabajaba en el taller de cerámica de su tío José, todo ello en su
Valencia natal.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8Q8DKUKwEuRtyVN6IPjP0NdeJynPI_rcO4N60Mnwk3H1F6DtfkjODhjQxQxHO9_rVKOCMe7yI_3DjIf1oY-0t6Us8l5x6K_wXRHlWmBl32OAjzXOfJ_eP_6U85lcE37CCeHPHSC80y--2RfzaW5L7HqbVtgSt-vDjGZ50AxYSR6raI4mZXAk8wj7H/s7255/-%202%20La%20esclava%20y%20la%20paloma.%20Desnudo,%201883.%20Museo%20Sorolla,%20inv.%201484%20copia.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="7255" data-original-width="4046" height="733" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8Q8DKUKwEuRtyVN6IPjP0NdeJynPI_rcO4N60Mnwk3H1F6DtfkjODhjQxQxHO9_rVKOCMe7yI_3DjIf1oY-0t6Us8l5x6K_wXRHlWmBl32OAjzXOfJ_eP_6U85lcE37CCeHPHSC80y--2RfzaW5L7HqbVtgSt-vDjGZ50AxYSR6raI4mZXAk8wj7H/w408-h733/-%202%20La%20esclava%20y%20la%20paloma.%20Desnudo,%201883.%20Museo%20Sorolla,%20inv.%201484%20copia.jpg" width="408" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>La esclava y la paloma</i> (1883). Ól. s. lienzo, 148 x 86,5 cm. Museo Sorolla, Madrid.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Entre
1879 y 1881 va participando en diversas exposiciones en Valencia. En 1881 viaja
por primera vez a Madrid, y desde entonces y hasta 1883 estudia de manera
intensa en el Museo del Prado las obras de Velázquez, sobre las cuales hace
algunas copias, y también de Ribera.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Su
participación en Valencia en la Exposición Regional de 1883 y meses después en
Madrid en la Exposición Nacional de 1884 irán marcando su consolidación en la
escena artística de España, ya con la realización de cuadros de gran formato
por los que obtiene distinciones y premios. En 1884 obtiene una pensión de la
Diputación de Valencia para ir a estudiar a Roma, donde así pudo ampliar su
conocimiento y contacto con los clásicos.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimAVFITr5AlrZhM0QoMwiuJYosziR6uL7dlbzaceSGL6Q6Coaa6hofAEub-wd9td9SmAacwKKwJX0x8iDJuIAfVWF-Yky4skH97CkatrmPG9qefBbWn4aN6csrQEPoSCHJIvfwnCdKiL25airLEL0WigInIDtdMZf_07MioHZAUDs-ij61_IQVd6A3/s6629/-%203%20El%20oferente.%20Desnudo%20masculino,%201883.%20Museo%20Sorolla,%20inv.%201483%20copia.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="6629" data-original-width="4253" height="632" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimAVFITr5AlrZhM0QoMwiuJYosziR6uL7dlbzaceSGL6Q6Coaa6hofAEub-wd9td9SmAacwKKwJX0x8iDJuIAfVWF-Yky4skH97CkatrmPG9qefBbWn4aN6csrQEPoSCHJIvfwnCdKiL25airLEL0WigInIDtdMZf_07MioHZAUDs-ij61_IQVd6A3/w404-h632/-%203%20El%20oferente.%20Desnudo%20masculino,%201883.%20Museo%20Sorolla,%20inv.%201483%20copia.jpg" width="404" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>El oferente</i> (1883). Ól. s. lienzo, 149 x 99 cm. Museo Sorolla, Madrid.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Todo
ese flujo, complejo y lleno de factores determinantes de lo que acabaría siendo
el Sorolla maduro, es lo que la muestra nos transmite con buenos criterios de
ordenación y montaje expositivo.</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Dos
pinturas de 1884 nos permiten ver su interés por los dramáticos sucesos de los
enfrentamientos con la Francia napoleónica en la Guerra de la Independencia.
