Exposición en la Galería Marlborough, Madrid

El mestizaje de las artes

Estamos ante una exposición de la Galería Marlborough que propone hacer eco de sus más de tres décadas de presencia en Madrid. Y lo hace reuniendo a 24 artistas, cinco veteranos de la Galería: Luis Gordillo, Juan Navarro Baldeweg, Soledad Sevilla, Alfonso Albacete y Francisco Leiro, en diálogo con veinte artistas (dos de ellos, fundidos en uno: MP & MP Rosado, gemelos de nacimiento). Todos ellos, españoles -con la única excepción del artista danés Rasmus Nilausen- y nacidos entre la década de los treinta y la de los ochenta del siglo XX. En la propuesta se plantea subrayar la atención de la Galería al arte español.

Luis Gordillo: Oremus (2020). Acrílico sobre lienzo, 282 x 180 cm,

Y así, además de los ya mencionados, estos son los otros 17 artistas presentes: Elena Alonso, Victoria Civera, Jorge Diezma, Juan del Junco, Arancha Goyeneche, Juan López, Cristina Lucas, Nacho Martín Silva, Guillermo Mora, Juan Muñoz, Pere Llobera, Sara Ramo, Rubén Ramos Balsa, Julia Santa Olalla, Leonor Serrano Rivas, Teresa Solar y Vicky Uslé. Como podrá apreciarse, así se nos sitúa ante un panorama de las últimas décadas del arte español de un indudable interés.

El título: «Encuentros atemporales», hace referencia al concepto utilizado por el comisario, que apunta a temáticas convergentes, pero no a dimensiones de fechas. No se pretende “historiar”, ni establecer pautas de valoración de los artistas. Lo que se busca es mostrar los diálogos, en líneas muy diversas, entre unos y otros artistas en el curso del tiempo.

Juan Muñoz: Mobiliario XVIII (1996). Grabado a la manera negra, 160 x120 cm.

Con ese planteamiento, la elección de las obras reunidas se ha centrado en la atención de estas a una variedad de temas: la imagen, la ciencia, la naturaleza, las ciudades, la abstracción, la figura (humana y otras), así como el contraste entre la pintura y otros géneros artísticos. Todo ello da lugar a una gran diversidad de técnicas y soportes: pintura, dibujo, escultura, collages, fotografía, instalaciones, e instrumentos eléctricos.

Aparte de la atención concreta que suscita cada una de las obras reunidas, pienso que en conjunto lo más destacable es que el contraste y diálogo entre ellas nos permiten apreciar los cambios dinámicos que las artes han ido experimentando en nuestro tiempo. En el texto del catálogo, Mariano Navarro indica explícitamente el eje determinante de la exposición: “Sostengo como un concepto central que el trabajo artístico es el fruto de una prolongada conversación en el tiempo en la que participan varios interlocutores: el artista, los artistas que le precedieron en el tiempo, los que le acompañan en el suyo, y, finalmente, el espectador.”

Cristina Lucas: Girando en el austero ballet de las estrellas fondo amarillo Peter Sloterdijk (2023). Pigmentos, rocas y elementos, 180 x 220cm.

Lo que en las últimas décadas se ha ido viviendo en el curso de las artes tiene que ver con un proceso de avance de la intercomunicación circular, de apropiación y distinción, respecto a la inmediatez estética, a la mera utilización práctica o comunicativa de la imagen. Con ello, las artes han ido trascendiendo los límites semióticos, abriendo su inserción en un continuo global de la representación, de la imagen, del cual en un sentido forman parte, a través de un proceso de mestizaje, de hibridación.

Esto no significa, como a veces superficialmente se afirma, que el dibujo, la pintura, o la escultura, hayan “desaparecido”, ya que en el terreno de la representación visual son formas radicales de expresión, similares a lo que es la poesía en el universo del lenguaje. Por tanto, no pueden desaparecer nunca, siempre que hablemos de humanidad, incluso en su fusión con los diversos soportes técnicos. Lo que sí sucede es que su contexto, sus criterios de validez, y los espacios que ocupan en el universo de las artes se ven alterados profunda y radicalmente.

MP&MP Rosado: Segundo cuerpo (2023). Arcilla cocida y pigmentos, 165 x 70 x 70cm.

A la vez que forman parte de ese continuo de la representación, el modo específico de hacerlo de las distintas artes es el de la singularización, algo que apreciamos con intensidad en cada una de las obras de esta exposición. En nuestro tiempo la obra de arte tiene el sentido principal de una ruptura, de una diferenciación en la cadena indistinta de signos que constituye el universo cultural de las sociedades de masas. Frente a la globalización comunicativa, el arte aísla, corta, detiene, ralentiza, acelera, invierte y subvierte. En definitiva: diferencia la imagen.

Guillermo Mora: Una semana de estudio (2022. Papel, acrílico, grapas y DM, 204 x 147 x 21 cm. 

Y todo ello es lo que esta sugestiva muestra nos permite apreciar al poner ante nuestros ojos el diálogo de los artistas entre sí y con los públicos, en el curso del tiempo: la separación determinista de los géneros y soportes artísticos ha dejado de tener consistencia desde hace ya décadas. El arte de nuestro tiempo tiene como impulso central el mestizaje de las formas y soportes, tanto visuales como verbales y sonoros. Ese es el horizonte actual de las artes, abierto y pleno de dinamismo.

