Exposición en París...

Leonora Carrington: Animal humano hembra

Es todo un acontecimiento: se trata de la primera exposición monográfica en Francia de Leonora Carrington (1917-2011), una de las figuras femeninas más relevantes en el arte del siglo XX. Se han reunido 126 obras, en su mayor parte de ella, pero también otras de artistas con los que mantuvo contacto, y un conjunto de fotografías que nos transmiten directamente su imagen y su personalidad.

Se puede decir que el núcleo central del trabajo artístico de Leonora Carrington es la autorrepresentación: la visión de sí misma en una proyección intensa en retratos dinámicos, metamorfosis, y síntesis con figuras mitológicas y animales expresivos. Con todo ello estamos ante una cuestión central: el carácter cambiante y fluido de la identidad, algo que nos sitúa ante una clave decisiva de su vinculación con el surrealismo.

                Doble retrato [Autorretrato con Max Ernst] (1938). Ól. s. lienzo, 65,4 x 81,9 cms.                     Colección particular.
 

Nacida en Inglaterra, en el condado de Lancashire, su trayectoria se articula a través de un proceso continuo de viajes: de Florencia a París, del Sur de Francia a España, y culminaría en la etapa más larga de su vida en México, donde acabaría convirtiéndose en una figura de culto. Viajes y metamorfosis, interior y exterior: mezcla de lo humano, lo animal, lo vegetal y lo imaginario… De ahí la síntesis entre surrealismo, mitología y esoterismo.    

La exposición se articula en seis secciones: 1) En los orígenes de un gran viaje interior, 2) La Esposa del Viento (viaje a través del surrealismo), 3) Extrañamiento: memoria de los orígenes, nostalgia de las riberas, 4) El viaje de la heroína, 5) La oscuridad luminosa, y 6) La cocina alquímica.

Artes, 110 (1944). Ól. s. lienzo, 63 x 84 cms. NSU Art Museum Fort Lauderdale.

La primera sección se centra en los inicios de su trabajo artístico, con sus orígenes en la Inglaterra de comienzos del siglo XX y una estancia en Florencia en la apertura de los años treinta. La imaginación de su infancia, nutrida con cuentos de hadas y literatura fantástica se va abriendo a la representación pictórica de lo fantástico y en Italia al contacto con las obras de los artistas clásicos. Las obras reunidas en la sección son acuarelas, en algunos casos con textos escritos en ellas.

El título de la segunda sección: La Esposa del Viento, es el término que empleó para caracterizarla Max Ernst, quien se convirtió en su pareja durante el tiempo que se produjo su inmersión en el surrealismo. Carrington y Ernst vivieron juntos en Francia, hasta que en 1940 Ernst fue arrestado como enemigo potencial de Francia, y entonces sus caminos se separan. Carrington se marcha a España, pero en Madrid es víctima de una violación colectiva,  tras lo cual la internaron en Santander en un sanatorio psiquiátrico, donde fue sometida a un régimen severo, que vivió como una intensa tortura. En 1941 se marchó a Nueva York donde estableció contactos con los surrealistas allí exiliados. En sus obras de esta etapa predominan las figuras de animales en una síntesis con lo humano y las proyecciones fantásticas.

Ballerina II (1954). Óleo y hoja de oro sobre masonita, 30,5, x 22,5 cms. Colección particular.

 

El extrañamiento de la tercera sección marca el inicio en 1942, cuando  Leonora se instaló en México, donde permaneció hasta el final de su vida. Su pintura alcanzó entonces  una magnificación intensa, con una profunda dimensión introspectiva. En 1946, allí se casó con el fotógrafo de origen húngaro Emérico “Chiki” Weisz, con quien tendría dos hijos: Gabriel y Pablo. En  1948 presentó su primera exposición en Nueva York, lo que marcó un momento decisivo en su reconocimiento internacional.

El título de la cuarta: El viaje de la heroína, está tomado del escritor y especialista en mitología Joseph Campbell, y tiene que ver con las representaciones míticas  y transculturales de los viajes heroicos, que marcan profundamente el trabajo de Leonora Carrington entre los años cincuenta y el comienzo del siglo XX.

Dando de comer a una mesa (1959). Ól. s. lienzo, 57 x 70 cms. Colección particular.

En la quinta sección: La oscuridad luminosa, recorre la obra de Carrington a través de los “lugares oscuros del conocimiento”, en relación con su interés por la magia, el tarot, la alquimia, la astrología, el espiritismo y otras tradiciones esotéricas de la antigüedad que van los años cincuenta a los setenta.

Y finalmente, la sexta sección: La cocina alquímica, es una metáfora que integra la utilización por Carrington de las tradiciones mágicas y el simbolismo esotérico en una síntesis o “cocinamiento”, que alude también a su pasión culinaria. En ella se reúnen obras que van de 1943 a 1975.