Uno de ellos: <i>2 de mayo</i>, se encuentra actualmente en el Museo del Prado,
pero aquí podemos ver un intenso y ya muy completo boceto. El otro cuadro: <i>El
grito del Palleter</i>, nos permite ver a un labrador de los que vendían paja,
un personaje histórico real que tuvo un importante papel en la contienda. La
acumulación de figuras en ambos casos nos transmite la intensidad plástica con
la que Sorolla era capaz de representar pictóricamente, ya entonces, los
rostros, cuerpos, y modulaciones de los seres humanos.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEFP8ckqrhl4l-Krz9bm9EveVCM82RPID-rkXHLdQLPcVMx-i-jT6jOPoqhlHMTZShAIFmNba7ko6HDCrOyavBuuahqnNXsYjFq4fe1XeKfUtWWZeCMEsYt0t7em5owEaTqZcs2rWYY9zQstvda8OL43PVIbiOSlldXNACSbUvdYa3nzjXwfWj1tko/s8251/-%204%20Boceto%20de%20conjunto%20para%20el%20Dos%20de%20mayo,%201884.%20Colecci%C3%B3n%20particular.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4868" data-original-width="8251" height="292" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEFP8ckqrhl4l-Krz9bm9EveVCM82RPID-rkXHLdQLPcVMx-i-jT6jOPoqhlHMTZShAIFmNba7ko6HDCrOyavBuuahqnNXsYjFq4fe1XeKfUtWWZeCMEsYt0t7em5owEaTqZcs2rWYY9zQstvda8OL43PVIbiOSlldXNACSbUvdYa3nzjXwfWj1tko/w495-h292/-%204%20Boceto%20de%20conjunto%20para%20el%20Dos%20de%20mayo,%201884.%20Colecci%C3%B3n%20particular.jpg" width="495" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i style="font-family: "Times New Roman";">Boceto de conjunto para el Dos de Mayo</i><span style="font-family: "Times New Roman";"> (1884). Ól. s. lienzo, 61,8 x 104,4 cm. Col. particular.</span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Junto
a diversas variantes, destacan también algún bodegón, las representaciones de
desnudos masculinos y femeninos, en ciertos casos asociados a temáticas
mitológicas, así como algunas marinas, paisajes, y retratos en los que ya vemos
algunas de las temáticas centrales del Sorolla maduro. Particularmente
relevante es la pintura <i>Mis amigos</i> (1884), considerada como un conjunto
de estudios de ocho cabezas masculinas, de quienes fueron probablemente sus
modelos para los cuadros de historia, y que impresiona por su fuerza expresiva.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCxbBfmIbkfPDM5gbuEwZpTiqNtbbX57USdNnHE39bIwNqj4sb_ROhnXErNJrG8QIl8WCtBog6xq8gDZUpB9ejXJ5VBWE7r3yAi4LbAWoAN4cpfDoYflu5yC6JAnURm8LApepM_4PFPwNHcMdiqXm_xyS-crPZAbLAbgq5KGPNWfOH5FhYFJVy8eRo/s3336/-%205%20El%20grito%20del%20Palleter%20o%20El%20Palleter%20declarando%20la%20guerra%20a%20Napole%C3%B3n,%201884.%20Diputaci%C3%B3n%20de%20Valencia%20copia.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2502" data-original-width="3336" height="378" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCxbBfmIbkfPDM5gbuEwZpTiqNtbbX57USdNnHE39bIwNqj4sb_ROhnXErNJrG8QIl8WCtBog6xq8gDZUpB9ejXJ5VBWE7r3yAi4LbAWoAN4cpfDoYflu5yC6JAnURm8LApepM_4PFPwNHcMdiqXm_xyS-crPZAbLAbgq5KGPNWfOH5FhYFJVy8eRo/w503-h378/-%205%20El%20grito%20del%20Palleter%20o%20El%20Palleter%20declarando%20la%20guerra%20a%20Napole%C3%B3n,%201884.%20Diputaci%C3%B3n%20de%20Valencia%20copia.jpg" width="503" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>El grito del Palleter</i> (1884). Ól. s. lienzo, 154 x 205 cm. Diputación de Valencia, Valencia.</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">En
definitiva, </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Sorolla. Orígenes</span></i></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> es
como un portal que al abrirse nos lleva a lo que será el gran Sorolla pintor,
uno de los más relevantes</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"> en
la transición entre los siglos XIX y XX, con su dominio de la luz, las imágenes
marítimas, y el retrato, como ejes.</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-font-style: italic;"> </span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p> </o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sorolla. Orígenes</i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Comisario:
</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Helvetica; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Luis
Alberto Pérez Velarde</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">, Museo Sorolla, Madrid</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. </span></span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Del