 

* Encuentros Atemporales. Comisario: Mariano Navarro. Galería Marlborough, Madrid. Del 1 de junio al 22 de julio.

* Publicado en EL CULTURAL:

- Edición impresa, 16 – 22 de junio, pgs. 38-39.

- Edición online: https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230624/veinticuatro-creadores-veinticuatro-disparos-horizonte-mestizo-espanol/770922903_0.html

 

 

Jorge Macchi en Madrid...

 Jorge Macchi: La interrogación de la mirada

Esta sugestiva exposición nos lleva ante las obras de uno de los artistas actuales argentinos más consistente y de mayor relevancia internacional: Jorge Macchi (Buenos Aires, 1963), de quien ya se pudo ver una amplia retrospectiva en el CA2M de Móstoles en 2017. En esta ocasión, en diálogo con las tres salas de la Galería, se presentan ocho obras, algunas de ellas instalaciones de gran formato.

Las islas vírgenes (2023). Litografía, 53 x 59 cm.

El título de la muestra: «Las Islas Vírgenes» (2023), es el eco de una litografía en la que vemos un mapa del archipiélago, en el que las figuras de las islas están sustituidas por las palabras que designan los lugares. Este procedimiento: la sustitución de las formas de representación por palabras nos da una de las claves más profundas de la línea de trabajo de Macchi, para quien la verdadera visión sólo puede surgir de una interrogación profunda de lo que creemos ver, de la mirada espontánea.

El juego con las palabras y sus significados es un elemento central de su trayectoria. Como también las preguntas acerca de cómo percibimos el tiempo y sus criterios de medida. Esta cuestión aparece aquí en la instalación «3AM» (2023), con la esfera de un reloj grande inserta en las paredes con lo que sólo podemos tener una visión fragmentada del tiempo en cada una de las tres salas. Algo que alude a la diversidad de la medida del tiempo según los lugares geográficos en los que estamos, y también a la mirada partida por la falta de concentración en la vida cotidiana.

Verdaderamente impresionante es la instalación «Diccionario de palabras muertas» (2023), elaborada con las reproducciones de los rótulos de entrada de un diccionario, de la A a la Z, que se asemejan a los nichos habituales en los santuarios y que se desplazan de arriba a abajo en una pared. Con esa ubicación, no podemos acceder a las palabras, aunque eso sí permanecerían en nuestro recuerdo como los nichos que rememoran a los fallecidos.

El señor de las moscas (2022). Alpaca, soldadura de plata y malla de mosquitero, 20 x 26 x 21 cm.

El juego y contraste de las dimensiones, entre lo grande y lo pequeño, también se sitúa ante nuestros ojos, en este caso con «El señor de las moscas» (2022), una estructura de pequeño formato inserta en la parte superior de la pared que reproduce en una escala 1:10 el tipo de vallas utilizadas en los controles policiales. El título, que reproduce el de la novela de Wiiliam Golding publicada en 1954 y que se llevó después al cine en 1990, juega en este caso con la confrontación de las vallas para detener a los humanos y los filtros que se usan para impedir la penetración de los insectos, pues en la pieza la valla está hecha con una malla de mosquitero.

Scarface (2022). Impresión, 32 x 25 cm.

Otra gran instalación, con el título «Scarface» [«Cara cortada»] (2022), nos muestra doce retratos en color de rostros alineados en la pared. Los retratos son recortes de reproducciones gráficas de imágenes en medios de comunicación, y con el título “cara cortada” se alude al carácter fragmentario y distorsionado de lo que vamos viendo con rapidez y falta de atención.

Hay también otra instalación: «Debajo de la alfombra» (2023), un cuadrado de gran formato cubierto con alfombras pero que se presenta invertido apoyado sobre una columna, lo que nos permite ver el suelo que habitualmente cubren las alfombras. Y una intervención con letras, con los nombres de los océanos: Pacífico/Atlántico, en el ángulo de unión de dos paredes de la sala, alude con su nombre: «El último continente» (2023), según palabras del propio Macchi, a “un continente que permanece invisible y que está más allá de un pliegue del espacio, más allá del continente que es el espacio de la galería.”  

Lo que vemos antes de entrar en las salas...

Las máscaras de la tragedia (2022). Cerámica esmaltada, 24 x 31 x 8 cm. c/u.

Después del recorrido, al salir volvemos a encontrar la pieza situada en la entrada: «Las máscaras de la tragedia» (2022). Se trata de dos piezas de cerámica esmaltada que son imágenes de los enchufes habituales, pero que al agrandar su formato y buscar en ellos una representación esquemática de los rostros humanos nos hablan como si fueran espejos de tristeza y de cuestionamiento. Ahí nos lleva Jorge Macchi: al juego con la visualización de las formas y su inserción en los espacios, a la interrogación profunda acerca de lo que miramos.

 

* Jorge Macchi: Las Islas Vírgenes. Galería Elvira González, Madrid. Del 11 de mayo al 15 de julio.

* Publicado en EL CULTURAL:

- Edición impresa, 19 – 25 de mayo, pgs. 36-37.

- Edición online: https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20230528/sugestion-despiste-juegos-visuales-artista-jorge-macchi/765673427_0.html