El trabajo artístico de Leonora Carrington se despliega sobre todo a través de la pintura: con dibujos, collages, grafitos, y cuadros al óleo.  También utiliza en algunas ocasiones figuras escultóricas con soportes de madera. Lo que vemos en sus obras es en todo momento figuras, pero la figuración se une a un juego de fluidos con líneas y espacios difusos de diversos colores. Podríamos así decir que se trata de una figuración dinámica, que busca transmitir el carácter dinámico de los seres y la realidad.

 

Quería ser pájaro (1960). Ól. s. lienzo, 120 x 90,2 cms. Oowland Weinstein.

Y es muy importante tener en cuenta la dimensión profunda de pensamiento y teoría que caracteriza a Leonora Carrington. En un texto personal de 1970, que tiene el título “Animal humano hembra” subraya en  el inicio la dimensión metamórfica: “Hace cincuenta y tres años nací animal humano hembra. Eso, me dicen, quería decir que yo era una mujer, pero nunca he comprendido qué querían decir con eso.”

Tras una serie de reflexiones sobre la comprensión y la interrogación de quiénes somos, acaba el texto con una explícita reivindicación de la feminidad: “Si nosotras las mujeres continuamos siendo pasivas, pienso que entonces hay poca esperanza de que la vida sobreviva sobre este planeta.” Todo esto es decisivo para entender a fondo el carácter de Leonora Carrington: para ella es crucial su autoafirmación como mujer.

 

* Leonora Carrington. Musée du Luxembourg, París. Comisariado: Tere Arcq y Carlos Martín. Hasta el 19 de julio.

                 * Publicado en EL CULTURAL:  - Edición impresa: 17 de abril de 2026, pgs. 30-31. 

             

Exposición en Madrid

 

La luz del arte en el tiempo 

Exposición en Madrid

 

Queridas amigas, queridos amigos: aquí tenéis cordialmente la invitación a la apertura de la muestra del artista Pablo Reinoso que he comisariado, y que tendrá lugar el próximo día 13 en el Museo Nacional de Artes Decorativas. Será para mí muy grato poder contar con vuestra presencia. Abrazos.

Mi libro sobre Marcel Duchamp sigue adelante…

 - Publicación original: El aprendiz en el sol. Marcel Duchamp y la experiencia estética de la modernidad.

LaOficina, Madrid, 2023.

- Traducción y edición en Italia, con el apoyo y un excelente prefacio de Massimo Cacciari, a quien quiero expresar mi profundo agradecimiento:

Marcel Duchamp. L’apprendista nel sole e l’esperienza estética della modernità.

Morcelliana, Brescia, 2025.

- Y ahora, traducción y edición en Francia:

Marcel Duchamp et l’expérience esthétique de la modernité.L’apprenti dans le soleil.

Hdiffusion, Villiers Saint-Josse, 2025.

 

Exposición en la Fundación Juan March, Madrid

         Robert Rauschenberg: El vuelo de las imágenes

Es algo muy especial: en el año que se celebra el centenario de su nacimiento se presenta en Madrid una gran exposición del artista estadounidense Robert Rauschenberg (1925-2008), sin duda uno de los artistas de nuestro tiempo más consistente, y cuya obra sigue teniendo un largo aliento. La propuesta tiene lugar en la Fundación Juan March, donde en 1985 también se presentó la primera exposición de Rauschenberg en España.

Robert Rauschenberg con su obra Oracle [Oráculo] (1962-1965),

en la Castelli Gallery, N Y. 1965.

En esta ocasión se han reunido nada menos que 187 piezas, entre obras y soportes documentales. Organizada en seis secciones, y con un excelente y transparente montaje, podemos llegar a captar y comprender en profundidad las claves centrales de la trayectoria artística de Rauschenberg. Ante la pluralidad de medios y soportes expresivos utilizados por él, la clave de la muestra como se puede apreciar por su título es el papel que juegan las imágenes como núcleo de la pluralidad que predomina siempre en sus obras.

Los títulos de las secciones en la exposición, que articulan el recorrido, son: (1) FOTOGRAFIAR, (2) PROCESO DE TRABAJO, (3) COLABORACIONES CON TRISHA BROWN, (4) ROCI, (5) CONFIAR EN LOS MATERIALES y (6) CONECTAR CON LO DESCONOCIDO. A través de ellas vamos viendo los diversos soportes utilizados por Rauschenberg: pintura, fotografía, collages, serigrafías, e incluso objetos (por ejemplo, una silla) y animales disecados.

                           Mercadillo de Roma (I) (1953). Plata en gelatina, 38,1 x 38,1 cms.                                    Robert  Rauschenberg Foundation, N. Y.