19 de diciembre de 2022 al 19 de marzo de 2023.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Publicado en EL CULTURAL: -
Edición impresa, 13 – 19 de enero, pgs. 34-35. Edición <i>online</i>: https://www.elespanol.com/elcultural/arte/20230118/sorolla/733426652_0.html<o:p></o:p></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-87034839043398031642023-01-15T04:57:00.000-08:002023-01-15T04:57:25.814-08:00Dos exposiciones en Madrid<p style="text-align: center;"> <a name="_MailAutoSig" style="text-align: center; text-indent: 0cm;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 18.0pt; line-height: 150%;">Flor Garduño: De la oscuridad a la luz</span></b></a><b style="text-align: right; text-indent: 14.2pt;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p> </o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Pueden
verse a la vez en Madrid dos excelentes exposiciones de la fotógrafa mexicana
Flor Garduño (nacida en Ciudad de México en 1957). En la Casa de México se han
reunido 69 fotografías, datadas de 1982 a 2016. En la Galería Blanca Berlín
podemos ver otras 13, con formatos más grandes y técnica de impresión
diferente, entre ellas sólo una está también en la Casa de México, aunque allí
en un formato más reducido. <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsnwXJML5V_b-d3vlXpdnffnfGP6ghUAaofIBF1qz0mVYyVFm7FXH5_-1BM-Vhw6Vi5hcdh0R0EPb4OfcGNbFGcHj-iqV2_hSbasfJV0PfdF3cGfF0FXxStmab7Q-BPzrNFVKFdZodVsGiYaFkcIBvAiZ6Q-P3zH1PpUACWCG9XGKAaZHjijoAkXos/s2367/-%201%20Camino%20al%20camposanto%20(Ecuador,%201988).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1636" data-original-width="2367" height="337" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsnwXJML5V_b-d3vlXpdnffnfGP6ghUAaofIBF1qz0mVYyVFm7FXH5_-1BM-Vhw6Vi5hcdh0R0EPb4OfcGNbFGcHj-iqV2_hSbasfJV0PfdF3cGfF0FXxStmab7Q-BPzrNFVKFdZodVsGiYaFkcIBvAiZ6Q-P3zH1PpUACWCG9XGKAaZHjijoAkXos/w488-h337/-%201%20Camino%20al%20camposanto%20(Ecuador,%201988).jpg" width="488" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Camino al camposanto </i>(Ecuador, 1988). </div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Flor
Garduño estudió Artes Visuales en la Antigua Academia de San Carlos entre 1976
y 1978. Inmediatamente se interesó en la fotografía, y entre 1979 y 1980 pasó a
trabajar como asistente en el estudio de Manuel Álvarez Bravo (1902-2002), uno
de los fotógrafos más relevantes de su país. El comienzo del desarrollo
personal de su obra se puede situar en 1982.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Desde
entonces hasta ahora, Flor Garduño ha ido desplegando una intensísima
actividad, siempre en el ámbito de la fotografía, mostrando públicamente sus
imágenes en una larga serie de libros y numerosas exposiciones. Un rasgo visual
es central y determinante en su obra: la utilización permanente del blanco y
negro, lo que le permite subrayar el contraste entre formas y espacios, entre
las sombras y las luces.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiem1982A8FYQU00t_S4sQTSGayY7m2yN59BTThQbq-IsYI-IuQyXl1ggR4hIiL-sZGAoFoYZoy1DUTAoFULy-83D6OVTr4lT46GAYWK2uK-UtgeO90LMmPJW3V4bbSS6gduNWVJ9bnC29rZIqaKne1t0uNvJpDSBDjevRdB3B2NS-BH-ubSMYRlpZe/s245/-%202%20Caballo%20con%20c%C3%ADrculo%20(USA,%201993).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="245" data-original-width="169" height="497" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiem1982A8FYQU00t_S4sQTSGayY7m2yN59BTThQbq-IsYI-IuQyXl1ggR4hIiL-sZGAoFoYZoy1DUTAoFULy-83D6OVTr4lT46GAYWK2uK-UtgeO90LMmPJW3V4bbSS6gduNWVJ9bnC29rZIqaKne1t0uNvJpDSBDjevRdB3B2NS-BH-ubSMYRlpZe/w343-h497/-%202%20Caballo%20con%20c%C3%ADrculo%20(USA,%201993).jpg" width="343" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Caballo con círculo</i> (U.S.A., 1993)</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Garduño
es, además, una fotógrafa intensamente viajera, y en sus desplazamientos por
muy diversas naciones y territorios del planeta proyecta sus raíces
originarias, mexicanas, en un horizonte de universalidad. En ningún caso
encontramos mera inmediatez o circunstancialidad en sus imágenes, que se sitúan
así plenamente en un ámbito artístico que tiene como base central la pregunta,
la interrogación, acerca de aquello que vemos en ellas. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Los
ejes temáticos que aborda nos llevan a los animales, la naturaleza, las
construcciones arquitectónicas, los desnudos femeninos, los retratos de
personalidades intelectuales (entre ellos, uno magnífico de Antoni Tàpies), y
las referencias a artistas. <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOb8KvbsmYYjcXdIxZrm5hGHyEp-Q9gk5UsCJIrfcUM9u4r8jJjHrJogpDvZszvAGCsRzzEFyFkQgMJ66UFm4xEWTRY3_eXKcCr1wCjTZRDGsX_yOL6ZhMygOIYWgvyj4xxnC7jLTbCxPq-OVJncE20F0wI8ST45D82X6CNfjBkSxqhMPgODf9GCMN/s1642/-%203%20Moneda%20(Suiza,%202001).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1642" data-original-width="1219" height="455" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOb8KvbsmYYjcXdIxZrm5hGHyEp-Q9gk5UsCJIrfcUM9u4r8jJjHrJogpDvZszvAGCsRzzEFyFkQgMJ66UFm4xEWTRY3_eXKcCr1wCjTZRDGsX_yOL6ZhMygOIYWgvyj4xxnC7jLTbCxPq-OVJncE20F0wI8ST45D82X6CNfjBkSxqhMPgODf9GCMN/w339-h455/-%203%20Moneda%20(Suiza,%202001).jpg" width="339" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Moneda</i> (Suiza, 2001).</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Los
vínculos con los animales son determinantes en la trayectoria de Flor Garduño,
que de niña vivió con un perro, un venado y veinte pájaros. La naturaleza se presenta
en contraste con las construcciones arquitectónicas, que nos protegen y nos
encierran. Los desnudos femeninos dialogan con los objetos, reclamando una
posición de fuerza y vida en los cuerpos de las mujeres, algo que se hace
particularmente evidente en la obra <i>Moneda</i> (2001), en la que una mujer
desnuda empuña una espada que la cubre frontalmente desde los pies a la cabeza.
<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">En
relación con las referencias a artistas encontramos en la Casa de México una
fotografía con el título <i>Arqueología de Duchamp</i> (2014), con una clara
alusión en la imagen al <i>ready-made</i> de éste <i>Rueda de bicicleta</i>
(1913). Y también otra titulada <i>Magritte</i> (2016), en este caso con una
alusión obvia a la importancia de las nubes en la obra del artista belga. <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTNhS2b9_TI1y8SgfXwkNSwxmrbvseRBzaG_OzoTa_lSdhMsFotvwEx6dVvEQ_UWOzzeZyec4J8ocawsJNxDjej950hwK3dkSCXjkYqSB6dm1wstvu-b1epy8BJLY6incWy2DIAkra7ciaglWmaVQ8DdNEixtJ_nuGeHcM06trI-dqt14zxTOMUkJe/s4897/-%204%20Mariana%20Yampolski%20(M%C3%A9xico,%202000).JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3655" data-original-width="4897" height="352" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTNhS2b9_TI1y8SgfXwkNSwxmrbvseRBzaG_OzoTa_lSdhMsFotvwEx6dVvEQ_UWOzzeZyec4J8ocawsJNxDjej950hwK3dkSCXjkYqSB6dm1wstvu-b1epy8BJLY6incWy2DIAkra7ciaglWmaVQ8DdNEixtJ_nuGeHcM06trI-dqt14zxTOMUkJe/w473-h352/-%204%20Mariana%20Yampolski%20(M%C3%A9xico,%202000).JPG" width="473" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i>Mariana Yampolski</i> (México, 2000).</div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;">Con
ello podemos apreciar la importancia del sustrato conceptual y surrealista en
la articulación de las imágenes de Flor Garduño. Lo que nos plantea en cada una
de sus piezas es mirar más a fondo: no quedarse en la mera inmediatez, sino
llegar a ver. En definitiva, saber apreciar el contraste en todo lo que vemos,
comprender que lo distinto tiene unidad con nosotros, pasar de la oscuridad a
la luz.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p> </o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: BookmanOldStyle; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: BookmanOldStyle;"><o:p><br /></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Flor Garduño, la construcción del instante</i></span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Coordinación:
</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Helvetica; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Ximena
Caraza Campos</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Fundación Casa de México, Madrid</span></span><span style="mso-bookmark: _MailAutoSig;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. </span></span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Del