El inicio con la fotografía nos lleva a todo un desencadenante, pues si su horizonte artístico se abrió desde la pintura en el eco del expresionismo abstracto, ya a comienzos de los años cincuenta empezó a trabajar en profundidad con los soportes fotográficos. De hecho, Rauschenberg se consideraba a sí mismo “fotógrafo y artista”. En un texto de 1986 señaló: “La fotografía tiene la ventaja evidente sobre otras profesiones artísticas de que, incluso con prejuicios y obsesiones, es indiscutiblemente la verdad.”

Y de eso se trata en sus planteamientos artísticos: de buscar la verdad, en un mundo en el que la abundancia de imágenes pragmáticas y mediáticas nos rodea y asedia continuamente, ante lo que es necesario producir imágenes cuyo objetivo prioritario sea la búsqueda y la representación de la verdad.

Estudio para pabellón chino de verano (1983). Copia cromogénica, 38,1 x 38,1 cms.

Robert Rauschenberg Foundation, N. Y.

La fotografía es referencial para Rauschenberg, pero en su búsqueda de lo que da el vuelo de la verdad a las imágenes es también decisiva su apertura a todo tipo de soportes expresivos. La utilización de la obra gráfica, de los planos (blueprints), el interés por las acciones: por la danza, por el teatro, y por los viajes… Y es importante destacar que en la realización de las obras utiliza continuamente la mezcla de todos esos diversos soportes, atendiendo a las características concretas del objetivo que se busca representar.

Su interés por los viajes le llevó en 1982 a la puesta en marcha de un proyecto colectivo, con muy diversos desplazamientos por todo el planeta, al que le dio el nombre: ROCI. Aquí el significado, en inglés: Rauschenberg Overseas Culture Interchange, y en traducción al español: Intercambio Cultural Transoceanico Rauschenberg. Rauschenberg entiende los viajes y desplazamientos como procesos de búsqueda de lo diverso, llevado en síntesis de transferencias de lenguajes y representaciones a las obras. Y de todo ello es también un signo el uso del anagrama: ROCI.

 Brick (Syn-Tex) [Ladrillo (Syn-Tex)] (1970). Collage con recortes de periódicos, papeles impresos, acuarela,  yeso y lápiz sobre papel, 101,6 x 69.9 cms. The Sonnabend Collection Foundation, N. Y.

Así justificó Rauschenberg su proyecto en 1982. “Es un enérgico ataque artístico multimedia para demostrar que un contacto artístico de 1 a 1 con las gentes del mundo generará paz + la comprensión de que la destrucción es el subproducto defensivo de la ignorancia y de las mentiras, y que en último término la paz está en manos del único vehículo que queda sin corromper: el arte.”

El compromiso artístico de Rauschenberg con la búsqueda de la verdad hizo de él lo que yo considero un artista pionero «multimedia», en el sentido más profundo del término. En lugar de limitarse a soportes de representación singulares y diferenciados, su trayectoria supuso una mezcla e intersección de muy diversos soportes, algo que él mismo cifró en su concepto de transferencia, una de las claves que permite comprender mejor el alcance que sus obras tuvieron y siguen teniendo.

                        'Topher (Ruminations) [Christopher (Rumiaciones)] (1999).                             Huecograbado, 99,7 x 69,9 cms. Robert Rauschenberg Foundation, N. Y. 

Rauschenberg utilizaba de un modo fundamental la fotografía, para construir collages o técnicas diversas de superposición, con ello se alcanzaba un nivel de más abstracción en las imágenes. Las transferencias se convierten en estructuras abiertas, de mezclas de significados, con resonancias musicales y lingüísticas en los ámbitos de las imágenes. De este modo, el vuelo de las imágenes alcanza una mayor intensidad.

Esta exposición ejemplar nos permite viajar en profundidad al profundo vuelo creativo de Rauschenberg. Y resulta de gran interés el papel que tiene para él la fotografía en el juego de las transferencias. En el texto de 1986, al que ya antes me referí, señala también: “La fotografía es un medio que depende de la luz intuida, hay brillo en la oscuridad. La revelación de la vida y los acontecimientos eleva la realidad.” De eso se trata: a través del vuelo artístico de las imágenes, Rauschenberg transfiere nuestra mirada para que así alcancemos a ver lo que habitualmente no vemos.

 

* Robert Rauschenberg: El uso de las imágenes. Comisariado: Manuel Fontán, Inés Vallejo y Lucía Montes. Fundación Juan March, Madrid. Del 3 de octubre de 2025 al 18 de enero de 2026.

* Publicado en EL CULTURAL: 

- Edición impresa, 10 de octubre de 2025, pgs. 30-31.

- Edición online: https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20251014/robert-rauschenberg-vuelo-imagenes-expresionista-abstracto-anticipo-arte-pop/1003743953329_0.html

 

Queridas amigas, queridos amigos:
Novedad en el horizonte de actividades, el próximo día 17 se inaugura la exposición de la artista mexicana Gina Arizpe LO QUE NO SE VE, comisariada por mí... Espero que podáis pasar a verla...

 

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