15 de diciembre de 2022 hasta el 12 de febrero de 2023.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Flor
Garduño</i></span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-family: Arial; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Galería Blanca
Berlín, Madrid</span><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">. Del 17 de diciembre de 2022 hasta el 11 de
febrero de 2023.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 0cm;"><span style="color: black; font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Publicado en EL CULTURAL: - Edición impresa, 6 – 12 de enero, pg.
28. - Edición <i>online</i>: https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230114/fotografa-mexicana-flor-garduno-madrid-partida-oscuridad/731926925_0.html<o:p></o:p></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8241451696034262687.post-51364512858539269252023-01-03T03:55:00.000-08:002023-01-03T03:55:08.519-08:00Libro de Baudelaire<p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -1.0cm; margin-right: -35.8pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none; text-align: center; text-indent: 0cm;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 20.0pt; line-height: 150%;">Baudelaire:
<o:p></o:p></span></b></p>
<p align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -1.0cm; margin-right: -35.8pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none; text-align: center; text-indent: 0cm;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; font-size: 20.0pt; line-height: 150%;">La
mejor crítica brota de la poesía</span></b></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Baudelaire
(1821-1867) siempre vuelve... Son muy numerosas las versiones en español no
sólo de sus poemas, también de sus escritos sobre temáticas diversas. Porque
ese es el núcleo central de Baudelaire: el perfil de alguien que vivió de un
modo especialmente intenso <i>en la escritura</i>, esa fue su forma de estar en
el mundo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Hay no pocas
ediciones de sus escritos de crítica artística en nuestra lengua, y ahora nos
llega una nueva, una excelente selección de escritos sobre esa temática en toda
su diversidad: críticas sobre artes visuales, literatura y música. En este
libro encontramos un rasgo referencial: teniendo en cuenta sus diferencias
expresivas y de soporte, Baudelaire plantea que las distintas prácticas
artísticas participan en sus raíces de una unidad, la representación en imágenes
con una perspectiva de conocimiento y de modulación ética. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -0.1pt; text-align: center; text-indent: 1cm;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi45rHe_Vc78b1GhY6LirQgWsnbKyQaAyf6XHjJp61rpBuog8nJ2fAAe8rjCpgCqH6KnH0ZjFt7RXQP9Po3IorP3dnWaZ8xSygEQXI-tsAL2r2iQgZ0eqtChzZmqhaJtAVS68w2isVDPXuxsjQFKd-1Nc5-61dS-8g8gl12VKYwpa5pd1nb_Hv0mS5Z/s2551/7%20Baudelaire.%20Escritos%20sobre%20arte%20literatura%20y%20musica..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2551" data-original-width="1595" height="547" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi45rHe_Vc78b1GhY6LirQgWsnbKyQaAyf6XHjJp61rpBuog8nJ2fAAe8rjCpgCqH6KnH0ZjFt7RXQP9Po3IorP3dnWaZ8xSygEQXI-tsAL2r2iQgZ0eqtChzZmqhaJtAVS68w2isVDPXuxsjQFKd-1Nc5-61dS-8g8gl12VKYwpa5pd1nb_Hv0mS5Z/w342-h547/7%20Baudelaire.%20Escritos%20sobre%20arte%20literatura%20y%20musica..jpg" width="342" /></a></div><p></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Los escritos
reunidos aparecieron originalmente en publicaciones periódicas, a los que se
une al final una selección de textos de diferentes temáticas publicados
póstumamente. El volumen cuenta con dos textos de introducción de uno de los
grandes expertos en Baudelaire: el teórico y ensayista italiano Giovanni
Macchia (1912-2001). Lamentablemente, no se indica la datación de esos dos
textos, pero su interés es indudable y nos sitúan ya de entrada en una
magnífica vía de entrada en la sensibilidad y objetivos de los escritos
críticos de Baudelaire. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Es sumamente
interesante la vinculación que señala Macchia entre Baudelaire y Edgar Allan
Poe, a quien caracteriza como su “espíritu fraterno”, y como su “alter ego”.
Baudelaire tradujo textos de Poe, y Macchia señala que el arranque de uno de
sus textos más importantes <i>Mi corazón al desnudo</i> [<i>Mon coeur mis à nu</i>]
habría brotado de su lectura del texto <i>Marginalia</i> (1836), de Edgar Allan
Poe.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">El lazo
profundo entre poesía y crítica es el núcleo central y lo que da consistencia a
todos los escritos críticos de Baudelaire. En el único texto de crítica musical
<a name="_Hlk122366003">aquí editado, sobre la </a>figura de Wagner, a quien
consideraba un “genio” (pg. 751), podemos leer lo siguiente: “Sería prodigioso
que un crítico se convirtiera en poeta y es imposible que un poeta no lleve en
sí un crítico. No sorprenderá, pues, al lector que considere al poeta como el
mejor de todos los críticos” (pg. 735).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">En su escrito
sobre la Exposición Universal de 1855, Baudelaire indica que para llegar a
comprender “la belleza universal” es necesario que se produzca una
transformación que nos lleve al “cosmopolitismo”, y los mejor dotados para ello
serían los “viajeros solitarios”, quienes “conocen la admirable, la inmortal,
la inevitable relación entre la forma y la función.” (pg. 175). Frente a la
asociación del “buen crítico” con lo que llama “el profesor-jurado, especie de
tirano-mandarín”, Baudelaire sitúa la buena crítica en la capacidad para captar
y entender la extrañeza, característica central de lo bello (pgs. 177-178).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Acompañarle
en su viaje a través de sus escritos nos permite apreciar la gran capacidad de
comprensión y transmisión para los demás de este intenso “viajero solitario”, <i>poeta-crítico</i>,
que fue el primero en formular una teoría de la modernidad estética, fijando
con ello antecedentes de relieve para el nacimiento y despliegue de las
vanguardias artísticas. En su escrito “El pintor de la vida moderna” (1863),
leemos: “La modernidad es lo transitorio, lo fugitivo, lo contingente, la mitad
del arte, cuya otra mitad es lo eterno e inmutable.” (pg. 346). Baudelaire: la
mirada crítica del poeta, viajando solitario a través de las artes en los
ciclos del tiempo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify; text-indent: 1.0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 150%; margin-right: -.1pt; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Charles
Baudelaire: <i>Escritos sobre arte, literatura y música (1845-1866)</i>. Prólogo
de Giovanni Macchia, Selección, notas y traducción de José Ramón Monreal. Acantilado,
Barcelona, 2022. XLIX + 987 pgs.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; mso-layout-grid-align: none; text-autospace: none; text-indent: 0cm;"><span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">* Publicado en EL CULTURAL: - Edición
impresa, 30 de diciembre, pg. 29. * Edición <i style="mso-bidi-font-style: normal;">online</i>,</span>
<a href="https://www.elespanol.com/el-cultural/letras/20230103/charles-baudelaire-critico-perspicaz-temible/729677404_0.html">https://www.elespanol.com/el-cultural/letras/20230103/charles-baudelaire-critico-perspicaz-temible/729677404_0.html</a>
<span style="font-family: "Georgia",serif; line-height: 150%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"><o:p></o:p></span></p>José Jiménezhttp://www.blogger.com/profile/14188233632279777332noreply@blogger.com0